Arquivo da categoria: Esculturas

Artista pioneiro do graffiti

18/jan

A CAIXA Cultural Brasília, apresenta a exposição “Ozi – 30 anos de Arte Urbana no Brasil”, sob a curadoria de Marco Antonio Teobaldo. Ozi é o nome artístico de Ozéas Duarte, um dos pioneiros da arte urbana brasileira, que celebra com esta exposição, três décadas de trabalho. Ozi se destaca, no Brasil e no exterior, pela pesquisa sobre a técnica de estêncil, com forte influência da estética Pop. No espaço expositivo, o visitante irá conhecer um inventário de uma importante parte da Street Art brasileira, com documentos, registros fotográficos, depoimentos e obras do artista em diferentes tipos de suportes, que datam desde 1984 até o período atual. A exposição abriu com bate-papo com o artista e o curador, seguido de visita mediada.

 

De acordo com o curador, Marco Antonio Teobaldo, graças ao patrocínio da CAIXA, a exposição conseguiu reunir pela primeira vez um material raro, que remonta à história do graffiti no Brasil. Agora, depois de ser visitada por mais de 47 mil pessoas em Recife, o público brasiliense vai poder conferir um pouco de toda essa trajetória. Segundo revela Marco Antonio Teobaldo, durante a pesquisa para realização da mostra, foram entrevistados desde artistas que fizeram parte da primeira geração da cena urbana até os novos, traçando um panorama da Arte Urbana no Brasil e comprovando a importância da obra de Ozi neste contexto.

 

 
A exposição

 

A exposição está dividida em quatro segmentos: Rua, Arte fina, Matrizes e Bio. No segmento “Rua”, são expostas obras em grandes dimensões, trazendo a linguagem utilizada por Ozi nos espaços públicos dos grandes centros urbanos. Em “Arte Fina”, estão as obras criadas em suportes variados, normalmente expostas em galerias e adquiridas por colecionadores durante a trajetória do artista. São telas emolduradas, madeiras, metais, objetos de uso doméstico, latas de spray e outros itens. Entre as obras, há uma série de estêncil sobre bolsas falsificadas com marcas de luxo, compradas no mercado popular da Rua 25 de Março, em São Paulo.

 

Em “Matrizes”, será exibido pela primeira vez um conjunto de máscaras de estêncil dos trabalhos mais emblemáticos da carreira de Ozi, criados entre 1984 e 2015. São verdadeiras raridades que estarão disponíveis para a observação dos visitantes, como as obras da série “Museu de Rua”, com referências a artistas como Anita Malfatti, Van Gogh, Di Cavalcanti, Roy Lichtenstein e Picasso. Em “Bio”, dois vídeos reúnem depoimentos do artista e de parceiros de profissão, que percorrem a história da Arte Urbana no Brasil. Do acervo pessoal do artista, são exibidas imagens históricas dos primeiros grupos de grafiteiros e suas intervenções na cidade de São Paulo, materiais gráficos de época e recortes de jornal.

 

 

Origem da Arte Urbana

 

A Street Art no Brasil surgiu em 1978, em São Paulo, durante o período da ditadura militar, com Alex Vallauri, que reuniu outros artistas como Waldemar Zaidler e Carlos Matuck, e posteriormente Hudnilson Jr., John Howard, Julio Barreto, Ozi e Maurício Villaça. Este último abriu as portas de sua casa e transformou-a na galeria Art Brut, que se constituiu em um espaço da cena underground daquela época e acolheu artistas visuais e performáticos, poetas e toda sorte de visitantes atraídos por aquela nova forma de pensamento artístico. Foi a partir do encontro destes artistas, que se iniciou uma série de intervenções e ações públicas na capital paulistana, que fariam história na constituição do graffiti brasileiro.

 
Sobre o artista

 

Ozi é paulistano e faz parte da primeira geração do graffiti brasileiro, quando em 1985 iniciou suas primeiras intervenções urbanas, junto com Alex Vallauri e Maurício Villaça. Desde então, vem desenvolvendo sua pesquisa sobre a técnica de estêncil, criando suas obras a partir de uma estética Pop. Durante sua trajetória profissional, participou de diversas exposições coletivas e individuais no Brasil e exterior. Atualmente é representado pelas galerias Espace-L, em Genebra (Suíça), e A7MA, em São Paulo. Seus trabalhos figuram em publicações nacionais e estrangeiras. O artista nunca parou de estudar e hoje é pós-graduado em História da Arte pela FAAP. Ozi viveu uma época em que a repressão sufocava e em que, segundo ele mesmo conta, fugir da polícia e das bombas de gás era costumeiro. “Lembro que o Alex Vallauri escrevia “Diretas já” e o Maurício Villaça chegou a pintar uma Salomé dançando com a cabeça do Sarney em suas mãos. O pensamento geral era que qualquer pessoa ligada à arte era subversiva ou comunista”, recorda. Ozi aprendeu a fazer estêncil com Villaça, que o instruiu tecnicamente a recortar as máscaras. Em 1985, registrou na rua a sua primeira arte com estêncil, técnica que acabou se tornando a sua marca registrada durante toda a carreira artística.

