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AGENDA CULTURAL

Diferentes pesquisas plásticas.

19/set

Artur Fidalgo Galeria, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ,  exibe duas exposições individuais sob a curadoria de Vanda Klabin. Os artistas Lucas Rubly e Willy Reuter, representados pela galeria, inauguram mostras inéditas que evidenciam diferentes pesquisas plásticas.

Em sua primeira individual no espaço, “Lucas Rubly: A opacidade do mundo” reúne 17 pinturas inéditas em óleo e cera sobre tela, produzidas ao longo de 2025. Trabalhando em formatos reduzidos, Lucas Rubly explora o silêncio e a contemplação, construindo narrativas sutis a partir da contenção formal.

Já “Willy Reuter: O engano do olhar” nasce de um processo experimental combinando técnicas e suportes. Nessa exposição, o artista apresenta oito objetos em cerâmica, duas pinturas em técnica mista sobre linho e três desenhos sobre papel, convidando o público a percorrer um universo particular, de atmosfera onírica e sugestiva.

Até 10 de outubro.

Série Crua apresenta Marcelo Conceição.

O terceiro episódio da série Crua, que será lançado dia 23 de setembro, às 12h, traz o artista Marcelo Conceição, que apresenta sua casa-ateliê em Niterói. Nascido em uma família com 11 irmãos, o escultor autodidata passou mais de uma década vivendo nas ruas do Rio de Janeiro, depois de perder parentes no trágico desabamento do Morro do Bumba. Desde então, o artista, que se autodenomina garimpeiro urbano, passou a criar esculturas com materiais reciclados e orgânicos, como madeira de caixotes, bambu, rolha e barbante. No terceiro episódio da série Crua, podemos acompanhar a produção de uma de suas esculturas, com reaproveitamento de materiais coletados nas ruas e gravetos de bambu.

Série idealizada e dirigida por Ana Pimenta e João Marcos Latgé. O projeto é apresentado pelo Governo Federal, Ministério da Cultura, Governo do Estado do Rio de Janeiro, Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Rio de Janeiro, através da Política Nacional Aldir Blanc.

Sobre o artista.

Os movimentos da geometria.

“As obras devem ser concebidas com fogo na alma, mas executadas com uma frieza clínica”

Joan Miró

Volumes tridimensionais, contraposição de planos, texturas, linhas simétricas que exploram cores primárias com precisão. Bastante frequentes no trabalho de Marco Figueiredo, essas características se fazem ainda mais presentes na nova série apresentada ao público em exposição no icônico Santa Teresa MGallery, Rio de Janeiro, RJ, a partir do dia 09 de outubro. “Marco Figueiredo: (In)Congruências do Imaginário” é a segunda individual do artista no Brasil exibindo cerca de 30 trabalhos em diferentes suportes, utilizando colagem, recortes em papel e pintura a óleo sobre tela, em grandes, médios e pequenos formatos (alguns polípticos, trípticos e dípticos). Explorando os movimentos da geometria, ele mantém coesão na forma como ocupa os planos, sem deixar de conduzir o espectador em uma imersão fluida através dos elementos que povoam o seu imaginário.

Sobre o artista.

Autodidata, Marco Figueiredo reside atualmente entre Miami e o Rio de Janeiro, dividindo quase todo seu tempo entre a produção artística e a pesquisa de novas técnicas e processos. Ao longo dos anos, frequentou cursos de aprimoramento: no New York Art Center Studies e no Ateliê Gonçalo Ivo, em Paris. Entre as exposições realizadas, destacam-se uma coletiva no Miami Art Center e as individuais na Miriam Fernandes Art Gallery, em Miami, e no Centro Cultural Correios do Rio, em 2019. Suas obras estão expostas em espaços públicos e integram coleções privadas em países como Estados Unidos, Japão, Holanda, França e Suíça.

Natureza e Ordem

por Gonçalo Ivo

O meticuloso trabalho de Marco Figueiredo me remete a tempos imemoriais. Passeio por abstrações de origem árabe e geometrias inesperadas, como se pisasse em folhas outonais no solo de Alhambra ou do Alcazar de Sevilha. Há obras que se irmanam com a tradição concreta e neoconcreta brasileira dos anos 1960 e 1970. Outras transcendem uma estrada vicinal da Op Art. Mas essas são apenas referências trazidas da história recente da arte. O que está diante de nossos olhos é a realização do desejo de um artista que quer e concretiza sua intuição e seu labor. Vê-se aqui uma de suas inúmeras séries, composta de pequenas flores a desabrochar do plano e a revelar cores que se escondem entre pétalas finamente recortadas pelas mãos deste obreiro da luz. Engastada em rigorosa geometria, nos faz pensar em azulejos, cristais e até mesmo no nascimento de estruturas sustentando um mundo que deve, por sobrevivência, sair do caos e mirar a ordem e a harmonia.

