Portinari em Paris

28/maio

É Impossível segurar pelo menos aquela lágrima da emoção pura e visceral do encontro com uma obra de arte única!
Durante a visita intensa à exposição do díptico “Guerra e Paz” de Portinari ao som de Villa-Lobos, o publico é cativado. Lindo de se ver.
A obra majestosa é apresentada em frente a um igualmente gigantesco espelho. O universo do pintor é desvendado nas paredes do Salão Nobre do Grand Palais que se transformou em um Salão da Paz. E todos, todos, todos os visitantes são atenciosamente recebidos por João Cândido, diretor do Projeto Portinari e filho do pintor.

 

 

Texto de Luis Fernando Verissimo

 

Murais

 

No Grand Palais, o espaço de arte de maior prestígio em Paris, foi inaugurada a exposição dos dois murais, “Guerra e Paz”, que Cândido Portinari fez para o interior do prédio das Nações Unidas, em Nova York. Antes de serem doados à ONU, em 1956, os grandes painéis foram exibidos no Brasil, e agora chegam a Paris no início da fase internacional de um projeto de exposição, fora da área restrita do foyer da ONU, que começou com outra turnê pelo Brasil e terminará com sua volta a Nova York em 2015.

 

A obra de Portinari está magnificamente apresentada no Grand Palais, junto com estudos preparatórios para os murais e outros trabalhos do artista, e a solenidade teve a presença do filho de Portinari – que morou durante muito tempo em Paris –, do embaixador do Brasil na França, Bustani, da Marta Suplicy e de outros responsáveis pelo projeto, além de dezenas de brasileiros e simpatizantes orgulhosos.

 

Ninguém mencionou que Portinari não pôde comparecer à inauguração dos seus murais na ONU em 1956 porque era comunista, e os americanos não deixaram ele entrar no país. Me lembrei da história do mural que Nelson Rockefeller encomendou ao mexicano Diego Rivera para o saguão de entrada do Rockefeller Center em Nova York . O mural deveria retratar o avanço da Humanidade através do trabalho e do progresso científico. Rivera foi o escolhido porque era um dos pintores favoritos da mãe de Nelson Rockefeller, que obviamente não informou ao filho quais eram as convicções políticas do mexicano.

 

Pode-se imaginar a cara do Nelson ao ver, no mural pronto, o Lenin de mãos dadas com trabalhadores, simbolizando a união que emanciparia o proletariado mundial da opressão capitalista. Rockefeller pagou ao Rivera, mas mandou pôr abaixo o mural. Não adiantou a oferta do pintor de incluir Abraham Lincoln como emancipador, talvez ao lado de Lenin. O mural foi destruído. Antes da sua destruição,Rivera pediu que o fotografassem.

 
E o reproduziu no México, acrescentando alguns detalhes que não estavam na primeira versão. Como Marx e Trotsky, além de Lenin. E – para completar a vingança – o pai de Nelson, John D. Rockefeller, um notório abstêmio, é retratado como um bêbado, simbolizando a dissolução moral dos ricos.

 

Nelson Rockefeller não desistiu do seu mural. Contratou um tal de José Maria Sert para pintá-lo. O mural continua lá, na entrada do Rockefeller Center. A sua figura principal é o Abraham Lincoln.

 

 

 

(Depoimento da jornalista Rosangela Meletti, de Paris)

 

 

Até 09 de junho. 

Lygia Clark no MoMA, NY

28/abr

O MoMA, Museum of Modern Arts, Manhattan, Nova Iorque, EEUU, anuncia “Lygia Clark, The Abandonment of Art, 1948-1988”, a grandiosa retrospectiva de Lygia Clark; a primeira e maior exibição abrangendo aproximadamente 300 trabalhos, concebidos entre o inicio dos anos 50 até  meados dos 80 quando a artista faleceu. Os visitantes poderão apreciar desenhos, pinturas, esculturas, objetos e trabalhos conceituais e participativos realizados por uma das artistas mais celebradas do Brasil. A obra de Lygia Clark vem despertando  – cada vez mais – a admiração e o devido reconhecimento internacional dando um conceito significante a uma constelação de trabalhos que definem cada degrau de sua carreira.