 

 

Sobre o curador

 

Marco Antonio Teobaldo é jornalista, curador e pesquisador. Mestre em Curadoria em Novas Tecnologias pela Universidad Ramón Llull, de Barcelona, Espanha. Desde 2007, vem trabalhando como pesquisador e curador de Artes Visuais, com especial atenção à Arte Urbana. Atualmente, Teobaldo dirige a Galeria Pretos Novos de Arte Contemporânea (Região Portuária do Rio de Janeiro), situada em um dos mais importantes sítios arqueológicos da Rota dos Escravos (Unesco), onde realiza propostas curatoriais com artistas brasileiros e estrangeiros, reunindo mídias tradicionais (pintura, desenho e escultura), fotografia, novas tecnologias (vídeo, arte sonora e arte digital), arte urbana e performance. É curador residente da Casa da Tia Ciata, com exposição permanente sobre a memória de uma das maiores referências da história do samba. Junto com o artista visual Eduardo Denne, idealizou o Parede – Festival Internacional de Pôster Arte, em 2008 e 2010, no Rio de Janeiro, que reuniu em sua última edição 175 artistas de diferentes partes do mundo.

 

 

Serviço

 

Ozi – 30 anos de Arte Urbana no Brasil Bate-papo com artista e curador e visita mediada; realização: Quimera Empreendimentos Culturais; patrocínio: Caixa Cultural / Governo Federal; curadoria: Marco Antonio Teobaldo; projeto gráfico: Fernando Sato e Murilo Thaveira; fotografia: Zeca Caldeira; expografia: Carlos Chapéu e Marco Antonio Teobaldo; produção executiva: Carlos Chapéu; produção local: Monica Monteiro Produções; iluminação: Dalton Camargos e Carlos Peukert; montagem: Manoel Oliveira; assessoria de imprensa: Objeto Sim

 

 

 

Vídeo

 

Direção: Marco Antonio Teobaldo
Fotografia: Tais Thaverna
Edição: Guta Pacheco
Imagens de acervo: Mel Duarte
Digitalização de acervo: Morena Calazans

 

 
Até 26 de fevereiro.

0

Aposta na Vanguarda

07/dez

Pop, Nova Figuração e Após

 

A Ricardo Camargo Galeria, Jardim Paulistano, São Paulo, SP, através da mostra “Pop, Nova Figuração e Após”, comemora 21 anos de trabalho e o titular da casa, o marchand Ricardo Camargo, assina a curadoria da exposição que conta com a parceria da AD-Almeida e Dale. O texto no categorizado catálogo traz a apresentação assinada por Roberto Comodo.

 

 

Apresentação

 

Em 2015 duas megaexposições internacionais, a The World Goes Pop, da Tate Modern de Londres; e a mostra itinerante pelos Estados Unidos International Pop, promovida pelo Walker Art Center, de Minneapolis – colocaram a Pop Art no centro das artes plásticas mundiais. Obras de Antonio Dias, Wesley Duke Lee, Cláudio Tozzi, Nelson Leirner, Raimundo Colares e Glauco Rodrigues, entre outros artistas, brilharam nessas mostras.

 

Antecipando este movimento num gesto ousado para o mercado, a Ricardo Camargo Galeria realizou em 2007 a exposição Vanguarda Tropical, reunindo 44 trabalhos de oito artistas plásticos expoentes da arte brasileira dos anos 60. Foi também um gesto coerente deste galerista, que mantém contato contínuo há quase 50 anos com os artistas da vanguarda nacional, iniciado na galeria Art-Art – a primeira galeria de arte contemporânea de São Paulo, inaugurada em dezembro de 1966 – e em seguida na Galeria Ralph Camargo, que a sucedeu.

 

Agora, com a exibição de “Pop, Nova Figuração e Após”, a Ricardo Camargo Galeria, fecha um ciclo e também abre novas fronteiras. A mostra apresenta 58 obras, 18 delas inéditas, de 25 artistas de ponta da arte nacional, que transitaram entre a Pop Art e a Nova Figuração ou foram além – como Mira Schendel com o desenho “Símbolos”, de 1974, feito em caneta hidrográfica, e Ivald Granato homenageado em um emblemático óleo de 1977.

 

Na exposição, a contundência do inédito óleo de Antonio Henrique Amaral, “Banana grafite com cordas”, de 1973, sintetiza seu vigoroso repúdio ao regime militar e mantém diálogo com o objeto “Catraca”, de Claudio Tozzi, travada por um cadeado no ano de 1968, quando a ditadura iniciou a sua fase mais repressiva. Tozzi ainda está presente com “Multidão” (1968) e no trabalho inédito “Viet Paz”, (1966), que retrata a desigual e brutal Guerra do Vietnã, entre demais obras. Seu colega de geração, Rubens Gerchman se impõe com a majestosa tela “Mata e o arrojo de Gnosis”, em spray sobre alumínio, pintadas em Nova York nos anos 70, além da pintura e colagens Policiais identificados da chacina, da série “Registro Policial”, de 1988.

