AGENDA CULTURAL

Obras históricas e inéditas.

15/mai

A partir de 17 de maio a Central, Vila Buarque, São Paulo, SP, apresenta a segunda exposição individual de Sergio Augusto Porto. Com texto de Yuri Quevedo, “Espaço do Invisível” reúne obras históricas e projetos inéditos realizados especialmente para a ocasião.

Três núcleos de obras do artista guiam a exposição – dois deles exibidos ao público pela primeira vez. “É a oportunidade de ver uma pesquisa consistente, com poucos paralelos em sua época e que, apesar dessas características, se manteve à margem das antologias dedicadas ao início da arte contemporânea entre nós”, comenta Yuri Quevedo no texto crítico da mostra.

Sobre o artista.

Sergio Augusto Porto nasceu em 1946 no Rio de Janeiro, vive e trabalha em Salto, Brasil. O artista integra uma geração que busca romper com os paradigmas do projeto modernista. Forma-se entre o Rio de Janeiro e Brasília, recém inaugurada, onde frequenta o curso de Arquitetura da UnB. Nos anos 1970, Porto atraiu atenção ao se distanciar de uma abordagem artística convencional, restrita aos espaços institucionais ou aos ateliês, optando por uma prática mais ambiental, experimental e participativa. Destacam-se as participações no 4o Salão de Verão, MAM – Rio de Janeiro (1972), recebendo o prêmio de viagem à Europa; na 12ª Bienal de São Paulo (1973), que lhe rendeu o Grande Prêmio Latino-Americano da mostra; no 7º Panorama da Arte Atual Brasileira (1975), ocasião na qual recebeu o Prêmio-Estímulo/Objeto; e na 37ª Bienal de Veneza (1976), quando integrou a Representação Oficial do Brasil. Mais recentemente, seu trabalho também foi incluído em exposições como Mitologias por procuração, MAM – São Paulo (2013); Brasília – Síntese das Artes, CCBB – Brasília (2010); Arte como Questão: Anos 70, Instituto Tomie Ohtake – São Paulo (2007); Situações: Arte Brasileira Anos 70, Casa França-Brasil – Rio de Janeiro (2000).

Encontro de outono no Instituto Brando Barbosa.

Os artistas Anna Bella Geiger, Carlos Vergara, Jeane Terra, Heberth Sobral, Marcos Corrêa, Diana Gondim, Márcia Martins, Dani Justus, Volnei Malaquias, Hélio Vianna, Fessal, Carolina Kasting, Beto Gatti, Coletivo MUDA e SAFE Art será o time de peso presente na exposição “Encontro de outono”, com curadoria de Elis Valadares, que celebra a terceira edição da versão PopUp da Casa70Rio de 19 a 23 de maio, das 10h às 16h.

O evento conta também com participações especiais de Tatiana Bertrand, Vintage Brasil com curadoria da arquiteta Giulia Borborema, ensaio de moda de Dani Lacerda, Sabrina Cuiligotti e Victor Niskier. Este ano, a Casa70Rio – projeto criado por Elis Valadares no Rio e que cruzou o oceano por cinco anos, até Lisboa – volta à cidade na versão PopUp, realizado em parceria com galerias nacionais e internacionais (nesta edição com as galeristas Anita Schwartz e Gaby Índio da Costa).

Últimas exibições da obra de Tunga em Londres.

13/mai

A Lisson Gallery, 67 Lisson Street, London, England, apresenta em seus últimos dias – até 17 de maio – sua primeira exposição dedicada à obra de Tunga (1952-2016), cujo acervo é representado pela galeria desde setembro de 2024. Reconhecido internacionalmente como um dos mais importantes artistas brasileiros de sua geração, esta foi a primeira vez que o trabalho de Tunga esteve exibido em Londres desde 2018, quando a Tate Modern apresentou uma de suas performances lendárias, Xifópagas Capilares Entre Nós. Aclamado principalmente por suas esculturas, inspiradas na alquimia e na mitologia, Tunga chamou atenção para o potencial psicológico dos objetos tridimensionais, que começou a produzir nos anos 1970 utilizando materiais como correntes de ferro, malhas de nylon, lâmpadas e borracha.

