A Amazônia no Museu do Amanhã

18/jul

 

 

A exposição “Amazônia”, de Sebastião Salgado, chega ao Museu do Amanhã, Centro, Rio de Janeiro, RJ, no dia 19 de julho para uma temporada de seis meses permanecendo até 29 de janeiro de 2023.

 

A mostra exibe o resultado de sete anos de experiências e expedições fotográficas na Amazônia brasileira. As fotografias revelam a floresta, rios, montanhas e a vida em doze comunidades indígenas. Esse denso universo marcou o olhar do fotógrafo com imagens impressionantes, em sua grande maioria mostradas ao público pela primeira vez.

 

Idealizada e concebida por Lélia Wanick Salgado, a mostra imersiva, um mergulho no coração da Amazônia, é um convite para ver, ouvir e, ao mesmo tempo, refletir sobre o futuro da biodiversidade e a urgente necessidade de proteger os povos indígenas e preservar esse ecossistema imprescindível para o planeta.

 

Composta por quase 200 painéis fotográficos, a exposição tem causado impacto por onde passa – como França (Museu da Música, Filarmônica de Paris), Itália (MAXXI Museu, em Roma) e Inglaterra (Museu da Ciência, em Londres) – lembrando quão impressionante a vida na floresta é, seja na visão aérea que traz a curva luminosa de um rio, seja nos minuciosos adornos utilizados pelos povos originários. O patrocínio master é da Seguradora Zurich, que também apoia o Instituto Terra, projeto dos Salgado de recomposição da mata nativa no Vale do Rio Doce, em Minas Gerais; patrocínios ouro da Natura e do Itaú.

 

Gilvan Nunes volta a expor no Brasil

14/jul

 

 

 

Radicado nos Estados Unidos, Gilvan Nunes abre individual, – até 14 de agosto em exibição -, com curadoria de Fernando Cocchiarale na Galeria Patricia Costa, Copacabana, Shopping Cassino Atlântico, Rio de Janeiro, RJ.

 

“O caminho sempre acaba convergindo”, definiu Gilvan Nunes ao falar sobre as pinturas a óleo, desenhos, cerâmicas e porcelanas que apresenta na individual “Hilomorfismos”, após um hiato de cinco anos sem expor no Brasil. As obras são fruto de um processo que aconteceu durante a pandemia, entre 2020 e 2022. Este período se revelou bastante fértil, tendo o artista produzido trinta pinturas em grandes e pequenos formatos, vinte e oito desenhos desenhos e cincoenta cerâmicas, entre vasos e peças de parede. Segundo Gilvan, as cerâmicas ganharam força a cerca de dez anos, quando se transferiu para a Filadélfia, onde adquiriu um forno e pôde evoluir na técnica. “Meu trabalho sempre foi matérico: paisagens e todas as pinturas. De repente, foi como se eu tivesse uma necessidade de retirar um pouco a matéria e organizar em outro lugar. Talvez tenha sido esse o desejo maior: reorganizar a matéria, separando nas telas e nas superfícies. A experiência de morar fora proporcionou mais tempo para pensar, redirecionar as ideias. Esse “hiato” possibilitou uma espécie de recomeço”, diz Gilvan Nunes que já participou de duas exibições coletivas nos Estados Unidos, onde também já tem marcada uma individual para o ano que vem.

 

A palavra do curador

Anotações sobre gosto, demiurgo

 

Esta mostra de Gilvan Nunes reúne obras em pintura, desenho, cerâmica e porcelana por ele recentemente produzidas. Parte considerável das obras expostas pode ser associada ao abstracionismo, posto que são de difícil identificação levando-nos a buscar no título dado pelo artista à exposição maior consistência poética: Hilomorfismo.

 

Tal conceito remete-nos ao pensamento de Aristóteles, há mais de dois mil anos, segundo o qual todos os seres corpóreos são compostos por matéria e forma. A poética de Nunes e o hilomorfismo encaminham-nos a áreas contíguas como a questão do demiurgo, que trabalhava a matéria ou o caos para dar-lhes forma. No pensamento grego, particularmente no de Platão, é um deus ou o princípio organizador do universo que não cria formas, apenas as modela, com base na contemplação do mundo das ideias.