 

Na vertente Pop, Maurício Nogueira Lima, que foi um puro concretista, surpreende com as exuberantes telas “Bang!”, “Goool” e “Tchaf! Negativo”, todas de 1967; e no exclusivo retrato de Marilyn Monroe, feito em 1969. Já José Roberto Aguilar expande a sua novíssima figuração mágica no óleo “Destruidor de mitos”, de 1965, e “Cenas Urbanas”, sua primeira pintura com spray sobre tela, elaborada em 1966. São obras que mantém proximidade com as de Tomoshige Kusuno, autor do monumental painel de telas a óleo esticadas em estrutura de madeira, de 1970, e das delicadas obras “Vibração de Resíduos”, “Herança da perspectiva” e “Diamante nº 6”, feitas nos anos 60.

 

O mestre Wesley Duke Lee ressurge na mostra com a arte ambiental “Retrato de Luzia (a Santa Amarense)” ou “à respeito de Titia” – liquitex sobre tela e planta viva em um vaso – que participou da exposição Iconografia Botânica na inauguração da Galeria Ralph Camargo em 1970. Além da obra “Retrato de um amigo”, (Guido Santi, presidente da Olivetti na época), de 1967, inteiramente Pop, com sua moldura recortada; e o exemplar da Série das Ligas, de 1960, a obra mais antiga da exibição.

 

Ex-alunos de Wesley, Luis Paulo Baravelli mostra o raríssimo trabalho “Ceci e Peri”, de 1968, em madeira bruta pintada, azulejos e madeira balsa, enquanto Carlos Fajardo expõe o singular óleo “Santos Dumont”, pintado em 1967. Com a obra mais recente na mostra, o irônico espírito contestador de Nelson Leirner surge em “Jogos Americanos”, de 2001, nas 40 unidades de silk-screen sobre fórmica que indaga “Você tem fome de que?”, que foram expostas no Museu de Arte Moderna de São Paulo.

 

Outras preciosidades da exposição são os três trabalhos de Antonio Dias, dois deles dos anos 60 – um característico guache e um ladrilho esmaltado a fogo – além da deslumbrante xilogravura “Fósforos”, de 1978, em spray acrílico azul. Nesse mesmo patamar também estão três pinturas de Glauco Rodrigues dos anos 60, duas da série “Astronauta” – que estiveram na sua primeira individual na famosa Galeria Relevo, no Rio de Janeiro, de Jean Boghici, em 1966 – e a inusitada “Cara e careta”. Além de duas obras de Raimundo Colares de 1966 – em lápis, nanquim e aquarela – com seu vibrante grafismo inspirado nas cores dos ônibus cariocas.

 

A mostra da Ricardo Camargo Galeria traz ainda obras significativas de artistas importantes, mas pouco vistos, realizadas na década de 60, como Maria Helena Chartuni e Samuel Szpigel. Totalmente pop, Maria Helena exibe um “Diptíco de Roberto Carlos”, um “Tríptico do Chacrinha e seus calouros” e um exuberente “Ostentório de Marilyn Monroe”, com óleo sobre tela recortada e montada em estrutura de ferro pintado. Já Szpigel realiza uma retumbante e mordaz crítica política nas telas “Aliança para o Progresso” e “Liberdaaaade”.

 

Com a exposição “Pop, Nova Figuração e Após”, a Ricardo Camargo Galeria reafirma a aposta na ousadia de diferentes enfoques da vanguarda brasileira dos anos 60, que agora ganha merecido reconhecimento internacional.

 

Roberto Comodo

 

 

 

Até 23 de dezembro de 2016.
Reabre de 03 a 31 de janeiro de 2017.

0

ArtRio Carioca

Obras de grandes nomes da arte moderna e contemporânea estarão na primeira edição da ArtRio Carioca. O evento é um desdobramento da Feira Internacional de Arte do Rio de Janeiro e vai acontecer entre os dias 08 e 11 de dezembro, no Shopping Village Mall, na Barra da Tijuca.

 
A feira de arte, que tem a participação exclusiva de galerias da cidade, amplia o calendário de ações da plataforma ArtRio e promove mais uma oportunidade para colecionadores e interessados em arte de ter acesso a uma seleção de trabalhos de importantes galerias.

 
Reconhecida como uma cidade com forte vocação cultural, o Rio reúne um público cada vez mais crescente em exposições e eventos de artes. Além da feira, em paralelo ao evento irão acontecer palestras sobre arte, mercado e colecionismo, com início já no mês de novembro.

 
A ArtRio CARIOCA é um projeto da BEX, produtora cultural especializada em artes visuais, cuja atuação tem sido um diferencial no cenário brasileiro, com ações e projetos que integram as instituições, galerias, artistas e curadores, formando novas audiências, estimulando o colecionismo e o crescimento do mercado das artes visuais.