A exposição destaca dez esculturas criadas entre 2004 e 2014 – um período fundamental em que Tunga continuou a experimentar materiais cada vez mais diversos, como garrafas, cristais, portais, dentes e tripés. Enquanto suas composições anteriores frequentemente consistiam em um ou dois elementos, como uma trança feita de arame ou feltro unido por cordões de algodão e ferragens, essas obras posteriores revelam sua propensão a criar formas mais corpóreas, incorporando múltiplos componentes e equilibrando densidade e efemeridade.

Quatro séries importantes foram apresentadas na exposição. A obra mais antiga, Fração de Luz (1981-2010), está incluída – uma estrutura elegante que remete aos mecanismos físicos de uma marionete e sua relação com o marionetista que a controla. Presa por ferragens negras na parede, uma corda metálica multipartida sustenta longos fios de cabelo. Acompanhando essa obra temos também Sem Título (2008), peça central da exposição. Composta por um peso maciço de alumínio suspenso no ar ao lado de uma cortina de tecido translúcido que desce até o chão, essa instalação de grande escala utiliza a dinâmica do suspenso para reforçar as ilusões criadas quando uma marionete se move, sua vivacidade dependendo de uma intervenção humana que permanece invisível.

Três obras da série Phanógrafo Policromático de Deposição (2004-2009) destacam o impulso do artista em explorar como os materiais podem se relacionar energeticamente ou permanecer distintos uns dos outros. Fixadas na parede, essas caixas de madeira compactas, quando abertas, revelam uma cena que lembra um experimento alquímico. Forradas internamente com tecido branco em relevo, o centro desses misteriosos recipientes abriga um frasco de vidro com líquido cromatizado, sustentado por uma armação de metal e resina. Espelhos também são parte dessas construções semelhantes a gabinetes, que continuam a borrar os limites entre o real e o imaginário.

A série Estojo (2008-2012) está representada por duas iterações. Esses pequenos recipientes de ferro escuro foram vistos por Tunga como portais capazes de transmitir paisagens únicas por meio de uma combinação de materiais terrenos, como quartzo cristalino e ferro, que o artista preenchia até a borda em cada unidade quadrada. Ímãs são outro elemento central – uma adição posterior à sua linguagem visual, permitindo-lhe comunicar ideias sobre forças invisíveis e a transmissão de energias. Com a série mais recente na exposição, Morfológicas (2014), Tunga voltou sua atenção para representações abstratas da anatomia humana, utilizando meios escultóricos arquetípicos como bronze e argila. Esses objetos sensuais, com tendências clássicas em sua forma e composição, aludem à fisicalidade do corpo e sua conexão com o reino terreno.

Brasil-França 2025.

12/mai

Do Brasil a Paris: onde arte, sensibilidade e arquitetura convergem, no coração da icônica Villa La Roche de Le Corbusier, o tempo se dobra sobre si mesmo para revelar um encontro raro: a arte brasileira adentra as linhas limpas do modernismo europeu com cor, ritmo e emoção.

De Lygia Clark a Sonia Gomes, de Burle Marx a Beatriz Milhazes, a exposição ABERTO 4 Paris, transforma cada ambiente em uma experiência viva e pulsante. Uma jornada pela memória, forma e sentimento.

Sobre o evento, Marta Fadel Martins Lobão, advogada e especialista em arte, afirmou: “A exposição ABERTO 4 é uma oportunidade imperdível para que a arte brasileira mostre sua riqueza e diversidade ao público europeu. A Maison La Roche, com seu design inovador, proporciona um cenário ideal para essa troca entre culturas, onde o Brasil se apresenta com força, emoção e relevância no cenário global.”

A exposição ABERTO 4, com arte brasileira, ocorre em Paris na Maison La Roche, um ícone da arquitetura modernista de Le Corbusier, de 12 de maio a 08 de junho. É parte das comemorações do Ano Cultural Brasil-França 2025.

CCBB de Brasília exibe mais de 40 artistas.

A partir dos anos 1930, mais precisamente após a Segunda Guerra Mundial (1939-1945), países econômica e socialmente vulneráveis passaram a ser denominados “subdesenvolvidos”. No Brasil, artistas reagiram ao conceito, comentando, posicionando-se e até combatendo o termo. Parte do que eles produziram nessa época está presente na mostra Arte Subdesenvolvida, que tem curadoria de Moacir dos Anjos e da Tuîa Arte Produção. A mostra fica em cartaz no Centro Cultural Banco do Brasil Brasília (CCBB Brasília) de 20 de maio a 03 de agosto.