 

A distinção entre matéria e forma observável na dinâmica poética da obra Gilvan Nunes, de outra maneira, parece ser bastante próxima. A partir desse ponto é que a consideramos importante para certos jogos que exercitam, alimentam e produzem a invenção poética.

 

Gosto é o critério ou o cânone usado para julgar os objetos do sentimento. Foi somente a partir do século XVIII que o gosto foi reconhecido como uma faculdade autônoma, distinta da faculdade teorética (filosófica e matemática), posto que possuía um campo e um pensamento técnico próprio, fato percebido por Leonardo da Vinci já no século XVI (“pittura é cosa mentale”) e, progressivamente, por Kant e Baumgarten no século XVIII.

 

Fernando Cocchiarale, julho de 2022.

 

Sobre o artista

 

Gilvan Nunes nasceu em Vermelho Novo, Minas Gerais, em 1966. Sempre foi fascinado pela natureza, suas cores e formas e passava muito tempo desenhando e pintando. Quando ingressou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, em meados dos anos 1980, teve a oportunidade de interagir com outros artistas de sua geração e com professores fundamentais para sua formação. Naquele momento, ocorria o renascimento da Pintura Brasileira e o Parque Lage era o epicentro desse movimento. Gilvan é enormemente conhecido pelas suas pinturas densas, e também trabalha com desenhos, colagens e gravuras de temas invariavelmente relacionados à sua visão da constante transformação da natureza. Esculpir e trabalhar com cerâmica são paixões mais recentes, paralelamente à pintura. Seu trabalho tem sido exibido em diversas mostras coletivas e individuais, além de feiras de arte em diferentes cidades do Brasil, África, Europa e EUA. Em 2017, Gilvan mudou-se para os Estados Unidos, o que inspirou o artista a criar uma nova série de pinturas a óleo e cerâmica esmaltada. Atualmente, é representado por duas galerias: Galeria Patricia Costa no Rio de Janeiro e InLiquid Gallery na Filadélfia, EUA.

 

 

 

No Paço Imperial e no Espaço OASIS

 

 

Ricardo Ribenboim presente em dois momentos singulares: o resgate do passado e a criação do novo presente!

 

O artista plástico Ricardo Ribenboim exibe, em datas sequentes no circuito cultural do Rio de Janeiro, após uma ausência de 18 anos, duas exposições individuais: “Rastro dos Restos”, no Paço Imperial e “O Acaso” no Espaço OASIS. As duas mostras estão sob curadoria de Yuri Quevedo. As 120 obras inéditas em exibição, mesmo não se apresentando como recortes de um todo, oferecem dois aspectos complementares e elucidativos da produção do artista nos últimos 5 anos. Em “Rastro dos Restos”, os trabalhos dialogam com o tempo e exibe a consciência do artista sobre o curso da história, a passagem do tempo e a finitude das coisas de onde surge a possibilidade de transformação do todo em vestígios. Já em “O Acaso”, há o compartilhamento por parte do artista, de seu processo criativo onde ressignifica fragmentos de trabalhos antigos. Ricardo Ribenboim oferece a proposição de convivência com o mutável e o incerto, sem buscar frear o fluxo dos eventos e da vida, mas admirando-os como uma força estética.

 

“Em cada um dos espaços a produção de Ricardo Ribenboim é vista sob um aspecto diferente. No Paço Imperial, temos a investigação mais recente do artista, que parte de rastros do passado para configurar o novo. Já no Oasis, espaço de residências experimentais, estão aquelas obras onde ele compartilha conosco  seu processo de trabalho e os entraves para elaborar aquilo que o rodeia.”, explica o curador.