 

 

Galerias participantes:

 
A Gentil Carioca, Anita Schwartz Galeria de Arte, Athena Contemporânea, Athena Galeria, Artur Fidalgo, Almacén Thebaldi, Colecionador Escritório de Arte, Galeria Movimento, Galeria da Gávea, Galeria Nara Roesler, Galeria de Arte Ipanema, Galeria INOX, Gustavo Rebello, Jacarandá, LURIXS: arte contemporânea, Marcia Barrozo do Amaral, Mul.ti.plo Espaço Arte, Silvia Cintra + Box 4, Pinakotheke, Ronie Mesquita, UQ! Editions e Um Galeria.

0

Na ArtRio Carioca

05/dez

A Galeria Marcia Barrozo do Amaral, com mais de 30 anos representando grandes nomes do cenário da arte, apresenta obras selecionadas exclusivamente para a primeira edição da Art Rio Carioca, que acontece entre os dias 08 e 11 de dezembro, no Shopping Village Mall, na Barra da Tijuca. Entre os artistas presentes no stand da galeria de Marcia Barrozo do Amaral estão os artistas Frans Krajcberg e Ascânio MMM. Outros nomes como Galvão, que atualmente apresenta uma exposição individual na galeria, Anna Letycia, que firmou-se como centro de referência nacional para o ensino das técnicas e do desenvolvimento da gravura, Luiz Philippe, Wilson Piran e Manfredo de Souzanetto também terão seus trabalhos apresentados. A feira de arte promove mais uma oportunidade para colecionadores e interessados em arte de ter acesso a uma seleção de trabalhos das mais importantes galerias.

 

0

Cidade Jacaranda

A exposição “Cidade Jacaranda”, na Fundação Cidade das Artes, Barra da Tijuca, Rio de Janeiro, RJ, conta com obras assinadas por Daniel Senise, Carlos Vergara & Zanini de Zanine, José Bechara, Vik Muniz, Afonso Tostes, Iole de Freitas, Arjan Martins, Vicente de Mello, Raul Mourão, Beth Jobim, Angelo Venosa, Paulo Vivacqua, Cabelo e Coletivo Organicidade. A mostra, que ficou em cartaz durante todo o período dos jogos Olímpicos e Paralímpicos, e permanecerá até o dia 30 de dezembro, celebra o início da parceria entre a plataforma Jacaranda e a Cidade das Artes, com o objetivo de promover um panorama relevante da arte contemporânea brasileira.

 

“Nem todas as obras são inéditas, mas todas têm grande importância na produção individual de cada artista. As pinturas, esculturas e fotografias produzem cruzamentos poéticos entre elas mesmas e a arquitetura do prédio emblemático projetado por Christian de Portzamparc”, pontua José Bechara.

 

“Jacaranda” é uma plataforma crossmedia de divulgação da arte contemporânea brasileira. Desde 2014, o grupo vem realizando exposições e, em 2015, lançou a revista bilíngue com distribuição gratuita no circuito internacional de arte. No dia 18 de junho de 2016, inaugurou no bairro da Glória seu novo espaço com a exposição coletiva “Do clube para a praça”, organizada pela crítica e curadora Luisa Duarte, com obras de 26 artistas. “Jacaranda é uma idealização de artistas, produzida por artistas e que funda um lugar intelectual e físico que pretende servir a todos que contribuem para formar o que chamamos de mundo da arte”, explica José Bechara.

 

 

Até 30 de dezembro.

0

Roberto Alban Galeria exibe esculturas

01/dez

A simplicidade das formas e o intuitivo processo de produção baseado no reaproveitamento da madeira são marcas fortes do trabalho de Josilton Tonm mas também a essência de sua exposição individual próximo cartaz da Roberto Alban Galeria, Ondina, Salvador, BA. A mostra recebeu o título de “A Gangorra Rasteira e o Caracol de Clarysse”, reúne cerca de 30 peças e instiga o público a pensar sobre a beleza e a leveza escondidas atrás de formas e texturas que incorporam o espaço.

 

O conceito é tudo. E são conceitos diversos e sobrepostos, às vezes ambíguos, que se desprendem de cada peça produzida por Josilton Tonm, cujo trabalho foi iniciado em meio ao vigor criativo que marcou a produção dos artistas baianos na década de 1970, e que apresenta características próprias, baseadas na inventividade e no perfeccionismo no trato da madeira e de outros materiais que acabam também incorporados a sua obra escultórica.

 

“Ele é, sobretudo, um criador de conceitos, de experiências visuais e sensoriais dos mais complexos tipos e com uso dos mais inesperados materiais. Visitar a obra deste artista é deparar-se com uma capacidade infindável de criar, recriar e transcender. A vastidão de seu trabalho deve pouco às suas mais de três décadas de criação e muito às peculiaridades qualitativas daquilo que cria e como cria”, escreve o artista Eduardo Boaventura.