Até 08 de dezembro.

Panmela Castro na Temporada Brasil-França.

18/set

Exposição destaca protagonismo de mulheres negras na luta por direitos na triangulação Atlântica, Brasil, França e Senegal. A artista Panmela Castro inaugura a exposição “Retratos Relatos: Revisitando a História” no espaço cultural Les Jardiniers, em Montrouge, região metropolitana de Paris, França. Com curadoria de Maybel Sulamita, a mostra integra a programação oficial da Temporada Brasil-França 2025 e reúne 15 pinturas inéditas que contam a história de mulheres negras do Brasil, da França e do Senegal que lutaram pelo avanço dos direitos femininos.

Entre as figuras retratadas estão nomes como a intelectual brasileira Lélia González e a escritora brasileira Carolina Maria de Jesus; a cineasta senegalesa Safi Faye e a famosa cantora francófona Josephine Baker, cujas trajetórias são revisitadas e recontadas a partir de uma visão contemporânea. Dessa forma, a exposição propõe um exercício de reimaginação das narrativas sobre essas mulheres.

“Retratos Relatos surgiu das histórias que as mulheres contavam para mim. Comecei a transformar esses relatos em retratos, e este foi um projeto que circulou por muitos lugares do Brasil. Para a Temporada Brasil-França, escolhemos mulheres que já não estão mais vivas para contar suas histórias, mas que ainda assim são importantes de serem contadas”, afirma a artista.

As pinturas expostas são acompanhadas de relatos biográficos com informações acessíveis sobre a vida, o legado e a relevância dessas mulheres. Durante a exposição, Panmela Castro participa de uma residência artística na instituição, com o objetivo de conviver com a comunidade local e promover o intercâmbio entre as culturas. Panmela Castro pretende desenvolver três novos retratos para a exposição: o da cientista da computação senegalesa Rose Dieng-Kuntz; o de Alice Mathieu-Dubois, primeira mulher negra francesa a se formar em Medicina; e o da defensora dos direitos humanos brasileira Alessandra Makkeda.

Até 31 de outubro.

Exposição evocando memórias e emoções.

Pinturas oníricas inéditas do artista Sergio Lopes serão apresentadas na Sergio Gonçalves Galeria, Jardim América, São Paulo, SP. Trata-se de uma fronteira tênue entre palavra e imagem. As obras de Sergio Lopes que serão expostas na individual “I’m a Book” a partir do dia 24 de setembro, conduzem o espectador em uma imersão pelos extratos narrativos do artista. Sua arte propõe uma leitura visual que ultrapassa a simples imagem, evocando memórias, emoções e, sobretudo, a sensação íntima de abrir uma nova história – tal como se desfolha um livro.

 Em cada tela, a figura humana, o traço, os vazios e os gestos pictóricos se organizam como páginas de uma narrativa sensorial. A curadoria foi feita pelo artista em parceria com Sergio Gonçalves, que selecionaram cerca de 15 obras recentes e inéditas em acrílica sobre tela, além de esculturas que reproduzem lápis em vários tamanhos e estarão pendendo do teto, compondo uma instalação.

Com grande domínio da figura humana, influências renascentistas e um olhar atento à matéria, Sergio Lopes construiu uma expressiva trajetória artística passando pela série Clowns, pela poética das Cartas de Amor, até suas representações de animais e cenas com forte carga simbólica. Cada pintura é uma página viva, aberta ao olhar, à emoção e à interpretação. A experiência expande o olhar e ressoa além do visual, criando um diálogo entre  quem vê e quem sente.

Sobre o artista.

Sergio Lopes nasceu em Caxias do Sul, RS, 1965,  artista plástico cuja obra expressa uma síntese rara entre pesquisa conceitual, refinamento técnico e sensibilidade estética. Formado em Educação Artística pela Universidade de Caxias do Sul, também é docente nas disciplinas de Desenho, Pintura e Criatividade. Sua produção transcende fronteiras regionais e tem presença em importantes coleções e exposições no Brasil e no exterior.

Até 11 de outubro.

A obra de Jorge Guinle em Curitiba.

Durante sua estadia em Nova York, entre 1985 e 1986, Jorge Guinle produziu 14 pinturas de grande formato, e boa parte delas nunca foi exibida. A Simões de Assis, Curitiba, PR, reúne 10 desses trabalhos antes desconhecidos, lançando novas perspectivas sobre a trajetória de Jorge Guinle. O conjunto revela um momento de inflexão em sua poética, quando abstrações de forte natureza gestual se projetam nas telas de maneira vibrante, ao lado de trabalhos mais marcados por amplos campos de cor. Jorge Guinle definia suas obras como representação de uma “iconografia abstrata”, na qual a história da arte é mais um universo visual a ser explorado em seus valores e oposições.

“A emoção que sinto quando a tela está pronta é muito forte. É uma emoção incrível e que nunca confessei. Uma emoção total, de harmonia com o mundo, de felicidade. Uma emoção fortíssima de volta ao passado e a todas as memórias passadas. Uma sensação de comicidade das coisas da vida como num momento Zen, onde você vê todo o absurdo mas o acha engraçado. Uma segurança total perante o mundo, uma felicidade, uma calma, uma sensação de paz. Quando levo uma tela de um lugar para outro, seguro-a com especial carinho, sentindo sua rugosidade, seu chassis. Em vez de fazer uma meditação eu pinto. É assim que encontro o meu sartório: a total paz com relação ao mundo onde os contrários se unem.”

Uma posição singular na arte brasileira.

17/set

Emmanuel Nassar exibe “Este Norte 2025″, sua nova individual na Almeida & Dale, Vila Madalena, São Paulo, SP.

Com texto crítico de Victor Gorgulho, a exposição apresenta obras criadas desde a década de 1980 até trabalhos inéditos, traçando um panorama instigante da produção de Emmanuel Nassar. São pinturas, objetos e peças da série “Trapioca” que representam o vocabulário visual construído pelo artista ao longo de quatro décadas.

A exposição ressalta a posição singular – quase paradoxal – que Emmanuel Nassar ocupa na arte brasileira, ao articular signos das culturas populares e de massas do Norte do Brasil a vertentes como a Pop arte e o Concretismo.

Exposição resgata memórias da ditadura.

Exposição do fotógrafo Gustavo Germano homenageia desaparecidos políticos e propõe reflexão sobre os impactos da violência de Estado.

Até 08 de outubro, o Arquivo Histórico Municipal de São Paulo (AHM), Bom Retiro, exibe a exposição Ausências Brasil, do fotógrafo argentino Gustavo Germano. A mostra, realizada em parceria com o Núcleo de Preservação da Memória Política (NM), traz um olhar sensível e contundente sobre os desaparecidos políticos durante a ditadura civil-militar brasileira (1964–1985). A proposta é confrontar o público com a ausência transformada em imagem. As fotografias de Gustavo Germano recriam retratos familiares, justapondo cenas do passado a registros atuais marcados pelo vazio da pessoa que foi retirada pela violência do regime. O projeto nasceu na Argentina, a partir da história pessoal do autor: seu irmão, Eduardo Raúl Germano, foi sequestrado e desaparecido em 1976. Anos mais tarde, expandiu-se para outros países atingidos pela Operação Condor, até chegar ao Brasil, onde a versão atual reúne 12 histórias de desaparecidos políticos, de diferentes regiões do país.

Além das imagens, a exposição contará com visitas mediadas, rodas de conversa com ex-presos políticos e a exibição do documentário O Dia que Durou 21 Anos, de Camilo Tavares. Para a museóloga Kátia Felipini, diretora técnica do Núcleo Memória, a iniciativa é também um ato de reparação: “Cada vez que a gente apresenta essa exposição, é uma forma de reparar essas famílias”. O educador e historiador César Novelli ressalta em comunicado a atualidade da discussão: “A história do Brasil é pautada na violência. Os vínculos entre os crimes da ditadura e os desaparecimentos de hoje são sinais da impunidade permitida após a redemocratização”. A entrada é gratuita, e a programação completa inclui debates, formações para educadores e atividades culturais, sempre voltadas para fortalecer a memória democrática e refletir sobre as marcas da repressão no presente.

Por Felipe Sales Gomes.

O inesperado e o extraordinário na criação têxtil.

16/set

A exposição PLAY – FITE – Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand edição 2024-2025 convida o público para desvendar no SESC Pinheiros, São Paulo, SP, até 25 de janeiro de 2026, as tramas de um instigante conjunto de obras e criações que propõe um diálogo entre as técnicas da produção têxtil e o universo lúdico dos jogos e das brincadeiras. A exposição chega ao Brasil após estreia, em 2024, no Museu Bargoin, em Clermont-Ferrand, na França, integrando a mais recente edição da FITE – Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand, evento realizado desde 2012 com o objetivo de celebrar o inesperado e o extraordinário na criação têxtil e sua cadeia produtiva, promovendo encontros entre tradições, saberes e inovações.