 

“Rastro dos Restos” – Paço Imperial

 

“A partir da lembrança, Ribenboim propõe a singularidade”, define Yuri Quevedo. Coletando, aleatoriamente, restos de materiais diversos, fragmentos do ordinário, do urbano, restos do atelier, rastros de seu próprio trabalho com memórias de sua trajetória, o artista enfrenta o desafio e a necessidade de criar o novo e apresentá-lo na seleção de 80 trabalhos expostos. Enquanto muitos buscam encontrar o sentido de um todo coeso, Ricardo Ribenboim vai na contramão e faz da desarticulação o seu método; desmembra sistemas inteiros e os analisa e, sendo o artista que encontra poesia nova naquilo que sobrou – aquilo que é substantivo no rastro dos restos”, diz o curador. O artista formula uma ecologia própria – o que restou de algo, pode servir de suporte para uma nova realidade. Aqui, a história é vista como uma trama, em que ciclos se reciclam, intercalados com lacunas de esquecimento. Ao construir marcos e estandartes com esses retalhos de lembranças, Ribenboim compartilha conosco sua ética: a memória pode ser matéria do presente à medida em que ela adquire significado no agora.

 

“O Acaso” – Espaço Oasis

 

Nos últimos anos, Ribenboim fez do ateliê e da própria trajetória, um espaço  de reflexão, onde seu potente lado criativo finaliza objetos inconclusos, reanima pedaços de trabalhos antigos e lhes dá nova forma, nova ordem, nova significância. Nas 40 obras selecionadas pelo curador, estão as grandes telas onde ‘sinistras silhuetas tentam romper as camadas’. Desta forma “o artista compartilha conosco o valor do fazer como pensamento, do fazer enquanto dúvida, do fazer como processo de configuração de si e do mundo – e não como terreno das definições e das certezas”, explica Yuri. Em “O Acaso”, Ricardo Ribenboim nos descreve seu processo criativo, as agruras do fazer, onde resgata os vestígios guardados daquilo que as coisas eram antes de serem articuladas em novos sentidos: suas pinturas olham para suas esculturas para transformá-las em imagens. Para Yuri Quevedo, “…como no sonho, o caldo disforme do inconsciente ganha matéria em associações, coincidências e encaixes. Indefinições que resistem a ser figuradas, daí o acaso vira assunto”.

 

Paço Imperial até 15 de agosto e 27 no OASIS.

 

 

Duas mostras no MAR

11/jul

 

 

O Museu de Arte do Rio, Centro, Rio de Janeiro, RJ,  abriga duas exposições simultâneas, em cartaz até setembro. Em “Gira”, Jarbas Lopes, cuja trajetória na arte começou há 30 anos, propõe novos significados para objetos que foram descartados nas ruas, de jornais e revistas a faixas de divulgação de shows e propaganda política, com os quais ele criou esculturas e pinturas interativas. Com curadoria de Amanda Bonan e Marcelo Campos, a mostra reúne cerca de 100 obras que fazem parte da produção do artista, além de trabalhos inéditos e projetos que só existiam no papel. Lopes também apresenta fotografias, desenhos, livros, maquetes e instalações.

 

Já a mostra “Coleção MAR + Enciclopédia Negra” propõe uma reparação histórica, trazendo à luz trabalhos realizados por artistas contemporâneos, que retratam personalidades negras cujas imagens e histórias de vida foram apagadas ou nunca registradas. Antes do século 19, apenas os nobres eram retratados. Já negras e negros, foram fotografados, muitas vezes, em condições anônimas ou em cenas em que apenas aparecem carregando mercadorias em suas cabeças.

 

A exposição – que hoje reúne obras de 36 artistas contemporâneos no MAR – nasceu da colaboração entre os consultores e curadores Flávio Gomes, Lilia Schwarcz e Jaime Lauriano e teve sua primeira apresentação na Pinacoteca de São Paulo, em 2021. O trabalho resultou também no livro “Enciclopédia Negra”, que reuniu biografias de mais de 550 personalidades negras, em 416 verbetes individuais e coletivos, publicado em março de 2021 pela editora Companhia das Letras.

 

Das 250 obras de artes expostas, 13 são novos retratos, criados por seis artistas contemporâneos, convidados pelo MAR, e que vão entrar para a coleção do museu após a mostra. O elenco de artista reúne Márcia Falcão, Larissa de Souza, Yhuri Cruz, Bastardo, Jade Maria Zimbra e Rafael Bqueer, que fizeram retratos de personalidades como Abdias Nascimento, Heitor dos Prazeres, Tia Ciata, Manuel Congo, Mãe Aninha de Xangô e João da Goméia. Em tempo: Coleção MAR + Enciclopédia Negra é a sexta exposição inaugurada neste ano pelo Museu de Arte do Rio e é parceria com a Pinacoteca de São Paulo.