 

As obras de Josilton Tonm, selecionadas para essa exposição, marcam a sua produção de esculturas em madeira ou, como ele prefere dizer, “relevos para parede onde proliferam formas geométricas”. Destaque para os dois conjuntos que intitulam a mostra. “A Gangorra Rasteira”, é literalmente uma gangorra que pende do teto, trazendo um conceito de balanço e tridimensionalidade, com sua função lúdica e “com a interação com o público, que poderá contorná-la”. O segundo conjunto, denominado “Caracol de Clarysse”, agrega sete obras que trazem outra modo de narrativa criada pelo artista.

 

Em toda a sua trajetória, Josilton Tonm procura não limitar a compreensão de sua obra a um determinado conceito ou escola. “Estou sempre experimentando; é essa a essência do meu trabalho”, diz o artista, que iniciou a produção em sua cidade natal, Alagoinhas, já trabalhando madeiras de diversas qualidades, tons, texturas e estados de conservação. Nos anos 1980, passou a incorporar outros materiais (como a pedra), mas sem nunca descuidar de um acabamento primoroso, realizando obras de extremo refinamento e beleza.

 
A obra de Josilton Tonm emerge num universo que é o seu próprio encantamento com os materiais da natureza. Cortar, furar, polir são os seus “verbos” de trabalho, sempre atendendo às demandas que o acaso lhe disponibiliza. Assim é que uma velha porta abandonada pode dar origem a uma escultura tridimensional. Treliças de madeira, brinquedos quebrados, caixotes achados na rua têm o mesmo destino. “Outro dia jogaram fora dois elefantes de madeira. Peguei na hora e construí esse trabalho”, diz, entre divertido e orgulhoso, apontando para uma escultura em seu atelier.

 

 

Sobre o artista

 

Autodidata, Josilton Tonm já participou de inúmeras exposições coletivas e de três edições da Bienal do Recôncavo, promovida pelo Centro Cultural Dannemann, em São Felix, BA. Na última, em 2012, sua obra recebeu o Prêmio Aquisição, passando a integrar o acervo da instituição. Participou ainda da Exposição Proposta MAM, Salvador/1980; do Encontro de Artistas Plásticos do Nordeste, Salvador/1981; do IX Salão Nacional de Artes Plásticas, Recife/1986. Realizou diversas mostras individuais em Salvador e outras cidades.

 

 
De 06 de dezembro a 07 de janeiro de 2017.

0

Arte Monumental

24/nov

Uma megaexposição de arte contemporânea a céu aberto marcou a reabertura de espaço público carioca aos visitantes, Trata-se de um dos mais belos cartões postais do Rio de Janeiro, a Marina da Glória, Rio de Janeiro, RJ, que será transformado, durante um mês, em um grande museu aberto com obras tridimensionais modernas e contemporâneas. Funcionará como uma espécie de presente de fim de ano, a “Marina Monumental – Arte na Marina da Glória” marcando o retorno do conhecido espaço público após o período de realização dos Jogos Olímpicos. A exposição reúne trabalhos em grandes dimensões de dezenove artistas ligados profissionalmente a algumas das principais galerias nacionais.

 
“No Marina Monumental”, o visitante poderá apreciar grandes obras em um espaço amplo e público, mas com a adicional de serem ‘emolduradas’ por uma das paisagens naturais mais incríveis do mundo. Os trabalhos terão como pano de fundo a Baía de Guanabara, o Pão de Açúcar e o Cristo Redentor, além dos Jardins do Parque do Flamengo, com sua natureza única e vigorosa”, descreve o francês Marc Pottier, curador da mostra, que vive e trabalha entre o Rio e Paris.

 
Outra atração é a variedade de expressões artísticas da mostra, que contará com instalações, esculturas, grafites, experiências interativas, performances e obras de som – todas estabelecendo uma suave interação com a arquitetura e o local. A exposição terá obras de Antonio Bokel, Almandrade, Amilcar de Castro, André Azevedo, Artur Lescher, Caligaprixo, Dirceu Maués, Frida Baranek, Flávio Cerqueira, Franz Weissmann, Galeno, Giovani Caramello, Henrique Oliveira, Ivani Pedrosa, Luiz Philippe Carneiro de Mendonça, Manfredo de Souzanetto, Paulo Vivacqua, Ursula Tautz e Zemog.

 
“É importante observar que, apesar de contar com ambientes propícios e praticamente prontos para atividades ao ar livre com a magnitude da Marina Monumental, a Cidade do Rio aproveita muito pouco essa vocação. É esse espaço que a Marina vai preencher ao incorporar a exposição à sua agenda regular de eventos”, afirma Katia Avillez, produtora executiva da megaexposição.

 

 

Até 18 de dezembro.

0

Liuba na Marcelo Guarnieri/Rio

16/nov

Um importante conjunto de esculturas em bronze de Liuba Wolf será reapresentado no Rio de Janeiro, pela primeira vez, na Galeria Marcelo Guarnieri, em Ipanema, 50 anos após sua primeira exibição.Em 1965, Liuba Wolf realizou uma importante exposição no MAM- Rio, como parte das comemorações do quarto centenário da cidade. Na mostra, a artista apresentou 23 esculturas em bronze, que representavam animais. Agora, 14 dessas obras estarão reunidas na presente exposição que será acompanhada de um texto da curadora, crítica e historiadora de arte Maria Alice Milliet, feito especialmente para esta mostra.

