Uma série de seis cartões postais ilustrados pelo artista Leandro Selister são distribuídos gratuitamente na loja Koralle no Santander Cultural, Centro Histórico, Porto Alegre, RS. A proposta do artista envolve a retirada dos postais para que pintem as ilustrações em preto & branco, escrevam mensagens e enviem para qualquer lugar do Brasil. Encontra-se destinada no local uma caixa de coleta para receber os cartões já endereçados, com postagem e custo feitos pelo próprio Santander Cultural. A iniciativa, que traz imagens do prédio histórico de 1932, um projeto do artista catalão Fernando Corona, visa estimular a volta da escrita e buscar outra forma de comunicação em nosso mundo atual totalmente regido pela digitação.
Arquivo da categoria: Outros estados
Exposição na Fundação Vera Chaves Barcellos
21/ago
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- Carlos Asp
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- Marcel-li Antunez
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- Mário Röhnelt
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- Nina Moraes
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- Téti Waldraff
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- Vera Chaves Barcellos
A Fundação Vera Chaves Barcellos, Viamão, RS, apresenta a mostra “Destino dos Objetos | O
artista como colecionador” e as coleções da FVCB. Impressões, desenhos, fotografias,
gravuras, fotocópias, objetos, esculturas, colagens e vídeos integram a mostra que reúne um
diverso grupo de 50 artistas de várias nacionalidades. Com curadoria de Eduardo Veras,
“Destino dos Objetos” examina como, por diferentes caminhos, os artistas se fazem
colecionadores, ou, pelo menos, como seus trabalhos podem replicar algo do furor
colecionista.
Há aqueles que tratam de isolar, recolher e sacralizar peças específicas, peças que
imediatamente perdem sua função original, mesmo que não renunciem às memórias que
carregam. Há também aqueles em que, mais do que a escolha, despontam as noções de
acúmulo, ordenamento e classificação. Entre uns e outros, o artista emerge como o sujeito dos
desejos e das decisões, oferecendo ou adivinhando um destino para os objetos.
A exposição remonta ao gérmen da própria Fundação Vera Chaves Barcellos, cuja origem
encontra-se nas coleções de arte formadas pelos artistas Vera Chaves Barcellos e Patricio
Farías ao longo dos anos, antes mesmo da formalização desse importante centro de divulgação
de arte contemporânea.
Participam da mostra artistas brasileiros, latino-americanos e europeus: 3NÓS3, Albert
Casamada, Almandrade, Amanda Teixeira, Anna Bella Geiger, Antoni Muntadas, Boris Kossoy,
Brígida Baltar, Cao Guimarães, Carlos Asp, Carmela Gross, Christo, Daniel Santiago, Elcio
Rossini, Ester Grinspum, Evandro Salles, Feggo, Gisela Waetge, Gretta Sarfatty, Hannah Collins,
Heloísa Schneiders da Silva, Hudinilson Jr., Jailton Moreira, Jesus R.G. Escobar, Joan Rabascall,
Joaquim Branco, Joelson Bugila, Julio Plaza, Klaus Groh, León Ferrari, Lia Menna Barreto, Mara
Alvares, Marcel-li Antunez, Marcelo Moscheta, Marco Antônio Filho, Marcos Fioravante, Maria
Lúcia Cattani, Mariana Silva da Silva, Marlies Ritter, Mario Ramiro, Mário Röhnelt, Michael
Chapman, Nicole Gravier, Nina Moraes, Patricio Farías, Rogério Nazari, Téti Waldraff, Ulises
Carrión, Vera Chaves Barcellos e Waltércio Caldas.
A exposição contará com uma programação paralela com palestras, conversas com artistas,
além das visitas mediadas e da promoção do Curso de Formação Continuada em Artes – ações
permanentes do Programa Educativo da FVCB, que segue oportunizando vivas experiências
com a arte e estimulando a formação de novos públicos.
De 22 de agosto a 12 de dezembro.
Adriana Varejão exibe “Pele do Tempo”
Em cartaz no Espaço Cultural Airton Queiroz, UNIFOR, Fortaleza, CE, a mostra “Pele do Tempo”
reúne 32 obras de Adriana Varejão e 4 obras de artistas que a influenciaram, abrangendo 23
anos de trabalho. Uma das artistas brasileiras mais conhecidas internacionalmente, Varejão
realiza trabalhos que se baseiam na pintura e, sobre essa, que é a mais clássica das linguagens
da arte, consegue subverter e abrir inúmeros campos de questão. A curadoria traz a assinatura
de Luisa Duarte.
De 26 de agosto a 29 de novembro.