 

Concebida de coleções públicas e privadas, “Lygia Clark” apresenta um conjunto impressionante que tem o objetivo de re-instalar o trabalho conceituado aos novos rumos da arte contemporânea, sua participação e prática de arte terapêutica. A exibição vem acompanhada de um catalogo inteiramente ilustrado com ensaios de Sergio Bessa, Connie Butler, Eleonora Fabião e outros. Juntamente com a exibição, o MoMA abriga também a mostra “On The Edge: Brazilian Film Experiments of the 1960s and Early 1970s”, de 10 de Maio á 27 de Julho, uma vasta seleção de curtas e longa-metragens experimentais, realizados por artistas daquele período de transformação politica e social, com foco no trabalho participativo de Lygia Clark, e outros como Hélio Oiticica, Glauber Rocha, o poeta Raimundo Amado e a artista Lygia Pape. A seleção apresenta desde a estética B de José Mojica Marins, até os protestos na voz de Caetano Veloso. Alguns títulos populares como “Deus e o diabo na Terra do Sol” e “Bandido da Luz Vermelha” também estão na programação.

 

A exposição de Lygia Clark conta com o apoio de Ricardo e Susana Steinbruch, The Modern Women’s Fund, Patricia Phelps de Cisneros, Jerry I. Speyer e Katherine G. Farley, Vicky e Joseph Safra Foundation, mais The International Council of The Museum of Modern Art, Johanna Stein-Birman e Alexandre Birman, Consulado Gearl do Brasil em Nova Iorque, Patricia Fossati Druck, Roberto e Aimée Servitje, Frances Reynolds, The Junior Associates of The Museum of Modern Art, Fogo de Chão, the MoMA Annual Exhibition Fund,Patricia Cisneros Travel Fund for Latin America e Richard I. Kandel.

 

 

De 10 de maio a 24 de agosto.

Fonte: MoMA, Roger Costa – Brazilian Press

Um colagista em Nova York

23/abr

O artista visual e ilustrador André Bergamin, foi um dos 35 nomes convidados a expor na International Weird Collage Show, no Brooklyn, em Nova York, EUA. A exibição coletiva reúne a comunidade global da técnica de colagem. A galeria The Invisible Dog Art Center recebe artistas da Alemanha, Escócia, Bélgica, Noruega, Holanda, Inglaterra, Finlândia, Espanha, Costa Rica e dos Estados Unidos. Esta é a sétima edição do evento, que já passou por outros seis países.

 

Formado em Publicidade e Propaganda, com especialização em Design Gráfico, André Bergamin iniciou no ramo da ilustração em 2004. Desde então, criou colagens para ilustrar reportagens e atender a marcas como New Statesman, Carta Capital, Folha de S.Paulo, Rolling Stone, TAM nas Nuvens, Época, Alfa, Airborne Magazine, Superinteressante, Galileu, Aventuras na História, Culprit L.A., Bravo!, entre outras.

 

O jovem colagista, que tem entre suas referências plásticas John Baldessari, Volpi e Max Ernst, utiliza revistas das décadas de 50 a 80, manipulando imagens de forma digital. Atualmente, ele é agenciado pela londrina Illustration Ltd. Nos últimos anos, em paralelo ao trabalho de ilustrador, Bergamin passou a focar na produção artística; recentemente expôs em Colônia, Uruguai, com o coletivo “LADO B” e seu trabalho está registrado no livro Collage Illustrations Cut & Paste. No último mês, foi selecionado pela publicação alemã Lürzer’s Archive para figurar na edição 2013/2014 como um dos 200 melhores ilustradores do mundo.

 

 

Até 10 de maio.

Isaque Pinheiro em Lisboa

19/fev

Isaque Pinheiro realiza exposição individual na Galeria Caroline Pagès , Lisboa, Portugal. A exposição  denomina-se “Memória” e nela, Isaque Pinheiro apresenta uma série nova de trabalhos cujo conjunto é, no mínimo, surpreendente. Desde os gigantescos dardos feitos de madeira nobre e metais ricos e de ressonância simbólica, como o latão ou a prata, até aos alvos encontrados, à maneira de Max Ernst nos singulares desenhos que a própria natureza fez no interior escondido das árvores, passando por uma gigantesca colagem cujas sucessivas camadas produzem todo um conceito de escultura bidimensional até a um imaginoso vídeo que retoma a temática desta última e a reconstrói num processo quase alucinatório que lhe multiplica os sentidos, todas estas novas obras convergem juntas numa quase instalação que multiplica o espaço que integram de coordenadas conceptuais surpreendentes, e em que as obras por si mesmas são como que partes de um todo, idealmente impossível de separar, mesmo se funcionam também cada uma delas separada das restantes.

 

 

Até 29 de março.