 

A exposição no MAM Rio foi de extrema importância. Realizada em um momento de grande visibilidade, em que era inaugurado o Parque do Flamengo. “A obra de Liuba teve no Rio a oportunidade de integrar, ainda que momentaneamente, um dos mais ousados projetos urbanísticos do pós-guerra. Ali, a artista pôde dar sua contribuição, ali se sentiu em casa”, escreveu Maria Alice Milliet. Naquele momento, a obra de Liuba também passava a ganhar mais reconhecimento internacional, com importantes mostras no Brasil e no exterior. Ao longo de sua trajetória, a artista participou de quatro Bienais Internacionais de São Paulo (1963, 1965, 1967 e 1973) e realizou uma grande exposição individual no Hakone Open Air Museum, no Japão, em 1985. Suas obras hoje estão em importantes coleções privadas no Brasil, Argentina, Canadá, Inglaterra, França, Alemanha, Japão, Suíça e Estados Unidos.

 

Outro fato importante é que o conjunto de esculturas apresentado na exposição do MAM Rio marcava uma mudança na obra da artista, que naquele momento deixava a figuração para explorar uma “quase abstração”, tendo a figura do animal como forte referência. “Para mim, eles são animais. Mas eu não posso explicar de onde eles vêm, deve ser do meu subconsciente. Suas formas, mesmo que reconhecíveis, são de fato uma simbiose entre vegetal e animal”, disse a artista a Sam Hunter para o livro “Liuba: At the Edge of Abstraction”. Na Galeria Marcelo Guarnieri, as obras serão apresentadas da mesma forma como foram expostas originalmente: dispostas em bases e muros baixos formados por blocos de cimento.

 

Entre 1950 e 1960, Liuba viveu entre o Brasil, onde mais tarde se naturalizou, e a capital francesa. Esse período foi muito importante para a afirmação de seu trabalho e também pelos contatos que manteve com os artistas Marino Marini, Poliakoff, entre outros. “Sua plástica, ancorada na tradição da escultura moderna na linha de Brancusi e Giacometti, se alimenta, simultaneamente, da simplificação formal introduzida pelo cubismo e da arte de culturas exóticas. Como se sabe, essas duas vertentes estiveram associadas às vanguardas artísticas que no início do século romperam com as convenções da academia. A produção escultórica de Liuba bebeu nessas fontes, chegando à maturidade durante o alto modernismo, período em que a estética moderna ganhou alcance internacional”, afirma Maria Alice Milliet.

 

 

Sobre a artista

 

Nascida em 1923 na Bulgária, Liuba ingressa em 1943 na Escola de Belas Artes de Genebra, Suíça. De 1944 a 1949 estuda com a escultora francesa Germaine Richier, a princípio na Suíça e em seguida em Paris, onde passa a viver e trabalhar em 1946. Em 1949, ainda vivendo em Paris, monta ateliê também em São Paulo. Casa-se com Ernesto Wolf em 1958 no Brasil, e passa a dividir seu tempo entre os ateliers de São Paulo e Paris. A partir de 1989 estabelece atelier também na Suíça. Falece em São Paulo em 2005. Das diversas exposições individuais e coletivas que realizou, destacam-se nas seguintes instituições: Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, 1965; Museu Nacional de Arte Moderna de Paris, 1967; Museu de Saint Paul de Vence na França, 1968; Hakone Open Air Museum no Japão, 1985; Pinacoteca do Estado de São Paulo, 1996. Participou anualmente do Salon de La Jeune Sculpture de Paris no período entre 1964 e 1979; do Salão Nacional de Arte Moderna do Rio de Janeiro em 1962 e 1963; da Bienal Internacional de São Paulo nos anos 1963, 1965, 1967 e 1973; e de diversas edições do Panorama de Arte Atual Brasileira no Museu de Arte Moderna de São Paulo no período de 1970 a 1985. Suas obras integram importantes coleções públicas internacionais como a do Fond National d’Art Contemporain de Paris, do Museu de Saint Paul de Vence na França, do Kunsthelle de Nuremberg na Alemanha, do Hakone Open Air Museum no Japão e do Musée de La Sculpture en Plein Air de La Ville de Paris; e integram também importantes coleções públicas nacionais como a do Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea de São Paulo, Coleção da Bienal de São Paulo e do Museu do Artista Brasileiro em Brasília, DF.