Artista holandês na SIM galeria
20/ago
A SIM galeria, Curitiba, PR, apresenta a exposição individual de Frank Ammerlaan, artista
holandês residente em Londres.
Nos trabalhos de Ammerlaan, a essência do múltiplo é manifesta na contínua coexistência de
suportes, materiais e processos mistos, como escultura, pintura, fotografia e vídeo
juntamente de elementos sintéticos e naturais como tinta óleo, linhas de costura, metais e
agentes químicos.
Na exposição “Outside the wireframe”, produzida durantes sua residência artística recente no
espaço experimental de arte PIVÔ, na cidade de São Paulo, o interesse permanente no que é
periférico, indistinguível e despercebido é amplamente contemplado.
As caminhadas diárias de Ammerlaan na ida e volta de seu ateliê temporário, localizado no
centro de São Paulo, se tornaram uma profunda jornada para dentro e fora do motor da
cidade movido à ansiedade e instabilidade. Ao fazer uso de objetos ready-made como
latinhas de alumínio, vidro e banner de PVC, em “Outside the wirefram”e o artista convoca
uma série de elementos tanto familiares como também invisíveis à capital brasileira. Um
conjunto de ícones que perpassa os catadores de latinhas das quais algumas esculturas são
feitas e que nos fala sobre inventivos subsistemas criados sob circunstâncias econômicas
difíceis. Como também que inclui um banner de serralheria em que o artista aponta
evidências de extrema ansiedade geral quanto à segurança. E até mesmo que destaca do
cenário urbano cotidiano, tampas de bueiro e piche como indicação de um ambiente
publicitário alternativo. E até mesmo piche e tampas de bueiros que nos separam de um
mundo sob nossos pés.
A série “Untitled” de imagens impressas em vidro aramado de alta segurança exibe um
material nunca antes usado em exposições do artista, de acordo com ele “Trabalhar em um
novo contexto como a residência desperta novas idéias, te faz, por exemplo, pensar de forma
diferente sobre os materiais”. Permeada por ambigüidades, a série é feita de um material
transparente de alta segurança que busca oferecer segurança enquanto não necessariamente
esconde algo. Ela inclui imagens desenhadas por linhas de armações de arame que lhes
concedem certo aspecto de pop arte, mas ao mesmo tempo uma aparência anônima, uma vez
que nos permite enxergar formas, mas não superfícies. Além disso, um objeto poderoso ainda
que pequeno, a bandeira de mesa, que não mostra nenhum emblema ou insígnia pode ainda
assim simbolizar uma idéia de proteção e defesa de um determinado território ou cultura.
Sobre a figura tridimensional humana, seu aspecto fantasmagórico é justaposto com uma
imagem impressionantemente detalhada.
A antítese da abordagem emocional e racional está profusamente presente nas pinturas do
artista na quais aspectos atmosféricos e nebulosos se contrastam com padrões geométricos
precisos feitos de linhas de costura e bordado. Possivelmente sob a influência de seu
treinamento primeiro, em marcenaria, assim como devido a pratica constante de desenhos
técnicos, nos trabalhos de Ammerlaan linhas são de alguma forma, privilegiadas em
detrimento de volume.
Em algumas das pinturas de “Outside the wireframe” os conceitos binários característicos dos
trabalhos de Ammerlaan podem ser apresentados mais sutilmente do que em outras. Ao
observar uma pintura a partir de certa distância da tela, seus aspectos atmosféricos e
nebulosos se destacam, porém, uma vez que os padrões em baixo relevo começam a ser
reconhecidos, a pintura simultaneamente exige ser observada mais de perto. Padrões e
linhas, assim, são formas de racionalizar e se apropriar do conceito de periférico com
efetividade. Simultaneamente a qualidade etérea das pinturas contribui para um
engendramento mais amplo das idéias e objetos do periférico.
“Outside the wireframe” revela que o imperceptível, o periférico e o sutil podem ser
encontrados em situações e cenários que transcendem efeitos óticos provocados por uma obra
de arte. Aponta claramente que o invisível existe, por exemplo, na rotina cotidiana dos
habitantes de metrópoles como São Paulo. Ao utilizar-se de piche e ao delinear tampas de
bueiros encontradas nas ruas que circundam seu ateliê na cidade, Ammerlaan realça padrões
gravados em tais peças de metal- alguns deles padrões de linhas cruzadas e atravessadas
também comuns a outros trabalhos do artista-, feitos, por exemplo, por empresas de
telecomunicação para fins publicitários. Geralmente despercebidos, tais padrões e nomes de
marcas atuam como indícios de uma atividade publicitária quase imperceptível acontecendo
sob nossos pés. Um fato ainda mais interessante diante da controversa proibição de
publicidade exterior que busca minimizar a poluição visual da cidade implantada na última
década em São Paulo.