O conceito de subdesenvolvimento foi corrente por cinco décadas até ser substituído por outras expressões, dentre elas, países emergentes ou em desenvolvimento. “Por isso o recorte da exposição é de 1930 ao início dos anos 1980, quando houve a transição de nomenclatura, no debate público sobre o tema, como se fosse algo natural passar do estado do subdesenvolvimento para a condição de desenvolvido”, reflete o curador Moacir dos Anjos. “Em algum momento, perdeu-se a consciência de que ainda vivemos numa condição subdesenvolvida”, complementa. A mostra, com patrocínio do Banco do Brasil e BB Asset, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura, apresenta pinturas, livros, discos, esculturas, cartazes de cinema e teatro, áudios, vídeos, além de um enorme conjunto de documentos. São peças de coleções particulares, dentre elas, dois trabalhos de Candido Portinari e duas obras de Anna Maria Maiolino. Há também obras de Paulo Bruscky e Daniel Santiago cedidas pelo Museu de Arte do Rio – MAR.

Na mostra “Arte Subdesenvolvida”, o público pode ver peças de grande importância para a cultura nacional. Duas obras de Candido Portinari, Enterro (1940) e Menina Ajoelhada (1945), fazem parte do acervo da exposição. Muitas pinturas do artista figuram o desespero, a morte ou a fuga de um território marcado pela falta de quase tudo. Outra obra que também se destaca na mostra é Monumento à Fome, produzida pela vencedora da Bienal de Veneza, a ítalo-brasileira Anna Maria Maiolino. Ela é composta por dois sacos cheios com arroz e feijão, alimentos típicos de qualquer região do Brasil, envoltos por um laço preto. Esse laço é símbolo do luto, como aponta a artista. O público também terá acesso a uma série de fotografias da artista intitulada Aos Poucos.

Outro ponto alto da mostra é a obra Sonhos de Refrigerador – Aleluia Século 2000, de Randolpho Lamonier. “A materialização dos sonhos tem diversas formas de representação, que inclui um grande volume de obras têxteis, desenhos e anotações feitos pelas próprias pessoas entrevistadas, objetos da cultura vernacular e elementos que remetem à linguagem publicitária”, ressalta o artista. “Entre os elementos que compõem a obra, posso listar, além dos têxteis, neons de LED, letreiros digitais, infláveis, banners e faixas manuscritas, até conteúdos sonoros com relatos detalhados de alguns sonhos”, completa Lamonier. Assim como em São Paulo, Belo Horizonte e Rio de Janeiro, lúdica e viva, a instalação multimídia realizará um inventário de sonhos de consumo, que inclui desde áudios e manuscritos das próprias pessoas entrevistadas a objetos e peças têxteis. A instalação ocupa o Pavilhão de Vidro do CCBB Brasília e, como explica o curador Moacir dos Anjos,”faz uma reflexão, a partir de hoje, sobre questões colocadas pelos artistas de outras décadas”.

Ao todo, mais de 40 artistas e outras personalidades brasileiras terão obras expostas na mostra, entre eles: Abdias Nascimento, Abelardo da Hora, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Artur Barrio, Candido Portinari, Carlos Lyra, Carlos Vergara, Carolina Maria de Jesus, Cildo Meireles, Daniel Santiago, Dyonélio Machado, Eduardo Coutinho, Ferreira Gullar, Graciliano Ramos, Henfil, João Cabral de Melo Neto, Jorge Amado, José Corbiniano Lins, Josué de Castro, Letícia Parente, Lula Cardoso Ayres, Lygia Clark, Paulo Bruscky, Rachel de Queiroz, Rachel Trindade, Solano Trindade, Regina Vater, Rogério Duarte, Rubens Gerchman, Unhandeijara Lisboa, Wellington Virgolino e Wilton Souza.

A arte de Beatriz Milhazes em NY.

09/mai

“Beatriz Milhazes: Rigor and Beauty” é o cartaz do Solomon R. Guggenheim Museum, New York até o dia 07 de Setembro.

Sobre a exposição.

A exposição apresenta a obra da artista contemporânea global Beatriz Milhazes (nascida em 1960, no Rio de Janeiro), que dialoga com sua herança cultural e identidade brasileira por meio da linguagem da abstração. A complexa obra da artista abrange quatro décadas – da década de 1980 até o presente – e abrange escultura, colagem, gravura, têxteis, arte pública e, especialmente, pintura. Esta exposição apresenta um conjunto de quinze pinturas e obras em papel, de 1995 a 2023, retiradas do acervo permanente do museu e complementadas por empréstimos importantes, que, juntas, contextualizam a narrativa mais ampla da evolução artística de Beatriz Milhazes.

A obra de Beatriz Milhazes está profundamente enraizada na história e na tradição brasileiras, inspirando-se na arte e arquitetura coloniais, nas artes decorativas e na vibrante celebração do Carnaval – um festival de uma semana no Rio de Janeiro que expõe a cultura brasileira por meio de desfiles, música, performances e fantasias elaboradas. Ela também é influenciada pela Tropicália, movimento cultural dos anos 1960 que mesclava arte, música e literatura para celebrar a identidade brasileira e, ao mesmo tempo, protestar contra o regime militar repressivo. Os ritmos e as cores da Bossa Nova, estilo musical nascido no Rio de Janeiro no final da década de 1950, também ecoam em sua obra. Além dessas influências, Beatriz Milhazes dialoga com a obra de artistas como Henri Matisse e Piet Mondrian, além de fazer referência a Tarsila do Amaral, cujas criações foram fundamentais para o desenvolvimento visual e estético do Modernismo brasileiro. Em 1989, Beatriz Milhazes desenvolveu uma técnica inovadora que chama de “monotransferência”, inspirada no processo de impressão monotípica, no qual uma imagem pintada é transferida de uma chapa para o papel, produzindo uma imagem espelhada. Ela inicia seu processo pintando motivos em folhas de plástico transparente com tinta acrílica. Assim que o acrílico seca, ela aplica camadas e adere as películas pintadas à tela e, em seguida, descola o plástico, revelando as formas invertidas. As composições resultantes são vibrantes e dinâmicas, combinando formas abstratas, padrões orgânicos e estruturas geométricas em superfícies texturizadas imbuídas da memória das ações da artista.

As primeiras pinturas desta exposição, principalmente do acervo do museu – como Santa Cruz (1995), In albis (1995-96) e As quatro estações (1997) – inspiram-se na opulência das igrejas coloniais barrocas brasileiras do século XVIII e em suas vestimentas ornamentais. Beatriz Milhazes sintetiza essas influências em motivos abstratos e representativos, com círculos e arabescos, delicados crochês e rendas, flores e padrões florais, além de pérolas ornamentadas e trabalhos em ferro que emergem em suas composições. Em 2000, ela começou a explorar efeitos ópticos em suas pinturas, utilizando repetições lineares para criar padrões ondulantes e ritmos visuais, como visto em Paisagem carioca (2000), O cravo e a rosa (2000) e O Caipira (2004). As obras em papel desta exposição, criadas entre 2013 e 2021, demonstram a contínua experimentação de Beatriz Milhazes com a colagem. Ela combina elementos produzidos em massa, como sacolas de compras de marca, embalagens de barras de chocolate e papel estampado, com recortes de suas próprias serigrafias de cores sólidas para criar padrões intrincados e configurações abstratas ousadas. As pinturas recentes de Beatriz Milhazes, incluindo Mistura Sagrada (2022), marcam uma mudança na exploração do poder espiritual da natureza após a pandemia de COVID-19. Embora referências ao mundo natural estejam presentes desde o início de sua carreira, aqui ela se aprofunda em ciclos de renovação – vida e morte – por meio de formas coloridas e angulares e padrões intrincados. Elementos orgânicos, reflexos da proximidade da artista com o Jardim Botânico do Rio de Janeiro, a Floresta da Tijuca e a Praia de Copacabana, ecoam nas geometrias harmoniosas, nos sistemas conceituais e nos universos cromáticos que permeiam sua obra.

A exposição é organizada por Geaninne Gutiérrez-Guimarães, curadora do Museu Guggenheim de Bilbao e do Museu e Fundação Solomon R. Guggenheim, Nova York. “Beatriz Milhazes: Rigor e Beleza” é a segunda edição da série de exposições Coleção em Foco, que destaca o acervo permanente do museu. A série faz parte de um esforço revigorado para tornar o acervo mundialmente renomado do Guggenheim de Nova York mais acessível ao público. O apoio visionário à Coleção em Foco é fornecido por Aleksandra Janke e Andrew McCormack. O Comitê de Liderança de “Beatriz Milhazes: Rigor e Beleza” agradece sua generosidade, com agradecimentos especiais a Laura Clifford, Peter Bentley Brandt, Christina e Alan MacDonald, Cristina Chacón e Diego Uribe, Alberto Cruz, Ilva Lorduy, Karina Mirochnik e Gaby Szpigiel, Pace Gallery, White Cube, Fortes D’Aloia & Gabriel e Galerie Max Hetzler. Financiamento adicional é fornecido pelo Círculo Latino-Americano do Guggenheim de Nova York.

As múltiplas dimensões da temporalidade.

07/mai

“Em busca do tempo roubado” é o atual cartaz da Galeria de Arte Flexa, Leblon, Rio de Janeiro, RJ, com curadoria de Luisa Duarte, tendo Daniela Avellar e Lucas Alberto como curadores assistentes. A mostra reúne cerca de 80 obras que buscam abordar as múltiplas dimensões da temporalidade. Os três núcleos que compõem a coletiva se apresentam como capítulos de uma espécie de pedagogia do tempo: “O herói como garrafa”, “Frequência dos hábitos” e “A pele do tempo”.

Em busca do tempo roubado

Secularmente, a passagem do dia foi medida pelo lento deslocamento dos astros. Hoje, a interface do mundo clareia e anoitece regida pela modulação do brilho das telas, simbolizada por um pequeno sol nos aparelhos de celular. Em um estranho paradoxo, temos o dia disposto na palma da mão, enquanto a experiência do seu desdobrar escorre entre os dedos.

Em busca do tempo roubado se dedica a abordar distintas formas de temporalidade em contraposição ao mundo 24/7 – aquele no qual nos distanciamos da realidade sensível à medida que habitamos, grande parte das horas, zonas digitais cujas telas, sempre lisas e limpas, simulam uma temporalidade para a qual as marcas do tempo nunca chegam. Ou ainda: aquele que se descortina a partir de dinâmicas ininterruptas de estímulos, que acabam por nos fazer reféns de uma constante atenção distraída.

Os três núcleos que compõem a exposição se apresentam como capítulos de uma espécie de pedagogia do tempo. O herói como garrafa propõe um deslocamento da centralidade do imaginário heroico ao privilegiar o ordinário. Em A teoria da bolsa de ficção, Ursula K. Le Guin (1929-2018) faz menção a um glossário inventado por Virginia Woolf (1882-1941) no qual a palavra “herói” é substituída pelo termo “garrafa”. Tal operação encena um gesto crítico à reincidência da tônica heroica nos modos de contar histórias. Assim, a atenção ao ordinário recolhe, no tecido dos dias, as narrativas mínimas e as possíveis surpresas que habitam as malhas do comum.

Em Frequência dos hábitos recordamos que, na repetição dos gestos mais banais – escovar os dentes, riscar um fósforo, cortar uma fruta – podem habitar desvios inauditos. Assim, a repetição surge como recurso poético que aponta para o cotidiano como campo de invenção e subversão.

Já em A pele do tempo, o tempo se revela por sua densidade, menos como medida homogênea cronometrada e antes como matéria sensível. E se a pedra fosse uma metáfora para o relógio? Como mediríamos as horas? Tal pergunta parece sugerir a existência de fusos horários próprios a cada matéria, desobedientes às cronologias já catalogadas.

Luisa Duarte – curadora

Daniela Avellar – curadora assistente

Lucas Alberto – curador assistente

Livro para Hélio Oiticica e Waldemar Cordeiro.

A Pinakotheke São Paulo, Rua Ministro Nelson Hungria, 200, Morumbi, realiza o lançamento do livro “Encontro/Confronto – Hélio Oiticica e Waldemar Cordeiro”, seguido de conversa com Analivia Cordeiro, Max Perlingeiro e Paulo Venancio Filho, no dia 10 de março, às 11h, último dia da exposição.