 

“Gira”, Jarbas Lopes – Até 16 de setembro.

“Coleção MAR + Enciclopédia Negra” – Até 11 de setembro.

 

 

Ampliando espaço e nova exposição      

08/jul

 

Completando uma década de atividade, a galeria Gaby Indio da Costa Arte Contemporânea, São Conrado, Rio de Janeiro, RJ, amplia seu espaço expositivo e comemora, no dia 09 de julho, sábado, com exposição individual de Marcus André.  Em “Tamoia-Califa”, o artista apresenta cerca de 25 obras inéditas e o lançamento do múltiplo serigráfico “Califórnia”, desenvolvido por Heloisa Amaral Peixoto, que assina o projeto curatorial.

 

“Partindo da sua experiência de formação técnica e estética em gravura, em especial na sua prática permanente com a xilogravura, o artista Marcus André rearticula as suas pesquisas para novas pinturas numa poética intercambiável onde enfatiza a superfície do seu suporte, a madeira. Deixando mais exposta a sua matéria/matriz, o artista explora a sua textura e a sua aparência natural, assim como determina as áreas de intervenção cromática, aplicando as suas técnicas combinadas”, diz a curadora.

 

Sobre a galeria

 

Gaby Indio da Costa atua no mercado de arte desde 2009, abrindo seu espaço em 2012. Desde então, acompanha de perto a produção de vários artistas. Há dez anos realiza diversas exposições, a maioria com a curadoria de críticos e curadores renomados. A galeria Gaby Indio da Costa Arte Contemporânea tem como objetivo principal divulgar a produção dos artistas que representa e suas propostas, promover projetos e exposições e manter um diálogo constante com críticos, curadores e colecionadores, incentivando a formação de novas coleções e buscando fortalecer as que já existem. Trabalha com artistas jovens e consagrados, alguns com trajetória consolidada, todos eles comprometidos com a experimentação e a ousadia no âmbito da linguagem que define a arte contemporânea.

 

Sobre o artista

 

Marcus André nasceu no Rio de Janeiro em 1961. Vive e trabalha entre o Rio de Janeiro e Búzios, RJ. Frequentou o curso de desenho e introdução à pintura na Oficina do Corpo na Escola de Artes Visuais do Parque Lage no Rio de Janeiro entre 1978-79. Entre 1981 a 1985, cursa Desenho Industrial na Universidade Federal do Rio de Janeiro tendo como professores Roberto Verscheisser e Gilberto Strunke e paralelamente freqüenta a Oficina de Gravura do Palácio do Ingá em Niterói com orientação de Anna Letycia e Edith Behring, recebe prêmio no IV Salão Carioca de Arte e participa da V Mostra Nacional de Gravura em Curitiba. Em 1984 realiza sua primeira individual na Galeria Contemporânea e participa nas exposições; Como Vai Você, Geração 80 ?, Arte Brasileira Atual e V Salão Nacional de Artes Plásticas no MAM no Rio de Janeiro. Viaja para Nova York em 1985 frequentando a Parson’s New School Of Social Reaserch Printing Studio com o artista Roberto DeLamonica 1985-88, estágio na Osíris Priting Co. e mais tarde é contratado como impressor-colorista na Ruppert J. Smith Printing Co. em Nova York, participando das edições de artistas como James Rosenquist, Larry Rivers, Kenny Scharf e Andy Warhol, sob coordenação do impressor Jean-Paul Russell, atualmente Durham Press, Pennsylvania. Participa da exposição Latin? ABC Notório Gallery no East Village. Em 1988 retorna ao Brasil, recebe prêmio no XIII Salão Nacional de Artes Plásticas e realiza individuais de pintura na Funarte Projeto Macunaíma/ Espaço Alternativo RJ, Projeto Centro Cultural São Paulo / Pavilhão da Bienal Ibirapuera e MASP SP e nas representações brasileiras da Bienal Ibero-Americana Cidade do México, Bienal de La Havana Cuba, Bienal de Pintura Cuenca Equador 2001 e no Machida Tokyo Museum Japão. Recebe os prêmios de aquisição em pintura no Museu de Arte de Brasília DF e na Mostra Internacional de Gravura Curitiba PR. A partir de 1995 é contemplado com as bolsas: Primeiro Programa de Bolsas RioArte 1995-96, tendo na comissão os críticos e professores Heloisa Buarque de Holanda e Ronaldo Britto, O Artista Pesquisador MAC Niterói RJ 1998, Bolsa FAPERJ / Fundação de Apoio a Pesquisa 1998 e The Pollock-Krasner Foundation Inc. Grant NY 2007. Marcus André investe na construção e desconstrução de espaços afetivos, estabelecendo narrativas orgânicas de traços e linhas, espaços mentais de uma natureza contaminada pelo advento do industrial e organização social, vestígios do humano cotidiano. O artista alcança o sublime, extraindo da pintura duas técnicas básicas e milenares; a pintura encáustica e a têmpera, um resultado em que se vê o que se toca, consequência da soma de diversas camadas, peles da pictórica sobrepostas conferindo uma narrativa contemporânea que traz ao presente a utilização de técnicas tão laboriosas.

 

A palavra da  curadora

 

A partida para a escolha de um múltiplo serigráfico do artista Marcus André teve inspiração na sua obra instalativa vencedora do prêmio “Projéteis Funarte 2006” realizada no hall do icônico edifício modernista Palácio Capanema, no centro do Rio de Janeiro.   Desde que o artista se propôs a executar uma pintura mural de grande porte, de caráter panorâmico e espacial, utilizando a têmpera e a encáustica, duas técnicas milenares, estabeleceu-se na sua produção um tipo de ritual narrativo formal de interpretação bastante singular do que entendemos como “paisagens”. Na experiência de conduzir a sua expressão de modo integrado aos aspectos arquitetônicos do entorno, o artista incorporou as premissas do contexto muralista e levou para as suas pinturas uma série de propostas estruturadas na superposição de linhas e outros grafismos. Consciente de que o seu percurso é compreendido dentro de uma poética intercambiável, no diálogo entre procedimentos e métodos produzidos para diferentes fins, e no seu caso em especial, na prática íntima com a xilogravura, Marcus André passa a rearticular as suas pesquisas trazendo de volta a superfície do seu suporte, a madeira. Deixando mais exposta a matéria, ele explora a sua textura e aparência natural, assim como determina as áreas de intervenção cromática, aplicando as suas técnicas combinadas. Esse procedimento vem acompanhado desta vez de elementos geométricos mais ampliados, que ganham mais contornos e volumes, e ainda sugerem um plano de terceira dimensão. Seus recentes trabalhos produzem uma sensação de apropriação de ingredientes de raiz cultural popular, entretanto há uma presença da metrópole invadindo a pintura. Nesse duplo contato com a tradição artesã e da cultura de massa, própria do cenário urbano, as suas formas e signos se acomodam na madeira. O suporte material é também poético. Partindo da natureza vão se encadeando a criação, a transformação e a síntese, e uma inédita visualidade vai se revelando em simples e eloquentes acontecimentos.

 

De 11 de julho a 19 de agosto.

 

 

Exposição protesto na Carpintaria

 

 

A Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, apresenta de 09 de julho até 20 de agosto a exposição coletiva “A sua estupidez”.

 

Apropriando-se da expressão “reserva de valor”, chavão do mercado financeiro por vezes usada para definir o investimento na compra de uma obra de arte, aplica-se aqui uma interpretação mais subjetiva. A obra de arte é de fato reserva de valor, é um objeto no qual o artista depositou imensas cargas de valores, é uma coisa continente que preserva em si valores caros ao artista, valores muitas vezes ameaçados mundo afora. A arte é a experiência dos valores encarnados nos objetos, valores que são ativados em nossa relação com a obra.

 

As 26 obras integrantes dessa exposição coletiva disparam vivências de valores e princípios diversos, porém não divergentes. Mesmo tendo sido criados em tempos e ambientes distintos, ao serem expostos juntas agora, todos os trabalhos convergem para o campo sociopolítico atual. Um conjunto se forma ocupando esse campo com força e fisicalidade, ressoando um valor comum: o valor do protesto. Há pouco mais de dois meses para a eleição presidencial que poderá nos aliviar do nosso martírio nacional, esse protesto em forma de exposição de arte vem nos empurrar para o sentido de urgência. “A Sua Estupidez” torna-se então uma mensagem direta remetida coletivamente ao inominável que nos governa. “A Sua Estupidez” é a expressão da denúncia, a encarnação da revolta, a manifestação da liberdade de negar o que se despreza, a representação do que não nos representa.

 

A exposição se desdobra como um percurso de epifanias possíveis. Cabe ao visitante tomar para si os elementos disparadores, absorvê-los, traduzi-los em sensações e pensamentos. De cara, a transposição das estrelas outrora presentes na colorida bandeira brasileira para a seda preta na obra de Iran do Espírito Santo. Em frente, o vídeo “Terremoto Santo” de Bárbara Wagner & Benjamin de Burca (atualmente também em cartaz no New Museum de Nova York), retrata uma comunidade de fiéis crentes cantadores de Gospel no território Brasilis. Na sequência, as fotos-performance de Ivens Machado, seu corpo atado com gaze, tensão e pressão em plena ditadura militar.  Sua escultura de cacos de vidro encrustados em cimento pesa sobre o olhar, assim como pesa a escultura imagética de Espírito Santo, na forma de uma janela reflexiva de granito preto. Nas pinturas de Gokula Stoffel e Cabelo, seres delineados em vermelho parecem pressionados por pinceladas grossas e intensas que adensam o ambiente compositivo. A figura de Exu em forma de escultura serve de suporte para “Luz com Trevas”, videoclipe de Cabelo que se apropria de trechos de filmes do cinema marginal – como “O Bandido da Luz Vermelha”, de Rogério Sganzerla – para convocar à união dos povos por liberdade e direitos.

 

O relevo de bronze de Erika Verzutti se nomina em forma e título: “Demônio!”. Também nominal e direta, a “Hydra Pantanal” de Rivane Neuenschwander reinterpreta um inferno Dantesco na era capitalista. As fotos de Mauro Restiffe estabelecem o contraste dos empossamentos em Brasilia, a capital dos desmandos atuais. Tiago Carneiro da Cunha, em pintura e escultura, nos apresenta personagens arquétipos da perdição, ao mesmo tempo assustados e assustadores. Rodrigo Cass, em uma escultura e um vídeo, trata da instabilidade e da ruptura, de armas brancas que rompem corpos frágeis, de quebras. Márcia Falcão nos obriga a encarar a dor do corpo feminino violentado, o sangue na matéria da tinta. Lenora de Barros protesta o silêncio com marteladas ruidosas, violentas. A violência que também se encarna nos relevos pictóricos de Yuli Yamagata, de onde saltam olhos esbugalhados e mãos tesas, como num filme B de terror. Ao fim, como uma mensagem de rádio para o futuro próximo, a escultura de Barrão acena com uma bandeira branca, um gesto de amor, um apelo.

 

Porque, afinal, isso tem que mudar.

Porque, como bem disse a canção, a sua estupidez não é normal!

Artistas participantes

 

Bárbara Wagner & Benjamin de Burca | Barrão | Cabelo | Erika Verzutti | Gokula Stoffel | Iran do Espírito Santo | Ivens Machado | Lenora de Barros | Márcia Falcão | Mauro Restiffe | Rivane Neuenschwander | Rodrigo Cass | Tiago Carneiro da Cunha | Yuli Yamagata.

 

 

Conversa com Rafael Bqueer

 

 

Na próxima terça-feira, dia 12 de julho, às 19h, será realizada uma conversa gratuita e aberta ao público com a artista Rafael Bqueer, na C. Galeria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, onde a artista apresenta até 15 de julho a exposição “Boca que tudo come”.

 

Conhecida por trabalhos de performances, fotos e vídeos, a artista criou, pela primeira vez, esculturas e objetos tridimensionais. A curadoria é de Paulete Lindacelva. As obras foram criadas este ano, inspiradas no carnaval, mas também se desdobram em temas que a artista já vinha trabalhando, como o universo Drag Themonia e a luta por questões raciais e de gênero.

 

“Meu trabalho percorre o universo das escolas de samba e da cultura drag. