AGENDA CULTURAL

Fotografias em mostra virtual

12/nov

Foi inaugurada a ZYX Photo Art Gallery, uma galeria de arte virtual dedicada à fotografia. Totalmente digital, a galeria apresentará mostras de consagrados fotógrafos, como Evandro Teixeira, Frederico Mendes, Gui Paganini, Levindo Carneiro, entre outros, na plataforma www.zyx.solutions, de forma totalmente gratuita, disponível 24 horas, todos os dias da semana. A galeria inaugurou com a exposição “Superfícies”, de Ricardo Nauenberg, idealizador do projeto, que apresenta um ensaio fotográfico inédito sobre os desertos do Arizona e Utah, nos EUA. Com 75 fotografias inéditas, em preto e branco, produzidas nos dois últimos anos, as fotos destacam as formas e as linhas da paisagem.

Seguindo uma tendência mundial, a galeria simplifica e democratiza o acesso à arte, com uma programação dinâmica e bem-cuidada. “A ideia da galeria virtual é fazer com que as fotografias estejam acessíveis para todos, democratizando o acesso aos artistas e aos trabalhos, estimulando a formação de plateias. A internet é uma ferramenta quase sem fronteiras, que permite isso”, afirma Ricardo Nauenberg. Estão previstas novas exposições a cada mês, mas as mostras passadas também continuarão acessíveis ao público.

Marcone Moreira na Bergamin & Gomide

09/nov

Na última exposição do ano, que acontece entre os dias 12 de novembro a 19 de dezembro de 2020, a Bergamin & Gomide, Jardins, São Paulo, SP, apresenta a individual “Marcone Moreira: Conjunção”, realizada em colaboração com Fernando Mota. Serão cerca de 20 obras que compreendem quase 20 anos da trajetória do artista maranhense Marcone Moreira, abrangendo linguagens como pintura, escultura, instalação, entre outros.

O trabalho de Marcone Moreira está relacionado diretamente à memória de materiais impregnados de significados culturalmente construídos. Destacam-se os materiais escolhidos para compor as peças, retirados de carrocerias de caminhões e embarcações, chapas de ferro e artefatos de trabalhos. O artista desenvolve uma metodologia em que interessa especialmente a apropriação, o deslocamento e a troca simbólica de materiais, a partir de procedimentos que visam a representação da cultura popular na arte contemporânea.