A exposição “Outside the wireframe” é uma oportunidade única para todos familiarizados ao
ambiente urbano de observar uma complexa cidade como São Paulo, em suas múltiplas
possibilidades periféricas, através dos cantos dos olhos argutos e precisos do artista
contemporâneo Frank Ammerlaan.
Sobre o artista
Frank Ammerlaan é um proeminente artista plástico nascido na Holanda e residente da cidade
de Londres cujas exposições individuais e coletivas têm sido exibidas nos últimos seis anos em
prestigiados museus e galerias pela Europa e em cidades como Copenhague, Bruxelas, Berlin e
Londres bem como em Nova York e outras grandes capitais internacionais.
De 27 de agosto até 26 de setembro.
Francisco Dalcol apresenta Antônio Augusto Bueno na Galeria Mamute
12/ago
A Galeria Mamute, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, divulga e convida para a abertura da
exposição “Antes era só o vão”, do artista Antônio Augusto Bueno. A mostra com curadoria de
Francisco Dalcol apresenta um conjunto de trabalhos abrangendo pinturas, instalação, vídeo
com participação de Bebeto Alves, Eduardo Montelli e Luís Filipe Bueno e, gravuras em metal
impressas por Marcelo Lunardi.
A palavra do curador
Antes era só o vão
Os trabalhos de Antônio Augusto Bueno parecem atravessados por algo que não lhes
pertence, mas ao mesmo tempo os constitui. Esse aparente desacerto vem de uma indisciplina
do artista, no sentido de uma postura interessada na liberdade de experimentar no trânsito
entre linguagens, sem se prender a uma ou outra, intercambiando constantemente técnicas e
procedimentos.
Nas obras que integram a nova série “Antes era só o vão”(1), pintura é também gravura, assim
como escultura é desenho, e gravura é pintura. Os inversos também, pois um está sempre no
outro, formando zonas de indefinição. E ao se contaminarem, trazem como recompensa a
descoberta, com todas as aberturas e possibilidades que os momentos de incerteza ensejam.
A montagem da exposição na Mamute busca tirar força desses rebatimentos, do ir e vir que se
estabelece entre as obras e as diferentes modalidades artísticas que as compõem, propondo
ao espectador, a partir da disposição dos trabalhos, algumas relações visuais; umas mais
imediatas, outras menos explicitadas.
A instalação na entrada da galeria ocupa o pequeno espaço vago ao lado da escada. Se antes
era só um vão, há agora ali a tentativa de transformar esse não lugar em uma situação.
Realizado especialmente para esta mostra, o trabalho é composto por gravetos que Antônio
Augusto recolhe e estrutura em forma de armações, filiando-se a uma série de outras obras de
viés escultórico que tem realizado ao longo de sua produção. É como se ele desenhasse o
objeto no espaço, vendo nos galhos as linhas do desenho, mas também as manchas, quando
reunidos como espécie de grandes maços e ramalhetes.
As salas expositivas do andar de cima apresentam as novas pinturas e gravuras da série “Antes
era só o vão”. Nas telas em grande formato, as manchas carregam um aspecto de vestígios
ancestrais, como marcas de um tempo passado. Também lembram os troncos das árvores do
quintal do Jabutipê, o ateliê na antiga casa que Antônio Augusto mantém em uma rua ainda
silenciosa no Centro Histórico de Porto Alegre. Remetem ainda às paredes rachadas,
descascadas e fraturadas que permanecem em pé no casarão em ruínas próximo ao Jabutipê
onde foi gravado o vídeo do qual vem o título desta exposição.* De algum modo, essa
visualidade do entorno cotidiano do artista está impregnada nessas pinturas.
Mas nada seria assim sem a bem-vinda intromissão da gravura. Nessas pinturas, está plasmado
um processo alongado e pausado, fruto de um procedimento experimental. Sobre a massa de
pigmentos e tinta acrílica, o artista sobrepõe betume em algumas áreas. Esse material, muitas
vezes usado nos processos de gravura, vira tinta também, compondo novas manchas. As
camadas acumuladas são frequentemente raspadas, em um gesto de adição e subtração de
matéria, e também cavoucadas, como nos procedimentos de incisão da gravura. É um
processo não imediato, que leva dias, como o tempo de espera que muitas vezes a gravura
demanda. E nesse transcorrer, que permite um olhar mais vagaroso e, por isso, reflexivo, as
dúvidas advindas sempre dão a ver possibilidades a serem testadas e encaminhadas.