O livro, que acompanha a exposição, é publicado pelas Edições Pinakotheke, formato de 21 x 27cm, com imagens das obras expostas, fac-símiles de documentos e textos históricos, e de correspondências endereçadas a Hélio Oiticica, textos de Max Perlingeiro, Luciano Figueiredo, Paulo Venancio Filho, Analivia Cordeiro, e da única fotografia conhecida de Hélio e Waldemar juntos, sentados lado a lado em um almoço no MAM Rio.

A mostra reúne 37 obras dos dois artistas que participaram ativamente dos movimentos neoconcreto e concreto, respectivamente, que defendiam diferentes caminhos da arte nos anos 1950 e 1960. Idealizada por Max Perlingeiro, que divide a curadoria com o artista Luciano Figueiredo, um dos grandes especialistas na obra de Hélio Oiticica, e Paulo Venancio Filho, pesquisador dos dois movimentos, a exposição propõe uma reflexão, já distanciada pelo tempo, dos encontros e dos confrontos entre esses dois artistas. A exposição celebra ainda o centenário de nascimento de Waldemar Cordeiro.

Exposição do rei da Pop Art.

06/mai

Uma retrospectiva inédita no Museu de Arte Brasileira – MAB FAAP – com trabalhos de todas as fases da carreira de Andy Warhol, o rei da Pop Art, uma exposição que acontece – simultaneamente – nas salas expositivas da FAAP, Higienópolis, São Paulo, SP, no Salão Cultural e a Sala Annie Alvares Penteado, exibindo mais de 600 trabalhos trazidos diretamente do The Andy Warhol Museum, em Pittsburgh (o maior museu dedicado a um único artista nos EUA).

Obras que influenciaram não apenas a História da Arte, mas seguem influenciando o mundo da moda, a publicidade, o design e a indústria audiovisual em todo o planeta.

A exposição inédita, organizada pelo Instituto Totex e com curadoria de Priscyla Gomes, reúne obras emblemáticas como Campbell’s Soup, Elvis, Marilyn, Michael Jackson e Pelé, além de esculturas, fotografias, instalações e filmes experimentais.

Até 30 de junho.

Visão estética e conceitual do corpo humano.

A exposição individual de fotografias de Gilberto Perin – “A Carne” – abre a programação de maio no Espaço Cultural do Hotel Praça da Matriz, Centro Histórico, Porto Alegre, RS. A exibição é composta de 20 imagens inéditas e novos recortes de trabalhos já apresentados pelo artista. A programação inclui duas novas edições do projeto “Roda de Cultura”, com o artista recebendo o público para um bate-papo descontraído sobre sua obra e trajetória nas tardes de duas quartas-feiras – 14 e 28 de maio. É necessário agendamento pelo telefone/whatsapp (51) 98595-5690.

Sobre a obra e o artista.

Com formatos e dimensões variadas, as fotos da série têm por foco estético e conceitual o corpo humano, com seus múltiplos significados e interações, em uma época marcada pelo contraste entre padronização da beleza, sufocamento de sensações, banalização da intimidade e perda de espaço do natural para o artificialismo. O autor acrescenta: “Não se trata de uma crítica conservadora à superexposição ou algo do tipo, mas do convite a um novo olhar sobre a cultura em que o corpo é visto de forma fragmentada, impactando a percepção individual e coletiva. Parte desse trabalho foi inspirada pela conversa que tive com uma amiga sobre os aplicativos de relacionamento, que exploram fetiches e narcisismos, comercialmente ou não, de forma explícita ou insinuada”. Gilberto Perin, 71 anos, tem trajetória consagrada na área cultural, como roteirista, diretor de cena, ator de teatro/cinema e artista visual. Nascido em Guaporé (RS) e radicado em Porto Alegre desde 1972, é formado em Comunicação Social pela PUCRS. Criou e dirigiu premiados curtas-metragens, videoclipes e minisséries para televisão. Suas fotografias já foram expostas em instituições como o Centro Cultural CEEE, Sesc-RS, Casa de Cultura Mário Quintana, MARGS, Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Espaço IAB, Santander Cultural, Memorial do RS, Fundação Ecarta e Museu Joaquim José Felizardo, além de Portugal, França, Itália, Suíça e Hungria. É também autor dos livros “Camisa Brasileira”, “Fotografias para Imaginar”, e “Theatro São Pedro – 165 anos” (2023), sem contar a presença de seu trabalho em capas de quase 30 publicações de contos, poesias, romances, biografias e outros gêneros.