 

 

Sobre a Galeria

 

Marcelo Guarnieri iniciou as atividades como galerista nos anos 1980, em Ribeirão Preto, e se tornou uma importante referência para as artes visuais na cidade, exibindo artistas como Amilcar de Castro, Carmela Gross, Iberê Camargo, Lívio Abramo, Marcello Grassmann, Piza, Tomie Ohtake, Volpi e diversos outros. Atualmente com três espaços expositivos – São Paulo, Rio de Janeiro e Ribeirão Preto – a galeria permanece focada em um diálogo contínuo entre a arte moderna e contemporânea, exibindo e representando artistas de diferentes gerações e contextos – nacionais e internacionais, estabelecidos e emergentes – que trabalham com diversos meios e pesquisas.

 

 

De 19 de novembro até 21 de janeiro de 2017.

0

Fragmentação, peso e leveza

O trabalho de duas jovens artistas visuais, Marília Del Vecchio e Manuela Costa Lima, dialogam sobre as operações não visuais, na busca de um significado, abrindo em suas singularidades, potências de sentidos próprios. A exposição “Duas artistas, fragmentação, peso e leveza”, com curadoria de Rodrigo Naves, poderá ser conferida a partir do próximo dia 23 de novembro na Galeria Virgílio, Pinheiros, São Paulo, SP.

 

No que diz respeito à aproximação entre as artistas, e no que o curador Rodrigo Naves intitula como “operações não-visuais na busca de um significado para o que realizam”, Manuela Costa Lima exprime a condição do trabalhador assalariado contemporâneo na série “Ícones”. Espécie de “iconografia profana”, um tanto denunciativa, a artista pinta cartões de pontos em dourado, evocando em desenhos motivos espirituais e religiosos, presentes na história da arte no período bizantino em diante.

 

Por seu turno, Marília Del Vecchio, revela a sua poética, a partir da utilização dos cacos de vidros dos famosos copos americanos, criados por Nadir Figueiredo, em 1947, e tão presentes no imaginário e cotidiano da vida brasileira. Com o processo de restauro japonês, chamado kintsugi, a restauração, tal como no trabalho de ceramista, deixa à mostra o rastro dourado das emendas, mas revela, no sentido de significação, a potência da obra como ligação com a sabedoria oriental e uma possível experiência da vida.

 

O curador Rodrigo Naves, ressalta essa espécie de “afinidades” entre as duas artistas, como é o caso da obra “Palíndromo” de Marília Del Vecchio que evoca a dor da separação, nos versos de Pushkin, recortados em latão, e colados numa escultura composta por 5 placas de vidro apoiadas instavelmente entre si. O oposto complementar de “Palíndromo”, “Granadas” de Manuela Costa Lima reaproxima o que fora separado, a partir da pressão que cintas de metal realizam sobre vários pares de pedra. “Penso, porém, que o conjunto da produção de Marília e de Manuela tem singularidades suficientes para a constituição de sentidos próprios, o que implica uma atenção mais detida sobre cada um deles”, conta o curador.

 

Marília Del Vecchio destaca a fragilidade da vida e das relações humanas, seja com os cacos de vidro, narrativas pessoais e coletivas fragmentadas, lembrando as “inserções em circuitos ideológicos”, de Cildo Meirelles, como o amor evocado no poema de Pushkin, na obra “Palíndromo”, que, ao sugerir o desencontro dos amantes, pressupõe uma unidade originária perdida. “Esta é a minha primeira exposição individual, e também a primeira vez que tenho mais de um trabalho exposto no mesmo espaço. Com isto, pude desenvolver melhor os trabalhos e à relação entre eles – e no mesmo processo, as conversas com o Rodrigo Naves me ajudaram a amadurecer como artista”.

 

A singularidade de Manuela Costa Lima, por exemplo, ressoa na dialética entre peso e leveza, como na citada obra “Granadas”, mas também em “Livre Arbítrio”, na qual uma lâmpada fluorescente está suspensa por um fino cabo de aço, e levemente coberta por uma manta de borracha: “O traço comum aos trabalhos que formam essa exposição é a oposição entre peso e leveza, luz e escuridão. Recentemente tenho pensado sobre a questão do livre arbítrio, sobre as escolhas que enfrentamos e a tensão sempre presente nessas decisões”, afirma a artista.

 

 

De 23 de novembro a 19 de dezembro.

 

 

0

Escola de Belas Artes, 200 anos

11/nov

O Museu Nacional de Belas Artes, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura a exposição “Escola de Belas Artes:1816-2016 Duzentos anos construindo a arte brasileira”. Sob a curadoria de Angela Ancora da Luz, a mostra faz um recorte da produção artística da instituição que formou e ainda forma centenas de artistas brasileiros desde Vítor Meireles, Antônio Parreiras, Eliseu Visconti, passando por Burle Marx, Goeldi, Portinari, Weissmann, Anna Maria Maiolino, Roberto Magalhães, Lygia Pape, Celeida Tostes, Mauricio Salgueiro até Felipe Barbosa, Bruno Miguel, Jarbas Lopes entre muitos outros.