Pode-se pensar nesse sentido as gravuras da série. Pela primeira vez, Antônio Augusto
apresenta em público um conjunto representativo de trabalhos gráficos, essa modalidade
artística de tanta tradição e relevância histórica na arte gaúcha. Novamente, interessa ao
artista a margem experimental, aqui oferecida pela gravura em metal e pelo tempo próprio a
seu processo. Isso começa nos modos com que explora o desenho sobre as matrizes, passa
pela alquimia de ácidos e outros materiais aplicados nas placas como se ele as estivesse
pintando, e chega à etapa de impressão, cujas primeiras provas sempre levam o artista a
refazer o percurso do processo em busca de novos efeitos. Assim, a imagem final fixada sobre
o papel é antecedida por uma série de testes e experimentos. O que se obtém são resultados
sobrepostos e acumulados. Ao fim, continua sendo gravura, mas também desenho e pintura. E
ainda escultura. Se na instalação os gravetos se articulam como linhas no espaço, na gravura se
dá o oposto, com as linhas do desenho se tramando como se fossem elas os gravetos.
Em um olhar atento, é possível perceber que, ao longo da série “Antes era só o vão”,
evidencia-se um aspecto central que perpassa a totalidade da obra de Antônio Augusto de um
modo tão pessoal: o gosto pela artesania e pelo vagar que lhe é inerente, opções que, ao
serem assumidas pelo artista, ganham certo caráter político em tempos tão apressados e
automatizados como os nossos. Tempos esses dos quais apartar-se conscientemente significa
não só um ato de resistência, mas um gesto autêntico e singular de se colocar no mundo.
Francisco Dalcol
(1) “Antes era só o vão” é um trecho do texto de Luís Filipe Bueno que integra o vídeo
apresentado na exposição.
Sobre o artista
Antônio Augusto Bueno é Bacharel em Desenho (2004) e Escultura (2008), pelo Instituto de
Artes da UFRGS. Desde 1998 vem realizando exposições individuais, dentre elas “Cabeças –
armadilhas para um significado” no Museu do Trabalho / POA; “Anotador de Faces” Galeria
Municipal de Arte em Florianópolis, “Uma Maneira de Pensar” no MALG, Pelotas/RS, “As
desórbitas do avesso” na Arte&Fato galeria, POA/RS, “Gravetos Armados” no MAC RS, Galeria
Iberê Camargo, Porão do Paço Municipal, POA/RS, “Desenhos” no Estudio Dezenove, Rio de
Janeiro/RJ, “Um outro outono” MARGS. Desde 1996 participa de exposições coletivas como
“Do Atelier ao cubo branco”, “A bela morte” e “O Cânone Pobre” no MARGS, POA/ RS, “Idades
Contemporâneas”, ”Entre A-Z” e “Da matéria sensível” no MAC-RS em POA/RS, “Desvenda” no
Museu da República, Brasília/DF, ArtLive 2011 na CATM Chelsea, Nova York/EUA. Participou de
salões, dentre eles o Salão do Jovem Artista no MARGS, POA/RS, Salão da Câmara, POA/RS e o
Salão Nacional de Cerâmica no Museu Alfredo Andersen, Curitiba/PR. Em 2015 lançou o livro
Jabutipê, em 2012 o livro “O último homem na lua” com exposição no MAC-RS e Ilustrou o
livro “Arame falado” editado pela editora 7 letras do Rio de Janeiro/RJ . Em 2007 recebeu o
Prêmio Açorianos na categoria Melhor Exposição Coletiva com o Grupo Passos Perdidos e em
2008, o Prêmio Açorianos na Categoria Cerâmica com o Bando do Barro, além de ser indicado
na categoria Artista Revelação. No ano de 2009 foi indicado na categoria Desenho, pela
exposição “Tempo sobre Papel”, em 2012 foi indicado na categoria Escultura pela exposição
“Gravetos Armados” e em 2013 foi indicado em cinco diferentes categorias. Em 2013 recebeu
menção honrosa no 2° `Prêmio IEAVi pela exposição “Circulando linhas”. Tem trabalhos em
acervos do MARGS, MACRS, UFRGS, Fundação Franklin Cascaes e Fundação Kingler Filho.
Participou em 2000, da criação do Atelier João Alfredo 512, onde trabalhou até 2007. Em 2007
e 2008 integrou o grupo do Atelier Subterrânea. Desde 2008 realiza seus trabalhos, ministra
aulas e coordena o espaço expositivo do Jabutipê, situado no centro histórico de Porto Alegre.
