AGENDA CULTURAL

A escrita automática de Mirela Cabral

01/ago

O Paço Imperial apresenta a primeira mostra individual de Mirela Cabral no Rio de Janeiro, sob curadoria da crítica Ligia Canongia, com abertura, no dia 03 de agosto. Intitulada “Olhos cheios”, a exposição ocupa três salas do Paço (Trono, Dossel e Amarela), com 20 pinturas, 17 sobre tela e três sobre papel, todas dos anos 2020. Mirela Cabral se considera autodidata nas artes visuais, embora tenha frequentado diversos cursos. O conjunto inédito que a artista mostra agora é de pintura abstrata, mas nem sempre foi assim. No início, Mirela Canral pintava figurativo.

“Explodi a figura e ela se tornou paisagem, para ganhar mais pluralidade, mais rítmica e melhor negociação com o espaço”, revela Mirela.

Sua relação com o suporte é original: pinta a mesma tela em várias posições, porque “sempre penso nas bordas, se o trabalho funciona em todos os sentidos”, diz ela. A artista também consegue trabalhar em várias pinturas simultaneamente, gosta de sentir que uma contamina a outra, enquanto alguma chama mais à finalização.

Memória e rotina

Mirela leva para a tela o que está no seu caminho, a observação diária dos cantos, da arquitetura do ateliê, da rua, as experiências cotidianas, a pesquisa, e trava, em sequência, um embate com a própria matéria.

No passado, a artista fotografava recortes de paisagem para transportar para a pintura. Hoje faz marcas na superfície pictórica com carvão “para esvaziar a mente e não tornar a tela branca tão intimidadora”, como ela desabafa. Atualmente, evita fotografar para se submeter ao resíduo da memória, do que ecoa no pensamento, para transferir em imagem.

O que Mirela deseja entregar ao espectador são pistas, gestos sugestivos a cenas, sem afirmar permanências e sem compromisso com a representação fiel. “Quero mostrar o acúmulo de pistas para o observador encontrar o percurso da pintura na própria pintura”, ela sugere.

A crítica de arte Ligia Canongia, atesta, no texto inédito sobre a exposição, que “A pluralidade de gestos sucessivos e simultâneos, a diluição das formas e o relacionamento convulsivo das cores fazem dessa pintura uma verdadeira escrita automática, um complexo de planos justapostos, que jamais se estabilizam na superfície e que parecem se mover continuamente ao nosso olhar”.

Sobre o que permanece desde que começou a pintar, Mirela conta que o tempo de ateliê, a rotina diária seguida fielmente e a bidimensionalidade são suas aliadas mais constantes.

Sobre a artista

Participou de mostras individuais, coletivas e feiras Mirela Cabral (1992) nasceu em Salvador, foi criada em São Paulo, onde mora e trabalha. Dedica-se inteiramente às artes visuais. Em 2023, realizou a exibição individual “Coisas Primeiras”, na Paulo Darzé Galeria, em Salvador, Bahia, e “Between Handrails”, no Kupfer Project, em Londres, Inglaterra, sob curadoria de Penelope Kupfer. Ainda no ano passado, participou da coletiva “Acordes”, no Espaço Largo das Artes, e da SP Arte, com a galeria Portas Vilaseca. Com a galeria Kogan Amaro, esteve na SP Arte de 2020, 2021 e 2022, e fez uma individual na Kogan Amaro de Zurique, Suíça, e outra mostra solo na Kogan Amaro de São Paulo, com curadoria de Agnaldo Farias, ambas em 2021. Entre 2018 e 2020, participou da ArtRio, da Feira Latitude, da Feira Parte, na Galeria Emma Thomas, sob curadoria de Ricardo Resende, entre outras coletivas. Mirela Cabral tem trabalhos nas coleções do Museu FAMA, Itu, São Paulo, e na Yuan Art Collection, de Lucerna, Suíça. Frequentou programas de arte na Parsons Paris, na Academia de Cinema de Nova York (NYFA) e na Universidade da Califórnia (UCLA). Paralelamente graduou-se em Comunicação Social, com habilitação em Cinema, pela Fundação Armando Alvares Penteado (SP).

Com o patrocínio de Paulo Darzé Galeria, “Olhos cheios” ficará em cartaz até 20 de outubro.

Livro de Marcos Chaves

O artista Marcos Chaves lançará, no dia 6 de agosto, às 18h, na livraria Travessa Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, o livro “It Looked, and I Looked Back”,com registros feitos em cidades de diferentes países, e também de sua casa, durante o confinamento devido à pandemia. No dia do lançamento haverá uma conversa entre Marcos Chaves e a curadora Luisa Duarte.

A tiragem de mil exemplares compreende também uma edição especial, limitada, de 50 livros que dão direito a uma fotografia assinada pelo artista. Para Luisa Duarte, “é como se o artista nos endereçasse não só seu olhar, mas também as perspectivas alocadas no interior de cada uma destas cenas”. “Chaves nos recorda, assim, o aspecto fundamental da faculdade da visão: o seu caráter de reciprocidade. Portanto, ao lançarmos o nosso olhar sobre a sua obra, algo se transmuta em nós. As suas fotografias nos endereçam um chamado à invenção de outros modos de habitar o mundo, certamente menos indiferentes e mais atentos a miríade de surpresas contidas no que já dávamos como conhecido”, destaca. Bernardo Mosqueira afirma: “Chaves transforma vestígios banais da urbanidade em cenas extraordinárias de intimidade e intensidade, diagramas complexos de imensa força simbólica e de cuidadoso impacto formal”.