Com ênfase no uso de elementos têxteis como suporte para a pluralidade criativa, a exposição PLAY reúne trabalhos de artistas brasileiros e estrangeiros, selecionados a partir de uma curadoria coletiva que reúne dez profissionais: Christine Athenor, Simon Njami, Thomas Leveugle e Nolwenn Pichodo, da HS_Projects; Christine Bouilloc, do Musée D’Art Roger-Quilliot; Charlotte Croissant, do Musée Bargoin; e Juliana Braga de Mattos, Carolina Barmell e Fabiana Delboni, do Sesc São Paulo.

Vindos de países como Austrália, Canadá, Estados Unidos, França, Marrocos, Holanda e Uzbequistão, o grupo internacional de artistas que integram a exposição é composto por: Awena Cozannet, Bas Kosters, Hannah Epstein, Mark Newport, Saïd Atabekov e Dilyara Kaipova.  A seleção inclui, ainda, obras de Sheryth Bronson, Donna Ferguson e Beryl Bell, que compõem o coletivo Tjanpi, e entre quimonos e leques japoneses, móbiles beduínos, fantasias de mascarados nigerianos e bolas de seda chinesas, um significativo conjunto de peças e objetos da coleção do Museu Bargoin. Seis artistas internacionais também compõem o programa de residência da mostra. São eles: Arnaud Cohen, Delphine Ciavaldini, Nikita Kravstov, Roméo Mivekannin e Sabrina Calvo.

Representando o Brasil, participam: Alexandre Heberte, Alex Flemming, Anna Mariah Comodos, Elen Braga, Felipe Barbosa, Gina Dinucci, Leda Catunda, Mestre Nato, Tales Frey e Ivan Cardoso, que apresenta seu curta metragem HO (1979), um documentário experimental com e sobre Hélio Oiticica. Parte destes artistas estarão representados por obras pertencentes ao Acervo Sesc de Arte, que foram apresentadas na edição francesa da mostra, em 2024 e retornam agora a São Paulo para compor esta relação entre coleções. Em diferentes suportes, a mostra reúne mais de 40 criações de artistas brasileiros e estrangeiros que, a partir de uma parceria com a cidade francesa de Clermont-Ferrand e a HS_ Projetcs, convidam o público a explorar fronteiras entre as tramas, tecidos, brinquedos e vestíveis, e a refletir sobre as regras, os desejos e os limites que constituem a vida cotidiana.

Livro e exposição na Galeria Contempo

No sábado, dia 27 de setembro, a Galeria Contempo, Jardim América, São Paulo, SP, inaugura a exposição “Ensaio de tração”, individual do artista fluminense Luiz Dolino. Com mais de 50 anos de produção contínua, Luiz Dolino consolidou uma linguagem singular dentro da tradição construtiva, inserindo-se em um território onde razão e sensibilidade coexistem em linhas diagonais e geometrias turvas. Seu trabalho se destaca por uma abordagem poética da geometria, na qual os campos chapados de cor – característicos de sua obra – operam como vetores desestabilizantes da definição de suas formas geométricas.

A mostra, que conta com curadoria de Gabriel San Martin, apresenta mais de uma dezena de obras, entre trabalhos inéditos e pinturas presentes no livro. Ao propor um diálogo entre diferentes momentos da carreira do artista, reitera a continuidade de sua pesquisa formal na experimentação com a cor, a linha e a construção espacial.

O livro “Inventário parcial” é um testemunho visual e afetivo da trajetória de Luiz Dolino. A publicação reúne cerca de 100 obras acompanhadas de textos críticos, depoimentos e registros biográficos que ajudam a contextualizar a relevância de sua obra no panorama da arte abstrata no Brasil.

Sobre o artista

Trabalhando em especial com pintura e gravura, Luiz Dolino nasceu em Macaé (RJ) em 1945 e desenvolve, desde a década de 1960, uma produção orientada pelo interesse na abstração geométrica. Tendo iniciado os seus estudos na Escolinha de Arte do Brasil em 1961, participou da 9ª Bienal de São Paulo em 1967 e realizou exposições individuais no MAM-RJ em 1997 e no Museo de la Revolución em Havana em 2000. Produziu o painel “Loco por ti” para o Palácio dos Bandeirantes, em São Paulo, e tem obras em importantes coleções internacionais, como as do Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Centro de Estudos Brasileiros de Santiago e Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. Com mais de cinco décadas de carreira no Brasil e tendo percorrido países mundo afora (Espanha, Portugal, Grécia, Áustria, Perú, Uruguai, Argentina), Luiz Dolino tem o trabalho reconhecido pela abstração geométrica. Na casa-ateliê em Petrópolis, no meio da natureza exuberante, a produção segue em ritmo enérgico, como o espectador poderá testemunhar na mostra que ficará em cartaz até o dia 13 de outubro.

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