É artista representado pela galeria Mamute.
Sobre o curador
Francisco Dalcol é doutorando em História, Teoria e Crítica pelo Programa de Pós-Graduação
em Artes Visuais (PPGAV) do Instituto de Artes da UFRGS. Mestre pelo Programa de Pós-
Graduação em Artes Visuais (PPGART), da UFSM, na linha de pesquisa Arte e Cultura, com
ênfase em história, teoria e crítica (2013). Graduado em Comunicação Social, com habilitação
em Jornalismo, pela Universidade Federal de Santa Maria (2003), com especialização em
Comunicação e Projetos de Mídia, ênfase em arte, cultura, internet e cibercultura, pelo Centro
Universitário Franciscano – Unifra (2008). Também trabalha como jornalista (repórter e editor)
no jornal Zero Hora – Grupo RBS, sendo setorista de artes visuais. Tem experiência na área de
Comunicação, com ênfase em Jornalismo, Editoração, Jornalismo Cultural e Jornalismo Digital,
e também na de Artes e Cultura, atuando principalmente nos seguintes temas: história, crítica
e discursos sobre a arte e a produção cultural.
Até 09 de outubro.
Tuca Reinés no Santander Cultural
06/ago
Em 2013, o Santander Cultural, Porto Alegre, RS, convidou Tuca Reinés para realizar uma série fotográfica de diversas cidades do país, onde foram instaladas, na época, as primeiras agências do segmento Select. Em pouco tempo de trabalho, o projeto superou as expectativas e se transformou num acervo sem precedentes sobre as cidades brasileiras no século 21. Muito mais que um registro, as imagens evidenciaram uma análise visual sobre a ocupação do espaço urbano por todo o Brasil, sob o olhar de um artista. A exposição “Tuca Reinés: o olhar vertical”, tem curadoria de Agnaldo Farias e está em exibição na Galeria superior da entidade.
Até 30 de agosto.
Fotografias para Imaginar
31/jul
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- Mário Röhnelt
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- Gilberto Perin
As 16 fotografias de Gilberto Perin, mais os textos de 16 escritores e as obras de 16 artistas convidados pelo fotógrafo para interferirem no seu trabalho integram a exposição de seu projeto autoral “Fotografias para Imaginar” irá até 21 de agosto na Sala Aldo Locatelli na Prefeitura Municipal de Porto Alegre. O projeto foi financiado pelo Fumproarte.
“Fotografias para Imaginar” apresenta fotografias que revelam espaços sem a presença humana, propondo que o limite documental da fotografia seja ultrapassado, rompendo a fronteira do visível, reconstruindo a realidade com outro olhar – além daquele esboçado e recortado pelo fotógrafo.
Participação de alguns escritores como: Aldyr Garcia Schlee, Ana Mariano, Carlos Gerbase, Carlos Urbim, Cíntia Moscovich, Ignácio de Loyola Brandão, Luís Artur Nunes, Luiz Ruffato, Martha Medeiros, Paulo Scott, Pedro Gonzaga, Pena Cabreira, Ricardo Silvestrin e Tailor Diniz.
Os artistas participantes dentre outros são: André Venzon, Bebeto Alves, Britto Velho, Carlos Ferreira, Chico Baldini, Denis Siminovich, Eduardo Haesbaert, Felipe Barbosa, Mário Röhnelt, Régis Duarte, Sandro Ka e Zorávia Bettiol.
Até 21 de agosto.
Exposição “Caro, Cara”.
14/jul
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- Marcelo Chardosim
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- Patrick Rigon
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- Marilice Corona
O MARGS, Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, Centro Histórico, Porto Alegre,
RS, apresenta como exposição complementar e em paralelo à mostra individual do artista
Alessando Del Pero, a coletiva temática “CARO, CARA”. Composta de retratos e autorretratos ,
o acervo exibe peças raras como “Retrato de Walmir Ayala”, de Inimá de Paula, “Retrato de
Maria Helena Lopes”, de Glauco Rodrigues A curadoria do evento é de André Venzon.
“CARO, CARA”:
Artistas participantes: Ado Malagoli, Aldo Locatelli, Alessandro Del Pero,
Alessandro Ruaro, Alexandre Pinto Garcia, Amália Cassullo, Ana Nunes, Arthur
Timótheo da Costa, Bea Balen Susin, Britto Velho, Bruno Goulart Barreto , Carla
Magalhães, Carlos Petrucci, Carlos Scliar, Cláudio Tozzi, Djalma do Alegrete, Edgar
Koetz Eduardo Cruz, Edy Carollo, Elaine Tedesco, Elle de Bernardini, Ernesto
Frederico Scheffel, Ernst Zeuner, Felipe Alonso, Flávio de Carvalho, Flavya Mutran,
Francisco Brilhante, Franz Von Lenbach, Gastão Hofstetter, Gilberto Perin, Gilda
Vogt, Glauco Rodrigues, Guignard, Heloisa Schneiders, Henrique Bernardelli,
Henrique Cavalleiro, Henrique Fuhro, Iberê Camargo, Inimá de Paula, J.C. Reiff
Jacintho Moraes, Jesus Escobar, João Bastista Mottini, João Fahrion, João Faria
Viana, João Otto Klepzig, Jorge Meditsch, José Carlos Moura, José de Souza Pinto,
Juan Uruzzola, Julio Gavronski, Julio Ghiorzi, Kira Luá, Leandro Selister, Leda Flores,
Leo Santana, Lepoldo Gotuzzo, Letícia Remião, Luiz Antônio Felkl, Luiz Carlos
Felizardo, Luiz Zerbini, Magliani, Marcelo Chardosim, Marcos Noronha, Maria
Leontina, Maria Tomaselli, Mariana Riera, Marilice Corona, Mario Agostinelli, Mario
Palermo, Mariza Carpes, Martin Heuser, Miriam Tolpolar, Neca Sparta, Nelson
Wilbert, Patrício Farias, Patrick Rigon Regina Ohlweiler, Ricky Bols, Roberto
Magalhães, Roberto Ploeg, Rochele Zandavali, Rodrigo Plentz, Roosevelt Nina,
Roseli Pretto, Sandra Rey, Sergio Meyer, Silvia Motosi, Sioma Breitmann, Sotero
Cosme, Telmo Lanes, Téti Waldraff, Theo Felizzola, Tiago Coelho, Trindade Leal,
Ubiratã Braga, Vasco Prado, Vitória Cuervo, Walter Karwatzki, Xico Stockinger, ZIP.
A palavra do curador
O retrato daquele que fica. Dos notáveis e dos anônimos. O
retrato de pompa, da classe dominante, da burguesia.
O retrato do oprimido. O retrato imponente e o impotente. A
rebeldia do retrato. O retrato de família. O nu retratado. O retrato
do ídolo e da criança. O autorretrato.
O retrato imaginário, o anti-retrato.
O retrato como obsessão.
Caro, Cara…
Retratos correspondentes no acervo MARGS e artistas convidados
O retrato enfoca o humano no que possui de mais marcante: o rosto. Seja de perfil, voltado a
três quartos, de corpo inteiro, da cintura ou dos ombros para cima, equestre, de nobres,
militares, políticos ou religiosos; de artistas, personalidades ou marginais, de mulheres e
crianças. O retrato pintado, esculpido em carrara e encarnado − ou cuspido e escarrado como
no popular − desenhado, gravado, fotografado, em preto e branco, colorido, lambe-lambe,
3×4, polaróide, still, grafitado, no Facebook, a selfie…
A intensidade e qualidade das obras em retratos e autorretratos do artista italiano Alessandro
Del Pero, serviram de ensejo para a presente exposição Caro, cara, que busca valorizar na
correspondência entre obras do acervo do MARGS e artistas convidados, o que identificam a si
mesmo e ao outro por meio do olhar. Portanto esta é uma curadoria endereçada mais aos
artistas do que às obras, pois seus retratos representam o lugar mais próximo que podemos
estar deles, aonde o Museu também quer estar: ao lado dos artistas.
São diversos os exemplos de quanto este tema fascina os artistas. A começar pela literatura,
podemos citar o polêmico “O retrato de Dorian Gray” (1890), de Oscar Wilde, que faz uma
crítica social e cultural da sociedade britânica à sua época; o autobiográfico “O retrato do
artista quando jovem” (1916), de James Joyce, em que recorre a fases da sua vida para
construir o personagem alter ego do autor; o épico “O retrato” (1951), da trilogia “O Tempo e
o Vento”, de Érico Verissimo, cuja atmosfera histórica evoca na passagem do tempo as
gerações que se sucedem; até o romance “O pintor de retratos” (2001), de Luiz Antônio de
Assis Brasil, que expõe os questionamentos e contradições de um pintor frente à sedução da
fotografia.
No cinema, no filme de Giuseppe Tornatore, Stanno tutti bene (1990), Marcello Mastroianni
interpreta um pai que ao sair em viagem para rever os filhos exibe vaidoso pelo caminho uma
foto das suas crianças, fantasiadas como atores de ópera. O diretor ao introduzir esta imagem
do retrato como objeto de construção da sua narrativa visual, além de fazer uma rica menção
ao teatro, coloca-nos no lugar do personagem, que ao sentir saudade recorre ao álbum para
lembrar-se do outro.
É claro que nas artes plásticas também são inúmeras as criações que têm o retrato como
assunto central, a começar pelo quadro mais célebre da história da arte a enigmática Mona
Lisa (1503-1517), de Leonardo da Vinci. Ainda, entre as 12 obras de arte mais famosas de
todos os tempos, figuram nove retratos, como o revelador “Retrato do artista sem barba”
(1889) de Vincent van Gogh e o zeloso “O retrato do Dr. Gachet” (1890) do mesmo artista,
além das pinturas “Garota com brinco de pérola” (1665), de Veermer, que revela a intimidade
de uma modelo anônima; a familiar cena “Mulher com sombrinha” (1875), de Monet, cujo
enquadramento mais casual já é uma influência direta da fotografia; assim como o
descontraído “O almoço dos remadores” (1881), de Renoir; ou o angustiante “O grito” (1893),
de Munch; em contraste ao apaixonado “O beijo” (1909), de Klimt; até a inspiradora “Dora
Maar com gato” (1941), musa e amante, do cubista Picasso.
Segundo o filósofo francês Merleau-Ponty (1908-1961) “o retrato celebra o enigma da
visibilidade”, pois cada um tem sua própria história e devaneios. Por isto mesmo, o interesse
em revelar o retrato do contemporâneo, a partir do retrospecto deste gênero artístico no
acervo do MARGS, foi desde o início o principal objetivo deste projeto curatorial, que mostra a
diversidade da face do artista e seus pares, ao longo de obras da coleção que recuam há um
século e meio, até chegar à contemporaneidade que faz do retrato, enquanto disfarce sua
faceta mais interessante da liberdade de expressão do nosso tempo.
Há que destacar, porém, que o contínuo processo histórico ao longo do século passado de
transformação do sujeito retratado − apesar de representar uma revolução visual, entretanto,
passou por períodos de exceção em que o retrato do indivíduo ficou marcado pela
deformação. Foi desfeito, para não dizer destruído, durante os períodos de guerra e regimes
totalitários, causando a perda da identidade, da voz e da imagem, como representação visual
da humanidade. A ponto de, a multidão prevalecer quase totalmente sobre o indivíduo, que
esteve sem nome, sem título, tornando-se precário, excluído, invisível, não sendo mais capaz
nem de ser associado ao rosto que lhe carrega. Uma verdadeira castração psicológica que
transformou o humano em coisa.
Contudo, o modo de lidar com a sociedade de hoje não é ignorando-a. Os novos valores
estabelecidos, as mudanças e a rebeldia atual, nos ensinam cotidianamente ver com olhos
mais perspicazes e críticos este mundo de imagens em que estamos imersos.
Então, o que a arte e uma exposição de retratos podem nos levar a pensar e imaginar sobre
nós mesmos e o outro?
No mundo super contemporâneo, todos carregamos um pedaço de plástico com uma tela de
vidro na mão o dia inteiro… É quase uma extensão do nosso corpo a produzir imagens mobile
compartilhadas via redes sociais. Este tipo de comportamento − se de forma alienada − investe
contra a imaginação e a potência da visualidade. Na contramão deste movimento, a criação
artística assegura a permanência dos signos visuais e ao suscitar múltiplas possibilidades
perceptivas faz da imagem uma força de resistência contra o arbítrio da padronização.
Todavia, no campo da arte os retratos e autorretratos permanecem a ser construções de
exposição absoluta do indivíduo, nas quais os artistas se valem do próprio corpo ou do outro
como objeto de representação e veículo expressivo, pelo qual revelam sutis e sensíveis
verdades. Evidenciando, ao final, que a única coisa que podemos salvar é o olhar do outro, e o
retrato − ou o autorretrato, é a imagem pela qual verdadeiramente nos vemos.
Até 26 de julho.
Vergara no Instituto Ling
11/jul
Com curadoria de Luisa Duarte, a exposição “Carlos Vergara – Sudários”, em cartaz na Galeria
Instituto Ling, Porto Alegre, RS, traz obras representativas do percurso de experimentação do
artista que, desde os anos 80, investiga o campo expandido da pintura, utilizando novas
técnicas, materiais e pensamentos que resultam em obras caracterizadas pela inovação. A
exposição é composta de quatro telas – monotipias sobre lonas, realizadas entre 1999 e 2005
–, nas quais Vergara emprega pigmentos naturais e minérios para transferir texturas para a
tela, explorando, assim, o contato direto com o meio natural.