Neste seu novo livro, “It Looked, and I Looked Back”, Marcos Chaves nos convida a uma viagem visualmente espirituosa e intelectualmente estimulante pelo seu mundo, captado com esmero e profundidade. Publicado pela KMEC Books, com edição de Karen Marta e direção artística de Garrick Gott, “It Looked, and I Looked Back” foi impresso na Itália pelo Faenza Group SpA.

A publicação tem 248 páginas, com 187 imagens a cores, introdução de Bernardo Mosqueira e ensaio de Luisa Duarte, capa dura com encadernação aberta (tipo suíça), com fio amarelo, permitindo que as páginas se abram totalmente. O formato é de 25,4 cm x 18,9 cm, a impressão em papel Arctic Volume White de 130g/m2. A edição é de mil exemplares, com distribuição da Artbook D.A.P., Nova York. Os textos estão em inglês, mas junto com o livro virá uma etiqueta com um QR Code que dará acesso às versões em português. Uma edição especial, limitada, de 50 exemplares, contém uma fotografia numerada e assinada, dentro de um envelope de papel glassine, com 29,7 cm x 21 cm de tamanho. São duas imagens disponíveis, com tiragem de 25 cada. Para reservar um exemplar ou saber mais, basta enviar um e-mail para: kevin.ridgely@gmail.com. O livro foi lançado em Nova York, na Nara Roesler, em 18 de julho; em São Paulo, na Livraria da Travessa no Shopping Iguatemi, em 31 de julho; e, depois do Rio de Janeiro, será lançado em Brasília, no Casa Park, no dia 12 de setembro.

Arte Sonora Ano 15

26/jul

Projeto idealizado pelo duo de artistas e professores, Franz Manata e Saulo Laudares, completa 15 anos com ocupação de dois meses na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ. A programação inclui exposições, performances, roda de sample, palestras, exibição de vídeos, happening e uma série de ativações artísticas. O projeto ARTE SONORA, celebra seus 15 anos até o dia 29 de setembro. Para marcar a data, a dupla Manata e Laudares elaborou um extenso programa de ocupação e um grande happening de encerramento.

O Arte Sonora é parte da prática artística de Manata e Laudares. O projeto teve início em 2009 como um curso na EAV e, ao longo dos anos, constituiu uma relevante plataforma de discussão, bem como um banco de dados sobre arte e som. Em parceria com nomes de referência em suas áreas de atuação – como Arto Lindsay, Fausto Fawcett, Cildo Meireles, Ricardo Basbaum e Katia Maciel – o Arte Sonora já assumiu diversos formatos: mostras, workshops, publicações, programas de rádio e residências que abordam o universo sonoro e a influência da música no trabalho de artistas, críticos e pensadores da cultura contemporânea.

“O Arte Sonora é um projeto de formação de natureza pioneira. Quando iniciamos, pouquíssimo se falava sobre essa interseção entre arte e som, e hoje podemos afirmar que todos os artistas ligados a esta atividade estão, de alguma forma, conectados ao projeto. Por lá passaram mais de 250 pessoas. E fechar esse ciclo de 15 anos no Parque Lage, onde tudo começou, faz muito sentido pra nós”, afirma Franz Manata.

A exposição nas Cavalariças, curada pela dupla, reúne obras de um grupo de 17 artistas de diversas regiões do Brasil e de fora do país que, com abordagens muito diversas, investiga a poética do som e suas múltiplas manifestações: Bruno Qual, Caio Cesar Loures, Denise Alves-Rodrigues, Eduardo Politzer, Gabriel Ferreira, Jean Deffense, Juliana Frontin, Leandra Lambert, Leandro Araujo, Leliene Rodrigues, Manata Laudares, Marta Supernova, Marcelo Mudou, Marco Scarassatti, Pedro Victor Brandão, Ulisses Carvalho e Vivian Caccuri.

“Achamos pertinente reunir na exposição os artistas que se destacaram ao longo desses 15 anos de Arte Sonora e que contribuíram para a construção de uma nova cena”, comenta Saulo Laudares. “Um dado interessante é que todos os trabalhos selecionados versam sobre o som, mas não necessariamente emitem áudio. Há, por exemplo, partituras, pinturas e objetos escultóricos apresentados com legendas expandidas de caráter descritivo-poético”.

A abertura contou com uma série de performances em frente às Cavalariças. Entre elas o “Circular Som Sistema”, um triciclo tunado (um módulo de som autônomo que percorre a cidade) idealizado pelo artista Bruno Qual, que possibilita que até 20 pessoas participem de uma roda de sample. Ao longo dos dois meses de ocupação, serão lançados 14 novos programas de podcasts, de forma a expandir o projeto para o ambiente virtual. Incluindo aí um programa histórico com o compositor e multiartista Fausto Fawcett, que produziu uma ópera própria para o Arte Sonora.