 

Fonte: Galeria Laura Marsiaj

Krajcberg em Paris

12/fev

Uma escultura de Frans Krajcberg, denominada “Fragmento Ecológico nº5”, datada 1973/1974, faz parte da Coleção Permanente do Centre National d´Art et de Culture George Pompidou, em Paris, desde o final da década de 70. O acervo tem um sistema de rodízio e, atualmente, a escultura encontra-se em exposição. A imagem do espaço expositivo do Centro Pompidou, que ilustra esta nota, é de autoria do próprio Krajcberg. O artista é representado no Brasil pela Galeria Márcia Barrozo do Amaral, Copacabana, Shopping Cassino Atlântico, Rio de Janeiro, RJ.

 

Ernesto Neto no Guggenheim Bilbao

22/jan

A partir de fevereiro, o museu Guggenheim Bilbao, Bilbao, Espanha, vai dedicar uma exposição ao artista brasileiro Ernesto Neto. A exibição ganhou o título de “The Body that Carries Me” e o artista, que se autodefine escultor, cria seus trabalhos para que sejam percorridos, habitados e sentidos, permitindo que o espectador, ao contemplá-las, experimente seu próprio corpo e sensações através da obra e vice-versa. Ao interagir com as obras e com as outras pessoas, os visitantes se veem imersos em uma fusão de escultura e arquitetura. Nelas, Ernesto Neto explora a sensualidade e a corporalidade, nos aspectos comuns das relações interpessoais. A exposição no Guggenheim Bilbao ocupará o átrio central e oito galerias do segundo andar do prédio. Cada uma delas oferecerá uma experiência diferente, que exigirá um ritmo distinto para sua consequente visão ou participação.

 

Segundo o Guggenheim Bilbao, a mostra foi desenvolvida em parceria com o artista. Suas obras exploram os sentidos, como olfato, visão, linguagem e outros aspectos sensoriais. Para Ernesto Neto, a mostra é um local para a poesia, onde os visitantes podem escapar da rotina. Ao todo, serão exibidos cerca de 25 trabalhos  que marcaram a trajetória do artista. A curadoria é de Petra Joos, um nome de referência no circuito artístico europeu.

 

 

A palavra do artista

 

“Estamos sempre recebendo informação, mas na exposição o meu desejo é fazer com que as pessoas parem de pensar e encontrem um refúgio na arte. Eu acho que não pensar é bom, porque isso nos dá um respiro da vida”.

 

De 13 de fevereiro a 18 de maio.

Mira Schendel em Londres

26/set

A Tate Modern, museu britânico, Londres, tornou-se palco de uma ampla retrospectiva das obras de Mira Schendel. A artista é uma das mais importantes do pós-guerra na América Latina e, ao lado de seus contemporâneos Lygia Clark e Hélio Oiticica, reinventou a linguagem do modernismo europeu no Brasil. Ocupando 14 salas do museu, a mostra leva o nome da artista e exibe obras procedentes de coleções particulares e da Pinacoteca do Estado de São Paulo, algumas expostas pela primeira vez. São mais de 270 pinturas, desenhos e esculturas de todos os períodos da carreira de Mira Schendel. Entre os destaques estão “Droguinhas”, de 1965-1966, escultura em papel de arroz; e “Graphic Objects”, de 1967-1968, uma série que explora a linguagem e a poesia e que foi exibida na Bienal de Veneza de 1968. Outras obras importantes integram a mostra, como as pinturas abstratas do início da carreira da artista e as instalações “Still Waves of Propability”, 1969, e “Variants”, 1977. As últimas obras de Schendel, conhecidas como “Sarrafos”, 1987, também estão na exposição. Mia Schendel nasceu em Zurique em 1919 e cresceu em Milão. Depois da guerra viveu em Roma, antes de se mudar para o Brasil em 1949, onde morou e trabalhou até a sua morte, em 1988.

 

 

Até 19 de janeiro.

 

Fontes: ArtDaily, Folha de S. Paulo, Touch of class

A Lume no Chile

19/set

A Galeria LUME, São Paulo, participa da edição 2013 da Chaco (Chile Arte Contemporáneo), Santiago, Chile, destacando obras de importantes profissionais como os brasileiros Florian Raiss, Alberto Ferreira e Guta Galli, além do britânico Martin Parr, todos representados pela galeria. Entre as imagens selecionadas, temos as séries “Rio de Janeiro”, de Alberto Ferreira; “Caxemira”, de Guta Galli, e Martin Parr, com “The Last Resort”. Com estes três artistas em destaque, a fotografia documental será o tema proposto pela galeria, com retratos de diferentes povos e épocas, por meio do olhar de cada artista.

 

Um dos principais representantes do fotojornalismo brasileiro, Alberto Ferreira exibe, na série “Rio de Janeiro”, domínio da luz e da composição fotográfica. Suas imagens mostram a capital fluminense nas décadas de 1950 e 1960, forte cunho documental e estético presentes no trabalho do artista.