Uma grande instalação inédita, intitulada “Sudários”, apresenta 250 monotipias realizadas em
lenços de bolso, resultados de viagens para diversas regiões do mundo, como São Miguel das
Missões, Capadócia, Pompéia e Cazaquistão. Completam a exposição dezenas de fotografias
em pequeno formato com os registros das ações que originam os “Sudários”, sublinhando
assim a importância do processo para a obra como um todo. A exposição tem patrocínio da
Fitesa e financiamento do Governo RS / Sistema Pró-Cultura / Lei de Incentivo à Cultura.
Sobre o artista
Carlos Vergara possui uma obra extensa e consistente, que vem produzindo desde os anos
sessenta e que lhe conferiu posição de destaque na arte contemporânea brasileira. Nascido na
cidade de Santa Maria, no Rio Grande do Sul, em 1941, Vergara iniciou sua trajetória nos anos
60, quando a resistência à ditadura militar foi incorporada ao trabalho de jovens artistas. Em
1965, participou da mostra Opinião 65, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, um
marco na história da arte brasileira, ao evidenciar essa postura crítica dos novos artistas diante
da realidade social e política da época. A partir dessa exposição formou-se a Nova Figuração
Brasileira, movimento que Vergara integrou junto com outros artistas, como Antônio Dias,
Rubens Gerchmann e Roberto Magalhães, que produziram obras de forte conteúdo político.
Nos anos 70, seu trabalho passou por grandes transformações e começou a conquistar espaço
próprio na história da arte brasileira, principalmente com fotografias e instalações. Desde os
anos 80, pinturas e monotipias tem sido o cerne de um percurso de experimentação. Novas
técnicas, materiais e pensamentos resultam em obras contemporâneas, caracterizadas pela
inovação, mas sem perder a identidade e a certeza de que o campo da pintura pode ser
expandido. Em sua trajetória, Vergara realizou mais de 200 exposições individuais e coletivas
de seu trabalho, dentre elas a Bienal de Medelin 1970, Bienal de Veneza de 1980, Bienal de
São Paulo edições de 1963, 1967, 1985, 1989 e 2010, Bienal do Mercosul edições 1997 e 2011.
Até 23 de agosto.
Conversa com a artista
08/jul
A Galeria de Arte Mamute, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, convida para a “Conversa com a Artista Patrícia Francisco”, dia 15 de julho, quarta-feira, às 19h. A conversa terá como ponto de partida o processo de criação de “Slide”, sua atual exposição na galeria. Com curadoria de Elaine Tedesco, a mostra apresenta um conjunto de trabalhos que privilegia o uso do vídeo e da fotografia para desenvolver versões do real.
Sobre a artista
Mestrado em Artes – ECA/USP, 2008. Orientação Artística com Carlos Fajardo, São Paulo (2005-2007). Graduada em Artes – IA/ UFRGS. Representada pela Galeria Mamute em Porto Alegre-BR. Artista residente “Programa Internacional de Residências Artísticas”, Fundación ‘ACE, Buenos Aires-AR (2014) Programa”Obras em Construção”, Casa das Caldeiras, São Paulo-BR (2011). Obras em Coleções: Museu de Arte Contemporânea–MAC (Porto Alegre-BR) Fundação Vera Chaves Barcellos – FVB (Porto Alegre–BR); Videothèque Joaquim Pedro de Andrade – Maison du Brésil – Cité Internationale Universitaire (Paris–FR). Principais Exposições Slide (individual), Galeria Mamute, Porto Alegre/ RS. (junho/2015) De Longe, de Perto, curadoria Angélica de Moraes, Galeria Mamute, Porto Alegre/ RS; Sul-Sur 2014, Espacio de Arte Contemporáneo – EAC, Montevideo, Uruguay ; X Muestra Monográfica de Media Art – Festival Internacional de La Imagen, Manizales, Colombia., 4o Prêmio Belvedere Paraty de Arte Contemporânea (Artista Finalista), Casa de Cultura, Paraty/ RJ;10o Salão de Arte Contemporânea, Marília/ SP; (Prêmio Prata Banco Bradesco); A Inventariante, VIDEOAKT 03 –Bienal Internacional de Vídeo Arte, Barcelona/ES; Entre, curadoria Ana Zavadil, MAC RS, Porto Alegre/RS.
Quando: 15 de julho – 19h – Rua Caldas Júnior, 377, 3º and.