“Marcone: o tempo do fazer suado exausto” por Aracy Amaral

Celebrar o trabalho mesmo que inadvertidamente a motivação emergindo quando observamos a série de realizações/opções ao longo do tempo parece ser o desdobramento da obra de Marcone Moreira.
Difícil escapar da indagação: qual é afinal o começo de um artista? Como desperta o desejo o impulso do fazer? Vendo os outros em atividade? Olhando em casa fazendo? A atração por muros carvão ou materiais lápis caneta papel e aquarela? Observando as coisas à volta? Anotando mentalmente o que vê? Ajudando acompanhando os outros construindo? À medida que a mão obedece à vontade o desejo de fazer mais fazer melhor ou acrescentar. A busca por outros materiais.
Madeira. Vendo muitas coisas de madeira à volta. Tocando as coisas sentindo sua superfície sua temperatura sua procedência. Móveis casas bandeiras mastros barcos. Fragmentos de barcos. Construções. A vontade de mexer desconstruir descobrir o processo ou como é feito.
Fascínio pelo cartaz de rua abandonado “adivinhando” a pintura descorada usada raspada dando lugar a outra nova visualidade. A vontade de cortar esses fragmentos usados reconstruindo-os em composição inesperada divorciada da primeira ou segunda ou terceira versão.
No processo de desconstrução: a beleza em si do fragmento. O todo separado em partes encerra um segredo beleza antes oculta impensada.
A surpreendente remontagem. Visualidade emergente nos fragmentos recortados geometricamente. A assepsia da composição emergente.
Encantamento da cor da matéria vivenciada no tempo. Resgate do tabuleiro manual de xadrez ou jogo de damas. Na beleza dos quadrados inseridos no quadrado elegância da simplicidade bicolor dos mesmos quadrados impecavelmente desenhados no plano da partida.
Nobreza do trabalho em madeira executada pela mão do homem nos porretes ou cepos. O corte que fere o lenho em “Ver o Peso”. A mão feminina repetindo a quebradeira de coco ou babaçu. Ou o olho captando a madeira ferida machucada. Ou que observa desejando refazer o processo. O tempo do trabalho: o fazer suado exausto do gesto repetido.
A motivação é do calor do ritmo da luz da cidade da periferia do povoado da oficina do vizinho que faz. O fazer é o reflexo daqueles que igualmente se apropriam das mensagens detritos comunicacionais remontados fascinantes coloridos urbanos suburbanos fluviais espaciais poderosos na imensidão verdejante.
A forte motivação que têm todos os artistas do Norte a contaminação de um meio e suas raízes poderosas seja do ponto de vista de cor como do espaço em que vivem – mestres observados desde Rui Meira e fotógrafos como em particular Luiz Braga ou um artista como Emanuel Nassar. Além de Marinaldo Santos e tantos outros – claro que também presentes no desenvolvimento de Marcone Moreira. Impossível escapar da potência de realidade ambiental que os impregna tão densamente.
Marcone Moreira nos chega das bordas desse universo imenso de vegetação dominante se debruçando com regularidade oscilante e curiosa nos universos suburbanos e ditos urbanos – que ele talvez acredite de sensibilidade cultivada. Vem sempre indeciso se a estes últimos adere e se converte em neo-habitante. Ou se retorna fiel – como sempre o faz – à sua “aldeia”. Onde o equilíbrio lhe pode talvez parecer mais verdadeiro.
Neste ponto recorro a um trecho do crítico britânico sir Herbert Read – de quem Mario Pedrosa era grande admirador – quem registrou que “As pessoas que fazem coisas – não tenho evidencia além de minha própria observação – parecem menos suscetíveis a colapsos nervosos, e uma das formas reconhecidas de tratamento para problemas mentais é conhecida como ‘terapia ocupacional’. Ninguém sugeriria que a função da arte seja meramente manter saudáveis as pessoas; mas ela tem seus efeitos subjetivos. O artista não apenas cria um objeto externo a si: ao fazê-lo ele também reorganiza vitalmente o equilíbrio de impulsos dentro de si”.

E ainda prossegue nesse texto: “Nosso olhar em relação à função social da arte portanto reforça o conceito libertário da arte. Todos os tipos de arte não são meramente permissíveis, porem desejáveis. As necessidades da sociedade compreendem, não apenas a estrutura externa num mundo para se viver, mas também uma estrutura interior de uma mente capaz de usufruir a vida”. E termina esse pensamento: “Devemos em consequência buscar métodos de estimular o artista – o artista latente dentro de cada um de nós”. (Herbert Read, To Hell with Culture, Schoken Books, New York, 1976, p. 123, trad. da autora).

Daniel Lannes exibe “Per noite”

03/nov

A Galeria Kogan Amaro, Jardim Paulista, São Paulo, SP, apresenta até 28 De Novembro, “Per noite”, exposição individual de Daniel Lannes.

“Nem todo retrato é um tributo”. Quem melhor para problematizar a burguesia do que os próprios burgueses? Quem melhor para desmantelar a construção da branquitude do que aqueles que dela se beneficiam? Em movimentos antirracistas recentes tem havido um incentivo para inspirar pessoas brancas a problematizar e desmantelar a branquitude entre si. Dos detalhes das conversas íntimas entre brancos, só eles sabem.

“Per noite” é uma exposição que trata da visão colonial da burguesia sobre o Brasil e sua história. Desde o século XV, o Brasil tem sido visto como um playground para elites e colonizadores. Um lugar de prazer, enfatizado por lendas sobre o Brasil e propagandas de turismo internacional. Para alguns, o Brasil é o lugar do nível pernoite, da exploração desenfreada. Com seus retratos que jogam com o espaço entre a sexualidade, a exploração e a vulgaridade, Daniel Lannes tanto critica quanto expõe a natureza das elites. Lannes quase sempre examina a natureza dos laços coloniais na cultura e na história brasileiras. Em Calcutá, por exemplo, ele pinta uma Carlota Joaquina idealizada, mostrando-a ao mesmo tempo como era – infestada de piolhos -, mas vista também como uma rainha chegando para reinar sobre o Novo Mundo. Conhecido por seus retratos que atenuam os limites entre homenagem e crítica, vê-se claramente as dicotomias presentes nas obras de Lannes ao longo da exposição.

Dito pelo não dito retrata o Rei Dom João relaxando gulosamente após ter sido aliviado por seu masturbador profissional. Vestido da cintura para cima com o uniforme de um membro da realeza, e preguiçosa e desnudadamente relaxado da cintura para baixo. À primeira vista, a imagem pode ser vista como um momento constrangedor, mas Lannes diz que, ao contrário, ela aborda a falta de vergonha da burguesia. O tipo de desigualdade de critérios cuja existência era permitida em um mundo onde o rei contrata um masturbador profissional, mas representa uma classe que via seus súditos coloniais como inerentemente mais sexualizados.

Lannes é também um contador de histórias, que dá espaço em suas pinturas para que o observador recorde histórias brasileiras famosas, e ao mesmo tempo convida-o a duvidar de seus legados. De quem nos lembramos quando nos concentramos e nos concentramos continua e novamente em certas histórias? Quem somos nós sem essas histórias e esses tributos constantes?

Tiffany Auttrianna Ward
Texto Crítico

Sobre o artista

Mestre em Linguagens Visuais pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (2012) e Bacharel em Comunicação Social pela PUC – Rio (2006). Dentre suas exposições individuais destacam-se: “A Luz Do Fogo” (2017), na Magic Beans Gallery, Berlim, Alemanha; “Costumes” (2014) e “Dilúvio” (2012), na Galeria Luciana Caravello Arte Contemporânea; “República” (2011), no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; “Só Lazer” (2011), na Galeria de Arte IBEU, no Rio de Janeiro; “Midnight Paintings” (2007), no Centro Cultural São Paulo, entre outras. Dentre as exposições coletivas destacam-se: “HÖHENRAUSCH”, Eigen + Art gallery, Berlin, Alemanha e “Ao Amor do Público I” – Doações da ArtRio (2012-2015), ambas em 2016; “Tarsila e Mulheres Modernas”, no Museu de Arte do Rio (MAR) e “Renaissance”, na Maison Folie Wazemmes, na França, ambas em 2015; “Crer em Fantasmas” (2013), na Caixa Cultural de Brasília; “Gramática Urbana” (2012), no Centro de Arte Hélio Oiticica; “Arquivo Geral” (2009), no Centro Cultural da Justiça Federal; “Painting’s Edge” (2008), RiverSide Museum of Art, nos EUA, entre outras. Foi um dos vencedores da 6ª edição do Prêmio Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas (2017-2018). Realizou residência artística no Kunstresidenz Bad Gastein, Bad Gastein, Áustria, em 2015. Foi selecionado em 2015 para representar a cidade do Rio de Janeiro no Festival de Arte Lille3000, em Lille, França, foi indicado à 10a edição do Programa de prêmios e Comissões da Cisneros-Fontanals Art Foundation (CIFO) 2013 e contemplado com o prêmio FUNARTE Arte Contemporânea (2012). Foi, ainda, indicado ao Prêmio PIPA em 2011 e em 2012 e foi o ganhador do Prêmio Novíssimos do Salão de Arte IBEU (2010). Recebeu também bolsa de residência artística no The Idyllwild Arts Program Painting’s Edge, California, EUA, 2008, e bolsa de estudos na State University of New York / Fine Arts Department, em 2004. Possui obras em importantes coleções públicas como Museu de Arte do Rio de Janeiro (MAR); Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, entre outras.

Uma joia naïf

A cidade histórica de Paraty, Rio de Janeiro, RJ, deverá ganhar, em breve, um Mini Museu de Arte Naïf: o MIMAN, será uma joia no Caminho do Ouro. Uma das curadoras do novo espaço será Jacqueline Finkelstein, diretora do Museu Internacional de Arte Naïf (MIAN), que fechou as portas no Cosme Velho, em 2016, e possui um dos maiores acervos do gênero de trabalhos. Completam o time, na curadoria das obras e artistas, o especialista em História da Arte Augusto Luitgards e Pedro Cruz Lima, sócio-fundador e diretor do MIMAN com André Cunha. O museu ficará instalado no centro histórico da cidade e terá como proposta apresentar telas em pequenos formatos, em local intimista, sendo esta a razão do nome. A inauguração está prevista para julho de 2021.