 

Criada por Decreto Real de D. João em 12 de agosto de 1816, a primeira sede da Escola de Belas Artes foi na Travessa das Belas Artes, próxima a Praça Tiradentes. O prédio, de Grandjean de Montigny, foi projetado para receber a então Academia Imperial das Belas Artes e foi inaugurado em 5 de novembro de 1826. Em 1908, já com o nome de Escola Nacional de Belas Artes, a instituição transferiu-se para seu segundo prédio, com projeto de Morales de los Rios, na Avenida Rio Branco, onde hoje situa-se o Museu Nacional de Belas Artes.

 

Segundo a curadora da exposição, Angela Ancora da Luz, que dirigiu a EBA entre 2002 e 2010, “…a presença da Escola no contexto da sociedade brasileira revelou sua identidade por aspectos pouco conhecidos, mas de grande interesse social e político, além de seu princípio norteador fundamental: o ensino artístico. Uma escola de grande peso no Império e que esteve aberta a todos os que desejassem buscar o caminho das artes, sendo aceitos pelos grandes mestres dos ateliês. O que contava na hora da seleção era o talento, sem restrição ao grau cultural, à raça ou situação econômica. Cândido Portinari, por exemplo, mal havia completado o terceiro ano do curso “primário” quando foi aceito pela instituição, tornando-se a grande referência da pintura brasileira”.

 

“São incontáveis os pintores, escultores, desenhistas, gravuristas, cenógrafos, indumentaristas, designers, restauradores e paisagistas que saíram dos ateliês e salas da escola. O grande desafio que a presente exposição nos trouxe foi o de apresentar apenas alguns destes artistas e suas obras. Mesmo se ocupássemos todas as salas deste museu (…) ainda assim seria impossível apresentar a excelência de tudo que aqui se produziu”, completa a curadora.

 

A exposição ocupará dois salões expositivos do MNBA abrangendo a produção dos artistas que passaram pela Escola de Belas Artes, desde sua criação até a presente data. A dificuldade de selecionar as obras desta mostra comemorativa foi muito grande. Pela excelência dos artistas que passaram por seus ateliês – impossível trazer um representante de cada período – a opção da curadoria foi privilegiar os que tiveram a formação da escola. Muitos desses artistas foram alunos do Curso Livre, admitidos pela avaliação dos Mestres. Passaram pela instituição artistas de todas as classes sociais, a escola sempre foi uma unidade que presava pela diversidade. De todos que cursaram a Escola de Belas Artes, mesmo os que não a concluíram, ficou o reconhecimento do papel fundamental que ela representou em suas trajetórias.

 

O eixo curatorial enfatizou a Escola de Belas Artes como instituição que preserva a preocupação social, política e intelectual das diferenças individuais, o que não impede a formação de um corpo e de uma identidade. A curadoria buscou evidenciar as diferenças e afinidades em desenhos, gravuras, pinturas, esculturas, instalações, vídeos e performances que fizeram da escola um paraíso vocacionado para a arte e a cultura no Rio de Janeiro, potente e famosa caixa de ressonância artística do Brasil.

 

O projeto conta com patrocínio integral da Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro e a produção/idealização da exposição está a cargo de Anderson Eleotério e Izabel Ferreira – ADUPLA Produção Cultural, que já realizou importantes publicações e exposições itinerantes pelo Brasil, como Farnese de Andrade, AthosBulcão, Milton Dacosta, Miguel Angel Rios, Raymundo Colares, Carlos Scliar, Debret, Aluísio Carvão, Henri Matisse, Bruno Miguel, Antonio Bandeira, Manoel Santiago, Teresa Serrano, Regina de Paula, Nazareno, entre outros.

 

 

Artistas

 

Abelardo Zaluar, Adir Botelho, Alfredo Galvão, Almeida Reis, Amés de Paula Machado, Anna Maria Maiolino, Antonio Manuel, Antônio Parreiras, Arthur Luiz Pizza, Augusto Müller, Bandeira de Mello, Barbosa Júnior, Batista da Costa, Belmiro de Almeida, Bruno Miguel, Burle Marx, Carlos Contente, Cândido Portinari, Celeida Tostes, Décio Vilares, Eduardo Lima, Eliseu Visconti, Estêvão da Silva, Felipe Barbosa, Franz Weissmann, Georgina de Albuquerque, Glauco Rodrigues, Grandjean de Montigny, Henrique Cavaleiro, Hugo Houayeck, Isis Braga, Ivald Granato, Jarbas Lopes, Jean-Baptiste Debret, João Quaglia, Jorge Duarte, KazuoIha, Lourdes Barreto, Lygia Pape, Manfredo de Souzanetto, Marcos Cardoso, Marcos Varela, Marques Júnior, Mauricio Salgueiro, Maurício Dias & Walter Riedweg, Newton Cavalcanti, Oscar Pereira da Silva, Oswaldo Goeldi, Patrícia Freire, Paulo Houayek, Pedro Américo, Pedro Varela, Quirino Campofiorito, Renina Katz, Ricardo Newton, Roberto Magalhães, Rodolfo Amoedo, Rodolfo Chambelland, Ronald Duarte, Rui de Oliveira, Vítor Meireles e Zeferino da Costa

 

 

 

Até 12 de fevereiro de 2017.

0