Sobre os idealizadores:

Franz Manata é artista, curador e professor da EAV Parque Lage. Saulo Laudares é artista e DJ produtor. O duo começou suas atividades em 1998, a partir da observação do comportamento e da cultura da música eletrônica contemporânea. Os artistas vêm realizando programas de residência e participando de mostras individuais e coletivas, dentro e fora do país.

ARTE SONORA ANO 15 | Programação:

Exposição nas Cavalariças da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, entre 25 de julho e 29 de setembro, com curadoria dos artistas e professores Franz Manata e Saulo Laudares, com 17 artistas de várias regiões do Brasil e outros países, sendo eles: Bruno Queiroz, Caio Cesar Loures, Denise Alves-Rodrigues, Eduardo Politzer, Gabriel Ferreira, Jean Deffense, Juliana Frontin, Leandra Lambert, Leandro Araujo, Leliene Rodrigues, Manata Laudares, Marcelo Mudou, Marco Scarassatti, Marta Supernova, Mary Fê, Ulisses Carvalho e Vivian Caccuri.

Roda de Sample. Na abertura do evento o Circular Som Sistema conduziu, com seu triciclo tunado, um sistema de som autônomo que permite a conexão simultânea de 20 participantes, com artistas da mostra e aberto aos interessados (as) em participar;

Exposição virtual. Site com podcasts já realizados pelo programa ARTE SONORA ao longo dos anos, lançará, semanalmente, programas gratuitamente. Serão 14 podcasts inéditos, entre eles: Arto Lindsay, Fausto Fawcett e Bruno Queiroz, Janete El Haouli, Jocy de Oliveira, Katia Maciel e 40 poetas, Leandra Lambert, Marco Scarassatti, Ricardo Basbaum (2 episódios), Pedra Pomes (Marta Supernova e Anicca) e o coletivo Teto Preto.

Sessão de vídeos, 29 de agosto, das 19h às 21h, no auditório da Escola. A sessão será voltada para os trabalhos sonoros que tem o vídeo como suporte. O evento contará com trabalhos inéditos de artistas de várias regiões do Brasil e dos EUA e Europa, desenvolvidos durante os encontros presenciais e virtuais. Participam da mostra: Denise Alves-Rodrigues, Eliane Terra, Felipe Mussel, Julio Santa Cecília, Leliene Rodrigues, Luísa Sequeira, Mary Fê, Marco Scarassatti e Sama.

Entrevistas conduzidas por Franz Manata, com dois artistas e pesquisadores renomados do campo da arte sonora. Em pauta, a influência da matéria sônica presente na pesquisa de cada um deles:

Dia 1º de agosto, no auditório da EAV: Alberto do Campo (Berlim/AL) – artista e professor de arte gerativa e computacional no Institute for Time-Based Media, da Universidade de Berlim.

Dia 15 de agosto, em formato híbrido (entrevistador e público no auditório da EAV e entrevistado na Austrália, online): Rees Archibald (Austrália) – artista sonoro que realiza instalações, composições e performances.

Happening de encerramento, dia 27 de setembro, das 15h às 23h. Live performances inéditas, apresentação de um lineup com Vivian Caccuri e Thiago Lanis, Ed Marola (AKA Eduardo Politzer), Marcelo Mudou e Savio de Queiroz, Gabriel Ferrera e Leandro Araujo, FormigANTI, Azullllllll, Peko, DJ Frontinn (aka Juliana Frontin) e Marta Supernova.

José Patrício sob curadoria de Paulo Herkenhoff

24/jul

O Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura em 03 de agosto, a exposição “Agitações pelo número”, exibição individual do artista José Patrício (1960, Recife), conhecido pela combinação de centenas e até milhares de peças de dominó que provocam um intenso efeito óptico. A mostra ocupará três salas no Paço Imperial com mais de 70 obras, em curadoria de Paulo Herkonhoff, com trabalhos criados principalmente nos últimos dez anos.

Colecionador de objetos e de arte popular, José Patrício trará de seu ateliê no Recife um armário-vitrine com obras de artistas do nordeste selecionadas por ele, e dispostas de acordo com sua autoria, forma ou cor. Peças de quebra-cabeças de plástico compõem a maioria das obras expostas, mas estarão também trabalhos feitos com dados, botões, dominós e também pastilhas de cerâmica provenientes de uma reforma em seu ateliê. Ao apontar o celular para as quatro obras “Vanitas QR Code” (2011-2018), em peças de quebra-cabeças de plástico sobre madeira, o público verá na internet a citação em latim “Sittibi terra Levis”: “que a terra te seja leve”.

“Agitações pelo número” ocupará as Salas Gomes Freire e sua antecâmara, e a Treze de Maio, no primeiro andar do Paço Imperial. José Patrício tem uma longa história de exposições no Paço Imperial, como as coletivas “Anna Maria Niemeyer, um caminho” (2012), “1911 – 2011: Arte brasileira e depois, na Coleção Itaú” (2011), “Tudo é Brasil” e “28º Panorama da Arte Brasileira” (2004), “Espelho cego: seleções de uma coleção contemporânea” (2001), e sua individual “Ars Combinatoria”, em 2001, em que fez uma instalação utilizando 2.500 jogos de dominó, cada um com 28 peças, totalizando 70 mil peças. José Patrício integra a Trienal de Tijuana (julho de 2024 a fevereiro de 2025), no México.

José Patrício diz que “é com alegria que retorno ao Rio de Janeiro para expor no Paço Imperial uma parte da minha produção, fruto de muitos anos de pesquisa e produção constante, baseada em princípios matemáticos e em sintonia com uma certa tradição construtiva da arte brasileira”, comemora. “Esta exposição apresenta uma série de obras que realizei nos últimos anos, a partir da curadoria de Paulo Herkenhoff, com ênfase no Número como elemento norteador da minha produção artística”, destaca.

O curador criou um percurso na exposição em que dispôs os trabalhos nas salas de acordo com suas séries, e escreveu textos que estarão nas paredes de cada um dos segmentos.

Até 20 de outubro.

Gustavo Malheiros no Museu Histórico Nacional

23/jul

A jornada de atletas olímpicos brasileiros rumo às Olimpíadas de Paris 2024 – marcadas pela histórica predominância feminina na delegação -, foram registradas pelo fotógrafo Gustavo Malheiros. O resultado poderá ser visto na mostra de fotografias em preto e branco “Olímpicos” no dia 20 de julho, no Museu Histórico Nacional, Centro, Rio de Janeiro, RJ. Nessa ocasião será lançado o livro homônimo, pela Arte Ensaio Editora. Conhecido por sua longa trajetória dedicada a livros de arte autorais, além do seu trabalho no campo da moda e publicidade, este projeto teve início em novembro de 2023. A grande maioria das fotos, no entanto, foram feitas até maio de 2024. “Pegamos a estrada e nos aventuramos pelo país, documentando a vida de atletas de várias modalidades. Nossa missão era capturar não apenas a habilidade física, mas também o compromisso e a paixão que os movem. Testemunhamos sua busca pela excelência e o sonho de conquistar a medalha olímpica” afirma Gustavo Malheiros.

“Olímpicos” apresenta cerca de 35 imagens em preto e branco selecionadas do livro, além de uma sala de projeção com outros registros. Essas fotografias revelam uma visão íntima e poética do cotidiano dos atletas, destacando a força cultural de suas jornadas pessoais rumo a Paris. Com foco especial nas atletas femininas, que serão predominantes na delegação brasileira (algo nunca ocorrido antes), a mostra celebra a graça, a resiliência e a determinação destas mulheres extraordinárias. Entre os atletas e modalidades retratados, estão: Alice Gomes (Trampolim); Bia Ferreira (Boxe); Bárbara Seixas e Carol Solberg (Vôlei de Praia); Gabriela Roncatto (Natação); Gabriel Medina (Surfe); Giulia Penalber (Luta Livre); Guilherme Costa (Natação); Guilherme Schmidt (Judô); Ingrid Oliveira (Salto Ornamental); Isaac Souza (Salto Ornamental); Isabela Abreu (Pentlato Moderno); Jade Barbosa (Ginástica Artística); Lucas Verthein (Remo); Maria Clara Pacheco (Taekwondo); Pepe Gonçalves (Canoagem); Rayssa Leal (Skate); Tota Magalhães (Ciclismo de Estrada); Ygor Coelho (Badminton). E, na Ginástica Rítmica Brasil: Bárbara Galvão, Débora Barbosa, Gabriella Castilho, Giovanna Silva, Maria Eduarda Arakaki, Maria Fernanda Moraes, Mariana Gonçalves, Nicole Duarte, Sofia Pereira. Time Rugby Brasil: Aline Furtado, Bianca Silva, Chalia Costa, Luiza Campos, Mariana Da Silva, Marina Costa.

Sobre o livro “Olímpicos”

“Olímpicos” celebra os atletas olímpicos brasileiros, documentando sua preparação para os jogos de 2024. Este é o terceiro trabalho de Gustavo Malheiros dedicado a eles, sucedendo suas coberturas para os Jogos Olímpicos do Rio 2016 e Tóquio 2020. Durante meses, Gustavo Malheiros e sua equipe viajaram pelo Brasil, capturando não apenas a habilidade física, mas também a profundidade cultural e emocional das histórias dessas mulheres inspiradoras. O livro é editado pela Arte Ensaio Editora e conta com 256 páginas (R$ 150,00).

Sobre o artista

Gustavo Malheiros é formado pela School of Visual Arts de Nova York, iniciou sua carreira como assistente do renomado fotógrafo Bruce Weber. Com um portfólio diversificado, já realizou exposições em Londres, Hong Kong, Madri, Turim, Paris e Nova York, além de Rio de Janeiro e São Paulo. No campo da publicidade, trabalhou com grandes agências como WMcCann, Lew Lara\TBWA e Giovanni DraftFCB. Suas fotografias já foram publicadas em revistas como Vogue, Trip, TPM e GQ. É autor de diversos livros, incluindo “Brazilyorkers”, “Backstage”, “Pedra e Luz”, “Ilhas Brasileiras”, “Tempestade”, “Verão Passado”, “Superação”, “O Coração do Brasil”, “Anônimos Famosos”, “Marco Zero”, “Artistas e Seus Estúdios”, entre outros.

Conjuntos que ativam recordações

“Memórias Habitadas”: exposição coletiva do Festival Sesc de Inverno repensa memórias e arquivos através da arte. A mostra reúne obras de 21 artistas e pode ser vista nas galerias das unidades do Sesc RJ em Nova Friburgo, Teresópolis e Três Rios.

A exposição coletiva “Memórias Habitadas” já pode ser vista nas galerias das unidades do Sesc RJ em Nova Friburgo, Três Rios e Teresópolis. A mostra, que integra a programação do Festival Sesc de Inverno, reúne um grupo de artistas que se propõe pensar memórias e arquivos para além de leituras historicamente consolidadas. As obras poderão ser conferidas pelo público até outubro (veja o cronograma por unidade abaixo). A entrada é gratuita e pode ser acompanhada por mediadores. O que pode um arquivo? Como seus acervos são narrados e tutelados? Onde fica a fronteira do que aconteceu e do que foi inventado? Essas são algumas inquietações que a exposição traz ao público a partir das obras de diversos de artistas de vários estados do país.

Exibida concomitantemente nas três unidades do Sesc, “Memórias Habitadas” tem curadoria de Barbara Copque, Letícia Puri e Roberta Mathias e consultoria de Ana Paula Alves Ribeiro, e reúne trabalhos de 21 artistas: Alberto Pereira, Alessandro Fracta, Alice Yura, Asmahen Jaloul, Bruno Gari, Domeio, Eliana Alves Cruz, Gê Viana, Joelington Rios, Marina Feldhues, Mariana Maia, Mayara Ferrão, Mbé, Pérola Santos, Rona, Roberta Holiday, Rodrigo Ribeiro-Andrade, Silvana Marcelina, Tayná Uràz, Xadalu Tupã Jekupé e Yoko Nishio.

“Nas diferentes galerias e transbordando além de seus espaços físicos, propomos conjuntos que ativam recordações e convidam a pensarmos o que está presente, mas também o que está fora dos arquivos. As obras se conectam ao pensamento crítico da escritora Saidiya Hartman que, diante das incompletudes cristalizadas dos arquivos, nos perguntam: “o que há mais para saber?” e nos conduzem a um desaprender, a um exercício de escutas, colagens e narrativas que mesclam histórias pessoais e fabulações, onde os afetos e a beleza insurgem para contestar os silenciamentos e apagamentos dos arquivos oficiais”, declararam as curadoras.

Um dos destaques da mostra, o artista indígena Xadalu Tupã Jekupé aceitou o desafio do Sesc RJ e revisitou os arquivos do IHGB, no Rio, para compor a produção de uma obra inédita que faz parte da exposição.

“Através da pesquisa, a gente revisou esses documentos do período colonial fazendo uma releitura por meio de obras que vão circular nestas três cidades. Além de descentralizar, vamos decolonizar esse pensamento colonial que ainda habita nas instituições – e aos poucos as instituições vão se acostumando a ter esse novo olhar. Com esses espaços de exposição a gente cria narrativas e diálogos com o espectador”, disse o gaúcho da cidade de Alegrete, território da antiga missão jesuítica de Yapeyu, um dos alvos de sua pesquisa. O trabalho do artista está exposto na galeria de Artes Visuais do Sesc Nova Friburgo.

Maior evento multilinguagem do país, o Festival Sesc de Inverno acontece até 28 de julho de 24 localidades do estado do Rio de Janeiro – a maior edição de todos os tempos. São mais de 550 atrações gratuitas ou a preços populares com música, teatro, dança, literatura, cinema, circo e artes visuais. A exposição “Memórias Habitadas”, porém, poderá ser vista até o mês de outubro. Este ano, o conceito do festival celebra a multiplicidade do Brasil, representada pelo acróstico “P-L-U-R-A-L”, que busca resumir em seis outras palavras a diversidade cultural do país: P, de povos, L, de lugares, U, de união, R, de raízes, A, de artes e L, de linguagens. A programação completa pode ser conferida em festivalsescdeinverno.com.br.

Exposição “Memórias Habitadas”

Galerias do Sesc Nova Friburgo, Sesc Teresópolis e Sesc Três Rios. Artistas: Alberto Pereira, Alessandro Fracta, Alice Yura, Asmahen Jaloul, Bruno Gari, Domeio, Eliana Alves Cruz, Gê Viana, Joelington Rios, Marina Feldhues, Mariana Maia, Mayara Ferrão, Mbé, Pérola Santos, Rona, Roberta Holiday, Rodrigo Ribeiro-Andrade, Silvana Marcelina, Tayná Uràz, Xadalu Tupã Jekupé e Yoko Nishio

Curadoria: Barbara Copque, Letícia Puri e Roberta Filgueiras Mathias

Consultoria: Ana Paula Alves Ribeiro

Sesc Nova Friburgo: Av. Pres. Costa e Silva, 231

Sesc Teresópolis: Av. Delfim Moreira, 749

Sesc Três Rios: R. Nelson Viana, 327

Carmézia Emiliano no Museu do Pontal

16/jul

A vida e a cultura do povo Macuxi, além da paisagem natural de Roraima, são as grandes fontes de inspiração da artista indígena Carmézia Emiliano, que, nos últimos anos, vem firmando o seu nome no cenário das artes visuais do país. O Museu do Pontal inaugurou a sua primeira exibição individual no Rio de Janeiro, “Carmézia Emiliano e a vida macuxi na floresta”. Com curadoria dos diretores do museu, Angela Mascelani e Lucas Van de Beuque, a mostra reúne 21 pinturas (em tinta óleo e acrílica). A exposição segue em cartaz até agosto.

“- Retrato minhas memórias. Não copio de outros. Tiro os desenhos da minha lembrança, dos lugares que fui e das histórias que vi. Retrato as comidas, as danças, bebidas, como fazíamos as redes, o trabalho com a mandioca. A arte para mim é minha vida, minha identidade”, afirma Carmézia Emiliano.

Sobre a artista

Autodidata, Carmézia Emiliano (Normandia, Roraima, 1960) começou a pintar em 1992, utilizando tintas naturais, feitas de ingredientes como folha de algodão roxo, pimenta e jenipapo. Não parou mais e, aos poucos, foi experimentando novos materiais e aprendendo com a prática. Sua trajetória de vida marca a sua arte, que funciona também como uma forma de propagar sua origem e cultura. O dia a dia dos indígenas, a rotina na maloca, os mistérios do Lago Caracaraña, a diversidade dos animais estão entre os elementos presentes em suas pinturas. Segundo Denilson Baniwa, “A obra de Carmézia Emiliano é, antes de tudo, um convite a conhecer o território Macuxi, assim como parte das complexidades da vida da artista, que escolheu a arte como forma de levar-nos ao interior da Maloca do Japó, em Roraima.”. Nascida na comunidade do Japó, terra indígena Raposa Serra do Sol, em Roraima, a artista passou a viver em Boa Vista, a partir dos 29 anos. Sua primeira exposição aconteceu em 1996, no Sesc Boa Vista. Mas, a partir dos anos 2020, sua pintura ultrapassou rótulos e fronteiras. Em 2023, contou com uma individual no Masp e participou da 35ª Bienal de Artes de São Paulo e da primeira Bienal das Amazônias.

“- Eu fico muito feliz em ver minhas obras em exposição. Nunca imaginei que isso fosse acontecer. Estou mostrando a cultura macuxi para as pessoas” -afirma Carmézia Emiliano.

Carmézia Emiliano esteve pela primeira vez no Rio de Janeiro, especialmente para a abertura da exposição, e fez planos de visitar o mar.

“- Além dessa importante mostra, que contará com uma grande variedade de obras e com um documentário sobre sua trajetória, durante o festival faremos um bate-papo com a artista e uma vivência de pintura aberta ao público”, explicam Angela Mascelani e Lucas Van de Beuque, curadores da mostra e diretores do Museu do Pontal.

Chico Fortunato na Galeria Patricia Costa

11/jul

Mostra individual até 24 de agosto reúne trabalhos recentes de Chico Fortunato na Galeria Patricia Costa, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, com curadoria de Luiz Chrysostomo de Oliveira Filho

“Com seus novos dípticos, desenhos-colagens, madeiras e “pinturas-espaciais”, Chico Fortunato amplia seu vocabulário mostrando, com liberdade costumeira, sua predileção por certos elementos e cores. Não clama pelo espetáculo banal, quer essência”, assim define Luiz Chrysostomo de Oliveira Filho, que assina a curadoria da individual do artista, “Construtos”, com obras inéditas produzidas entre 2021 e 2024 na Galeria Patricia Costa, a partir do dia 25 de julho.

Pintor e designer de móveis, ele revela através do seu traço, preciso e ao mesmo tempo delicado, a preferência pelas figuras geométricas, dominando o espaço com linhas que articulam cores com peculiar leveza. Da produção mais recente, um dos destaques são os desenhos-colagens, suporte nunca antes explorado por Chico Fortunato em sua longa trajetória artística.

“Os dípticos começaram em 2018. Logo depois de uma exposição em 2017 e entre algumas viagens, veio a pandemia com toda força, época em que produzi as madeiras. Em 2021, concluí uma série de trabalhos que lembravam pinturas anteriores, mas traziam novos elementos. Então, em 2023, comecei a trabalhar os desenhos-colagens. Fiz uma série deles, que estão sendo mostrados pela primeira vez agora nesta individual. Eles partem do desenho e as linhas obedecem às mesmas regras da pintura. São muitas vezes polípticos e mostram as contradições tão presentes no nosso cotidiano. Este ano retornei para a pintura, que tanto adoro, aparecendo com mais cores, embora partindo do mesmo princípio”, diz o artista.

“Construtos” nas palavras do curador Luiz Chrysostomo de Oliveira Filho, Presidente do Conselho do Museu de Arte do Rio de Janeiro – MAR/RJ

A atual exposição de Chico Fortunato reúne um conjunto de obras que proporciona uma imersão em seu sofisticado, particular e refinado processo criativo. Nos últimos anos suas preocupações enquanto pintor se circunscrevem ao aprofundamento de uma poética de caráter geométrico, ainda que já tenha flertado com elementos figurativos da paisagem. Sua pesquisa formal exige silêncio, destreza, rigor e transcendência. Em claro diálogo com a Arquitetura, o Urbanismo e o Design, ele revela um inconsciente matemático como se buscasse, na gênese natural das linhas e dos planos, um idioma universal. Questões como os limítrofes da tela são introduzidas sutilmente em sua regra dos cálculos do perímetro. Cores e geometrias não se sobrepõem ou se subordinam, não são aleatórias ou casuais. Seus dípticos são junções de partes autônomas, as telas conectam-se como se fossem espaços previamente imantados. São espaços que se vinculam e se afastam, seja pelas oposições ou complementariedades das cores escolhidas, não óbvias, seja pelo proposital desalinho das flutuações de linhas resultantes de seu processo pictórico. Os trabalhos de colagens, em formatos pequenos, traduzem a experiência e a habilidade contínua de manusear planos. Distintamente, aqui são as linhas que demarcam os recortes iniciais da colagem; linhas por origem, definidoras de ângulos e polígonos. Na apresentação da série recente em madeiras maciças de descarte, Chico reitera o uso de material conhecido, e já anteriormente explorado, introduzindo novas dinâmicas. Ao invés de recortes, torções de planos e ilusões nas perspectivas, ele brinca com tons de cores, ora em superfícies contínuas, ora escavadas. A aplicação da tinta revela suaves nuances, onde apenas o olhar atento e a correta incidência de luz conseguem discernir sutilezas. As harmonias propostas escondem planos e figuras que parecem caminhar para fora dos limites da obra. O matemático e psicólogo americano George Kelly, ao elaborar sua Teoria dos Construtos Pessoais (1955), pontuou que os sistemas cognitivos dos indivíduos são influenciados pela maneira como eles vivenciam suas próprias experiências. Chico Fortunato não propõe orientar o olhar do espectador para uma única direção, quer produzir estímulos e inquietudes. Sua ambição é a interação, sem que os limites do tempo sirvam de restrição para uma apreensão de fato. Almeja saber do outro que impacto cada obra revela no seu mais íntimo contato. Inquire por desejar contribuir com a visão alheia – talvez estando mais próximo desse ente externo – aprimorando simultaneamente, e generosamente, seus diálogos, suas próprias sensações, seu construto particular. Rio de Janeiro, julho de 2024

Sobre o artista

Chico Fortunato iniciou seus estudos em 78 na Escola de Artes Visuais do Rio de Janeiro (EAV). De 1982 a 1987, fez parte do grupo de Paulo Garcez, tendo participado, ainda na década de 1980 (em 1983), do I Salão Nacional, ganhando o prêmio, no mesmo ano, no VII Salão Carioca. Realizou exposições no eixo Rio-São Paulo, na Paulo Figueiredo Galeria de Arte, em 1985. De 1992 a 1999 residiu na Holanda; fez individuais na Galerie Domplein, em Utrecht, na Galerie Cacco Zanchi, Aalst, e na Galerie Debret, Paris. Também participou de coletivas no Porto, Londres, Amsterdam, Soest e Stuttgart (Prêmio Syrlin). Em 1999, no Rio, firmou parceria com o Estúdio Guanabara, realizando três exposições individuais, entre 2000 e 2004: “Acrílicos”, “Transparências” e “Torções”. Em 2004, expôs no MAM-RJ, na mostra “Últimas Aquisições”, da Coleção Gilberto Chateaubriand. Em 2010, expôs no Centro de Arte Helio Oiticica; em 2012, no Rio de Janeiro, fez individual no Gustavo Rebello Arte, e lançou livro pela Contracapa Editora. Em março de 2016, entra para o acervo do Museu de Arte do Rio (MAR), e integra a exposição “Ao amor do público I” – Doações na ArtRio (2012-2015) e MinC/Funarte. Em 2017, realizou individual na Múltiplo Espaço Arte e, em 2024, participou de exposição coletiva na Múltiplo.

A obra de Lucas Finonho no MAR

Uma das grandes promessas do circuito carioca de arte, o artista plástico Lucas Finonho vem da Baixada Fluminense, de onde ele traz reflexões sobre as constantes fragmentações e reconstruções que enfrenta, sendo um jovem preto e gay de periferia. Nascido e criado em Duque de Caxias. Sua primeira exposição individual “Imagem e semelhança”, entra em cartaz no mais carioca dos museus: o Museu de Arte do Rio (MAR) e permanecerá em exibição até 03 de novembro.

Com curadoria de Mélanie Mozzer e Osmar Paulino, o projeto começou a ser gestado em julho de 2023. Composta por 12 obras inéditas, cada tela traz o olhar com mais sensibilidade para as relações cotidianas, onde a pintura não é apenas um meio de expressão visual, mas também um diálogo entre a suavidade dos traços e a aspereza das texturas de brita. A inserção da pedra brita em suas obras, com sua natureza fragmentada, oferece uma metáfora visual potente para as complexidades da experiência humana contemporânea.

“Ter minha primeira exposição solo no Museu de Arte do Rio é, antes de tudo, romper com todas as baixas expectativas que recebo pela minha cor e pelo lugar de onde eu venho. Poder apresentar meu trabalho nessa grande instituição que vem lançando e transformando a vida de diversos artistas, é pra mim o início de uma promissora trajetória de conquistas e grandes responsabilidades”, afirma o artista.

“Esta exposição é um testemunho do amadurecimento do artista através de um longo processo de pesquisa que foi bastante enriquecedor, visto que além de artista, Finonho é um pesquisador que já carrega um repertório profissional extenso. Se eu pudesse dar um conselho, indicaria que o público não perdesse a abertura da exposição para contemplar este momento definidor na carreira do artista que terá um longo caminho dentro da cena de Arte Contemporânea”, palavras de Mélanie Mozzer.

Em sua pesquisa, Lucas se conforta ao se entender semelhante às grandes e fortes rochas formadas por pequenos fragmentos, ao fabular sobre a divina fundição de seus destroços. Assim como a natureza, que mesmo ameaçada pela negligência e exploração exacerbada, o artista busca se reconstruir a todo custo. A utilização de pedras em suas obras, o faz olhar para os vales sedimentares, percebendo na natureza a possibilidade de ressignificar as erosões e depressões da vida.

“Me inspiro nas coisas que lutam por existir, nas histórias de superação, tecnologias periféricas de sobrevivência, nos testemunhos de intervenções divinas e nos ciclos que observo na natureza, com seu grande poder de defesa e regeneração frente às violências que sofre”, completa o artista.
“A exposição “Imagem e Semelhança” do Finonho é uma contribuição para a sociedade na medida que ela busca apresentar reflexões sobre os problemas subjetivos do ser a partir das diversas mazelas sociais, e sua capacidade de encontrar o bem-estar através da manifestação do divino que se dá ao mesmo tempo a partir das experiências endógenas e exógenas do próprio ser”, diz Osmar Paulino.

Pontos de convergências

09/jul

Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, convida para a abertura, no dia 10 de julho, da exposição “Visita ao acervo #4 – Diálogos”, com curadoria de Cecília Fortes, que selecionou obras dos artistas Abraham Palatnik, Bruna Snaiderman, Cristina Salgado, Eduardo Frota, Lenora de Barros, Liana Nigri, Livia Flores, Nuno Ramos, Paulo Vivacqua, Renato Bezerra de Mello, Rodrigo Braga e Ronaldo do Rego Macedo, criando aproximações por temas, técnicas e materiais usados, formas, ou ainda “uma narrativa surreal imaginária”.

Esta é a quarta edição do programa que apresenta as obras do acervo de Anita Schwartz Galeria de Arte a partir de um recorte curatorial e permanecerá em cartaz até 24 de agosto. Cecília Fortes explica que nesta exposição “a proposta foi identificar pontos de convergência entre trabalhos, criando diálogos diversificados. Conexões que ocorrem de forma orgânica, estabelecendo conversas diretas em alguns casos e relações inusitadas, em outros”.

A curadora exemplifica: “Contornos do corpo feminino e suas camadas físicas e metafóricas, observados em planos positivo e negativo no ato escultórico”, conectam as obras “Presas em frestas, da série Vazante”, de Liana Nigri, em bronze e granito em liga, e “Mulher em dobras 1 (Vênus)”, de Cristina Salgado, produzida em 2022, com tapete e parafusos.

“A materialidade da tinta a óleo, que ganha corpo e se transforma em elemento marcante de composição”, estão nas pinturas “O céu como cicatriz, Tapetes”, de Nuno Ramos, em óleo e pigmento sobre papel, e “Sem título”, de Ronaldo do Rego Macedo, em óleo sobre tela.

“Esferas laminadas que preenchem o espaço expositivo com seus volumes repletos de ausências e ilusões óticas colocam em relação as criações de Bruna Snaiderman – “Sem título”, da série “Presença através da ausência”, em metacrilato e vinil, – e Eduardo Frota – “Esfera (com anel)”, em compensado industrial.

“Ondas sonoras derivadas da escultura “Sem título”, de Paulo Vivacqua – composta por alto-falantes, vidro, espelho e mesa de madeira, – se propagam pelo ar e reverberam na obra “W-H/112″, de Abraham Palatnik, em acrílica sobre madeira.

“Seguindo uma narrativa surreal imaginária, a relação das mãos que tocam pinturas de círculos brancos e pretos sobre pedra, no plano bidimensional na obra “Direita para esquerda, esquerda para direita”, de Rodrigo Braga, em impressão fine art sobre papel de algodão, mergulham nas formas e acessam a matéria expondo a sua tridimensionalidade em “Mão dupla 1″, de Lenora de Barros, da série “Performance escultura para mãos”, impressão em jato de tinta.

“O uso da geometria como elemento de abstração estabelece a relação entre as obras de Livia Flores – “Xu (06)” e “Xu (08) Plot”, em colagem sobre tela, – com os “Cadernos de confinamento 1 e 2″, de Renato Bezerra de Mello, desenho em tinta nanquim sobre folha de papel Canson.