Zerbini no Oi Futuro

Nesta quinta-feira, dia 05 de novembro, será inaugurada a grande exposição “Campo Expandido”, com obras inéditas de Luiz Zerbini, um dos mais destacados artistas da chamada Geração 80, que ocuparão todo o espaço expositivo além da fachada lateral de vidro e da claraboia do Centro Cultural Oi Futuro, Praia do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ. O evento marca a reabertura do espaço à visitação presencial após sete meses de fechamento por causa da pandemia. Serão apresentadas instalações e intervenções inéditas, pensadas especialmente para esta mostra, que permeia os campos da arte, da tecnologia e da ecologia. Adesivos coloridos e translúcidos cobrirão toda a fachada de vidro e a claraboia do Centro Cultural Oi Futuro, fazendo com que a luz natural adentre o espaço, colorindo todo o ambiente. A curadoria é de Alberto Saraiva.

A exposição será imersiva e, na primeira galeria, o público poderá caminhar sobre o chão coberto de areia num ambiente composto por árvores, plantas medicinais e ornamentais e luz solar. Na segunda galeria, passarelas de madeira levarão o público a interagir com a obra instalada no espaço, que forma um imenso jardim-floresta com mais de 50 árvores e arbustos, sendo a maioria delas palmeiras de diversas espécies. E na terceira galeria serão expostas monotipias inéditas, utilizando folhas de árvores diversas como matriz. “A proposta da exposição é pensar a natureza em relação ao futuro, evocando o passado. E o mesmo com a tecnologia, trazendo a interação para algo cotidiano, menos espetacular, mais reflexivo”, diz Luiz Zerbini.

Farsa. Língua, fratura, ficção: Brasil – Portugal

SESC Pompeia

De outubro de 2020 a janeiro de 2021

A palavra “farsa” aponta para uma ironia, uma torção dos sentidos. Pode significar uma paródia que diverte, mas também um dedo que expõe uma ferida aberta. “Farsa” rodopia sobre si própria, ri de si mesma.

Evocar os significados dessa palavra numa exposição construída em torno da língua e da linguagem, e com a participação de artistas que atuam no espaço de expressão do português, sobretudo em Portugal e no Brasil, é uma maneira de interrogar uma das armadilhas mais latentes da nossa história comum: a suposta unidade linguística e o inerente pertencimento, banhados pela hegemonia luso-tropical.

Curadoria: Marta Mestre

Curadoria adjunta: Pollyana Quintella

Visitações com agendamento prévio através de: http://bit.ly/farsa-sescpompeia

ARTISTAS PARTICIPANTES: AGRIPPINA R. MANHATTAN, ALEXANDRE ESTRELA, ALINE MOTTA E RAFAEL GALANTE, ÁLVARO DE SÁ, FLÁVIO DINIZ E NEIDE SÁ, ANA HATHERLY, ANA PI, ANA VIEIRA, ANDREA TONACCI, ANITTA BOA VIDA, ANNA BELLA GEIGER, ANNA MARIA MAIOLINO, CARLA FILIPE, CARMELA GROSS, CAROLINE VALANSI, CLARA MENÉRES, CLARISSA TOSSIN, DAYANA LUCAS, DENISE ALVES-RODRIGUES, DJ PELÉ, E. M. DE MELO E CASTRO, EVA RAPDIVA, FRANCISCA CARVALHO, GAL COSTA, GÊ VIANA E MÁRCIA DE AQUINO, GRADA KILOMBA E JOTA MOMBAÇA, GRETTA SARFATY, HELENA ALMEIDA, HELENA IGNEZ, JOÃO VIEIRA, JOTA MOMBAÇA, KATÚ MIRIM, LINN DA QUEBRADA, LÚCIA PRANCHA, LYGIA PAPE, MARIANA DE MATOS, MARIANA PORTELA ECHEVERRI, MARINA DALGALARRONDO, MIRA SCHENDEL, MOVIMENTO FEMININO PELA ANISTIA NO BRASIL, MUMTAZZ, MÚSICA PORTUGUESA A GOSTAR DELA PRÓPRIA, NEIDE SÁ, NELLY GUTMACHER, NOITE & DIA, OLGA FUTEMMA, PAULA REGO, PAULO BRUSCKY, PÊDRA COSTA, PIETRINA CHECCACC, POLA RIBEIRO E ANA NOSSA, REGINA SILVEIRA, REGINA VATER, RENATA LUCAS, RITA NATÁLIO, RITA NATÁLIO E ALBERTO ÁLVARES, SALETTE TAVARES, SARA NUNES FERNANDES, THEREZASIMÕES, TITICA, TÚLIA SALDANHA, VERA MANTERO, VICTOR GERHARD, VON CALHAU!, YULI YAMAGATA

DA VINCI E O HOMEM VITRUVIANO

28/out

Convidamos a todos para a próxima palestra online do Centro de História da Ciência, “Da Vinci e o Homem Vitruviano” tendo como palestrante

Walter Miranda (artista plástico, crítico de arte e professor de história da arte) e Gildo Magalhães dos Santos (FFLCH e IEA/USP) como o moderador. Dia 29 de Outubro, das 11 às 12h30min.