 

O trabalho de Florian Raiss é um estudo constante das preocupações e barreiras da alma humana. Perfis clássicos, impenetráveis, delicados e concisos, uma sutileza harmônica e de sensualidade suave. Suas cabeças se unem e saem como formas mistas, flexíveis e abstratas, em um desejo desesperado de cumplicidade, da dualidade, da repetição, onde a continuidade representa a solidão humana, única e inevitável.

 

Guta Galli, por sua vez, poderia ser intitulada como uma fotógrafa “etnóloga”, por documentar os povos entre os quais a artista passa a viver, em diferentes regiões do mundo. Em “Caxemira”, além de retratar o modo de vida desta população, Guta Galli retrata também as mulheres que enfrentam, até hoje, os reflexos da luta territorial com a Índia.

 

Por fim, temos a forma irônica pela qual Martin Parr relata a sociedade capitalista, modo pelo qual causou estranhamento em Cartier Bresson, que a questionar a entrada do fotógrafo na agência Magnum Photos. Ao rebater as críticas, Martin Parr reafirma, categoricamente, sua essência documental: “Fotografo apenas o que está na minha frente. Nada foi manipulado”.

 

Com esse trio de fotógrafos renomados, a Galeria Lume marca sua estréia nesta feira que representa o maior acontecimento na cena cultural chilena, firmando sua posição no mercado internacional e conquistando novos mercados para seus artistas representados.

 

 

De 26 a 30 de setembro

Smael, mostra em Paris

18/set

Acontece na Galerie Brugier-Rigail, Paris, a exposição “Le Voyage Imaginaire du Cirque Fantastique – A Viagem Imaginária do Circo Fantástico” do artista carioca Smael. É o grafite brasileiro ganhando espaço na Cidade-Luz. Jovem artista conhecido por seus grafites cheios de cores vibrantes, Smael exibe 16 pinturas e 5 desenhos  de sua mais recente produção com os mais diversos personagens circenses e assim apresentado: De la joie, du rêve, du fantastique au service de l’imagerie populaire brésilienne. Ces images créées par Ismaël Wagner de la Serna, aka Smaël, puisent leur inspiration dans la joie et la nature brésilienne, mais aussi dans la vision des enjeux sociaux politiques du Brésil au sein de l’Amérique du sud. Toute la culture cosmopolite de Rio de Janeiro, terre de contraste, permet à l’artiste de se maintenir dans cette bipolarité permanente.

Ana Michaelis – ILLUSION

11/set

A artista plástica Ana Michaelis é a primeira brasileira selecionada para participar do prêmio Artprize 2013, que ocorre durante o mês de Setembro em Grand Rapids, Michigan, USA. Na quinta edição do evento, – a única representante do Brasil na mostra -, cria com sua delicada pintura, um site specific intitulado “ILLUSION”, obra que ocupará três grandes paredes do Grand Rapids Art Museum – GRAM.

 

Durante os últimos anos, Ana Michaelis tem visto na pintura de paisagem seu principal interesse. A artista constrói pinturas inabitadas, imaginárias, sobre os quais aplica inúmeras camadas de branco, no intuito de fazer sobressair a luz e diluir os traços, sugerindo uma paisagem que instiga no observador a sensação única de ilusão, de lembrança. Criada a partir de recordações da artista, “ILLUSION” proporciona a reflexão do observador, para estabelecer o diálogo entre memórias: “Acredito que a consciência da paisagem é baseada na memória, muitas vezes filtrada através de recordações de algum momento da vida. Minha intenção é evocar assim uma conversa entre memórias, aquelas que o observador traz consigo e a minha memória apresentada através da pintura.”

 

A Artprize é uma organização independente, e a escolha de Ana Michaelis para mostra no Grand Rapids Art Museum – GRAM é fruto de um concurso de arte aberto e internacional. Ao longo de 19 dias, três quilômetros quadrados no centro de Grand Rapids – Michigan, tornam-se uma enorme exposição de arte, com os trabalhos selecionados. Os espaços expositivos são abertos ao público e a entrada é gratuita, contando com uma premiação – decidida inteiramente por votação do público – que pode chegar a US$ 560,000.00. Este ano, o tema do GRAM é “Reimaginando a Paisagem e o Futuro da Natureza”, conta com 24 artistas instigados a exibir obras que exploram imagens e ideias tiradas não apenas do mundo que nos cerca, como também de discussões contemporâneas sobre o meio ambiente e as fronteiras da ciência natural.

 

 

De 11 de setembro a 06 de outubro.