RESUMO

O mais famoso desenho da história das artes foi criado por Leonardo da Vinci. Conhecido como Homem Vitruviano, o desenho já faz parte do inconsciente coletivo mundial, porém poucos conhecem sua fascinante história. Ela passa por diversas etapas, relacionadas com as proporções da figura humana, porém sempre atreladas a interpretações cosmológicas e sagradas.

Baseados no Tratado de Arquitetura escrito pelo arquiteto romano do século I a.C. Marco Vitrúvio Polião, muitos estudiosos anteriores e contemporâneos a Leonardo tentaram infrutiferamente comprovar as teses anatômicas de Vitrúvio. Muitos tentaram essa façanha, alguns inclusive em conjunto com Leonardo, mas somente a genialidade dele conseguiu concretizar esse sonho em um desenho de extrema qualidade técnica e artística. Prova maior é a inegável aceitação e admiração que o desenho provoca em todos nós.

O desenho do Homem Vitruviano é a culminação de um conceito filosófico que se originou entre os primeiros filósofos gregos e foi incorporado por Vitrúvio. Com o tempo, ele foi ganhando forma e corpo devido à teologia e filosofia Medieval que repercutiu no pensamento Renascentista.

Em suma, o Leit Motif da palestra será a incorporação de um conceito que ganhou vida própria e foi transformando a filosofia e teologia ocidental sobre o entendimento que o ser humano tem de si mesmo. A necessidade de representar o homem como criação de Deus à sua imagem e semelhança, influenciou filósofos, teólogos, artistas, arquitetos etc. a associarem o microcosmo com a criação e o macrocosmo com o criador. Assim, as proporções harmônicas do corpo humano seriam a materialização da harmonia universal.

Para assistir basta acessar o link abaixo e pedir para participar.

www.iea.usp.br/aovivo

Carlos Fajardo “De Soslaio”

27/out

A Galeria Marcelo Guarnieri, Jardins, apresenta em sua programação, entre os dias 11 de novembro de 2020 e 15 de janeiro de 2021, “De soslaio”, a primeira exposição individual do artista Carlos Fajardo na sede da galeria em São Paulo. A mostra reúne obras produzidas entre 2017 e 2020, sendo a maior parte delas feitas em diálogo com o espaço da galeria, concebidas especialmente para a exposição. Em “De soslaio”, Fajardo dá continuidade à investigação que desenvolve há mais de cinco décadas sobre as relações espaciais entre o corpo, o objeto e a arquitetura, realizada nesta ocasião através do trabalho com materiais reflexivos, transparentes e luminosos.

A partir das diferentes escalas das três salas da galeria, fotografias e esculturas em vidro, espelho e tecido se articulam no espaço, ativando percepções sensoriais do espectador que pode ser a um só tempo o observador – através das frestas – e o observado – através do espelho. O sentido da visão é convocado na exposição não apenas pelas obras, que examinam aspectos relacionados à formação e multiplicação da imagem, seja ela fotográfica ou virtual, mas também como enunciação em seu título formado por uma palavra que alude ao desvio do olhar. Potenciais desvios acompanham o espectador em seu percurso pela mostra, rodeado por um material como o vidro, tão frágil e ao mesmo tempo tão forte em sua constituição, sobretudo intimidador por sua capacidade de revelar a nossa própria imagem.

A primeira sala, a menor das três, recebe um conjunto de cinco trabalhos que são também os menores da exposição. Encostados na parede e dispostos na altura do olhar, são compostos por fotografias e vidros laminados coloridos e transparentes de 0,60cm. A sobreposição dessas superfícies em um determinado ângulo de inclinação produz o efeito de multiplicação de cores e planos, permitindo ao espectador acessar uma terceira dimensão. A obliquidade que orienta a montagem destes e de outros trabalhos formados por placas de vidro, surge na segunda sala sem o apoio das paredes, ao menos fisicamente. É o caso da peça em que quatro placas retangulares se sustentam por uma estrutura quadrangular em suas extremidades superiores, formando um espécie de paralelepípedo semi-aberto, independente no espaço. A parede, no entanto, ainda é parte do assunto. Um corte retangular atravessa aquela que serve de divisória entre a segunda e a terceira sala, permitindo ao espectador uma visão discreta e particular das obras apresentadas ali, principalmente daquela que ocupa a outra extremidade do ambiente.

O jogo entre transparências e opacidades se repete aqui, já que após percorrer os quatorze metros que separam as duas extremidades da sala, o olhar encontra a fotografia de um quarto – o mais íntimo dos ambientes domésticos – iluminado pela luz natural de uma janela aberta, onde é possível apenas vislumbrar, por detrás de uma cortina translúcida, uma cama desfeita. Ao filtro da cortina, que perde a qualidade tátil de sua textura porque transforma-se em imagem, Fajardo adiciona duas placas de vidro colorido, o que acaba fazendo com que a imagem mais nítida ali seja a do próprio reflexo daquele que observa a obra. Se, através daquela fresta na parede, a mirada era discreta e distante, o encontro com as peças nessa última sala requer um espectador mais desinibido. Devido a suas grandes dimensões, as três peças móveis que dividem o espaço com outras três fixas que se encostam na parede, produzem uma relação mais direta com o corpo e convidam ao embate frontal. Distribuídas pela sala, amplificam o espaço, multiplicando reflexos nas inúmeras combinações que podem ser geradas a partir de suas possíveis movimentações.

Sobre o artista

Carlos Fajardo nasceu em 1941 em São Paulo, SP, onde vive e trabalha. Sua obra tem uma presença relevante no panorama da arte brasileira assim como sua atuação de mais de 40 anos como professor. Ao longo de sua carreira, participou de diversas exposições importantes no Brasil e no exterior, dentre as quais Jovem Arte Contemporânea, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP), em 1967, organizada por Walter Zanini. Participou das 9ª, 16ª, 19ª, 25ª e 29ª edições da Bienal Internacional de São Paulo, respectivamente em 1967, 1981, 1987, 2001 e 2010. Representou o Brasil na Bienal de Veneza em 1978 e em 1993. Com Nelson Leirner, José Resende, Geraldo de Barros, Wesley Duke Lee e Frederico Nasser integrou, de 1966 a 1967, o Grupo Rex. O grupo questionava as instituições e o modus operandi do sistema de arte por meio de intervenções, publicações, palestras, projeções ou encontros. Em 1970 fundou junto a José Resende, Luiz Paulo Baravelli e Frederico Nasser a Escola Brasil, um “centro de experimentação artística dedicado a desenvolver a capacidade criativa do indivíduo” que foi importante não só na formação de muitos artistas brasileiros, mas também no amadurecimento das discussões sobre o ensino e o aprendizado de arte no país.

A exposição poderá ser visitada mediante agendamento, de segunda á sexta-feira das 10h às 19h e aos sábados das 10h às 17h. Para agendar, é solicitado contato por email (info@galeriamarceloguarnieri.com.br), telefone (11 3063 5410) ou Whatsapp (11 96858-9005), informando nome completo e indicando o dia e horário de sua visita. Para a segurança do espectador/visitante é obrigatório o uso de máscara durante todo o tempo que estiver na galeria.

Osgemeos na Pinacoteca

26/out

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo exibe, até 22 de fevereiro de 2021, “OSGEMEOS: Segredos”, primeira exposição panorâmica da dupla de artistas formada pelos irmãos Otávio e Gustavo Pandolfo. A mostra conta com mais de 1000 itens, cerca de 50 inéditos ou nunca exibidos no país e mais de 1000 itens desse rico imaginário.

A dupla construiu uma trajetória no mundo das artes sem nunca ter perdido de vista o desejo de manter-se acessível ao grande público. Esse percurso inclui a participação em mostras nas principais instituições internacionais, como o Hamburger Bahnhof, em Berlim, em 2019, com um projeto concebido em parceria com o grupo berlinense de breakdance Flying Steps – um dos mais premiados mundialmente; a Vancouver Biennale, Canada (2014); o MOCA – Museum of Contemporary Art, em Los Angeles (2011); o MOT – Museum of Contemporary Art Tokyo, em Tóquio, Japão e a Tate Modern, em Londres, Reino Unido (ambas em 2008) e a Trienale de Milão (2006), entre outros. Ao longo de sua carreira, os irmãos também receberam convites para criar para os principais espaços públicos de mais de 60 países, incluindo Suécia, Alemanha, Portugal, Austrália, Cuba, Estados Unidos – com destaque para os telões eletrônicos da Times Square, em Nova York (2015) -, entre outros.

Otávio e Gustavo sempre tomaram o espaço urbano como lugar de vivência e de pesquisa desde o início de sua produção, em meados da década de 1980. Os artistas partiram de uma forte imersão na cultura hip hop, que havia chegado ao Brasil no momento em que os irmãos começaram a produzir, e da influência da dança, da música, do muralismo e da cultura popular para desenvolver um estilo singular, com atmosfera alegre, que acabou se tornando um emblema dos espaços urbanos pelo Brasil e pelo mundo.

Seus trabalhos contam histórias – às vezes autobiográficas – cujas tramas envolvem fantasia, relações afetivas, questionamentos, sonhos e experiências de vida. OSGEMEOS mantém seu ateliê, até hoje, no Cambuci, antigo bairro de operários e imigrantes na região central de São Paulo, no qual passaram sua infância e juventude. A partir da década de 1990, suas experimentações – não só em grafitti, mas também pintura em telas e esculturas estáticas e cinéticas – ultrapassaram os limites bidimensionais, culminando na construção de um universo próprio que opera entre o sonho e a realidade.

Para a mostra na Pinacoteca, o duo apresenta pinturas, instalações imersivas e sonoras, esculturas, intervenções site specific, desenhos e cadernos de anotações. Esses últimos, da fase ainda adolescente e apresentados ao público pela primeira vez, antecedem os famosos personagens amarelos, abrindo caminho para a compreensão da raiz de seu surgimento. O corpo de obras invade o museu, ocupando as sete salas de exposições temporárias do primeiro andar, um dos pátios, diversos espaços internos e externos, além de uma instalação, concebida especialmente para o Octógono.

A Pinacoteca, enquanto instituição tradicional criada para valorizar a produção da arte brasileira, reafirma seu compromisso ao apresentar, de maneira abrangente, a produção de OSGEMEOS. “Se, na época moderna, o fenômeno artístico tem a cidade como seu lugar de existência, pensar a arte é pensar sua inscrição na urbanidade. O urbano, a cidade, as relações que se dão nesse espaço específico, são tanto temas da arte quanto o próprio modo de sua aparição. Viver em cidades significa partilhar de uma sociabilidade singular, marcada pelo deslocamento, pelo anonimato, pela produção coletiva, geradores de conflitos e desigualdades, mas também dotada de um potencial de liberdade e transformação, caros às práticas da arte moderna e contemporânea”, finaliza Jochen Volz, diretor-geral da Pinacoteca e curador da mostra.

Durante os meses em que a exposição estiver em cartaz, o museu será tomado pelo estilo e pela grafia inconfundível da dupla de artistas. A loja da Pina receberá um conjunto de novos produtos desenhados por eles, como canecas, camisetas e bonés. Temporariamente, o tradicional letreiro na fachada que traz o nome da instituição, criado pelo premiado designer gráfico Carlos Perrone nos anos 1990, será substituído por um luminoso desenhado especialmente pel´OSGEMEOS. Da mesma forma, as assinaturas eletrônicas dos emails dos funcionários do museu, que hoje trazem a logo da instituição, serão trocadas provisoriamente pela nova identidade.

A exposição tem patrocínio de Bradesco (cota apresenta), Samsung e Grupo Boticário (cota master), IRB Brasil RE (cota platinum), Iguatemi São Paulo e GOL Linhas Aéreas (cota ouro), escritório MattosFilho, Allergan, Cielo e Comgás (cota prata) e Havaianas (cota bronze).

Catálogo

A exposição “OSGEMEOS: Segredos” é acompanhada de dois catálogos, em português e em inglês. O primeiro inclui apresentação do diretor-geral da Pinacoteca Jochen Volz, textos inéditos de Julia Flamingo e de Paulo Portella, além de imagens de obras da exposição e de outros projetos. O segundo apresentará vistas da exposição na Pinacoteca de São Paulo.

Ação Educativa

O Núcleo de Ação Educativa da Pinacoteca (NAE) oferece material de apoio à prática pedagógica para instituições de ensino e curso virtual de formação para professores em data a definir. As visitas guiadas para grupos estarão temporariamente suspensas.

Protocolo de acesso

Antes de entrar na Pinacoteca, o público terá a sua temperatura aferida, e quem estiver com temperatura acima de 37,5° e/ou mostrar sintomas e gripe/resfriado deverá buscar ajuda médica e não poderá acessar o museu. O uso de máscara será obrigatório em todos os espaços e durante toda a visita. Não será permitido tirar a máscara em nenhum momento, como por exemplo para fotografias/selfies. Os espaços terão álcool gel para a higienização das mãos, além de uma nova sinalização que indicará o sentido de circulação e o distanciamento mínimo de 1,5m entre pessoas.

O museu funcionará em horário reduzido, das 14h às 20h, e o fluxo de público será orientado pelos atendentes e por sinalização elaborada para facilitar a circulação. O tempo de permanência no prédio também será de no máximo 1 hora.

Os ingressos serão vendidos por datas e horários marcados no site da Pinacoteca (www.pinacoteca.org.br), inclusive os gratuitos, presente da IRB Brasil. Aos sábados, a entrada também permanece gratuita, no entanto é preciso reservar também pela internet.

Consulte o protocolo completo no site da Pina (www.pinacoteca.org.br).

Sobre os artistas

Projetos recentes da dupla incluem exposições individuais em: Frost Art Museum (Nashville, 2019), Hamburger Bahnhof (em colaboração com Flying Steps) (Berlim, 2019), Mattress Factory (Pittsburgh, 2018), Pirelli HangarBicocca (Milão, 2016), Museu Casa do Pontal (Rio de Janeiro, 2015), ICA – The Institute of Contemporary Art (Boston, 2012). Suas obras integram coleções importantes ao redor do mundo, como: MOT (Tóquio), Franks-Suss Collection (Londres), MAM-SP (São Paulo), Pinacoteca do Estado de São Paulo (São Paulo), Museu Casa do Pontal (Rio de Janeiro).

Museu Afro Brasil retoma atividades

20/out

O Museu Afro Brasil, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, gerida pela Associação Museu Afro Brasil, retomará suas atividades presenciais a partir da próxima terça-feira, 20 de outubro, às 11h. Após mais de seis meses de paralisação em decorrência da pandemia da Covid-19, a retomada das ações com público presencial seguirá rígidos protocolos sanitários que buscam a manutenção da segurança e saúde de usuários e equipes do museu, conforme orientações de autoridades estaduais e municipais.

Entre as ações planejadas, estarão disponíveis as mais de 8 mil obras que compõem a exposição de longa duração do museu. Dividida em seis núcleos temáticos, a mostra aborda temas relacionados à arte, cultura, história e memória africana e afro-brasileira; visando promover o reconhecimento, a valorização e a preservação do patrimônio nacional.

A exposição temporária “Heranças de um Brasil Profundo” é outra mostra que estará aberta para visitação. Inaugurada em janeiro de 2020, com curadoria de Emanoel Araujo, nela o público poderá entrar em contato com fotografias, esculturas, pinturas e instalações que remontam aos universos culturais indígenas. Patrocinada pela EDP Brasil, com o apoio do Instituto EDP, Heranças de um Brasil Profundo possui mais de 500 peças produzidas em diferentes tempos, por diversos olhares indígenas e não-indígenas.

Por fim, uma instalação concebida por Emanoel Araujo presta uma homenagem aos 150 anos do poema “Navio Negreiro”, do poeta oitocentista Castro Alves. Realizada em diferentes planos, a montagem apresenta, em dimensões tridimensionais, a conhecida litogravura “Escravos negros no porão do navio”, de Johann M. Rugendas, ladeada por plotagens de Hansen Bahia, xilogravador alemão que radicou-se no Brasil. Outro destaque da instalação está em sua especial trilha sonora, cuja leitura do poema é feita pelas vozes de Caetano Veloso e Maria Bethânia, sob harmonia e ritmo de Carlinhos Brown.

O Museu Afro Brasil segue os protocolos e orientações legais para a reabertura e contato presencial. Seus funcionários estão sendo capacitados e a infraestrutura do prédio está adequada com as novas normas técnicas para o funcionamento de equipamentos culturais.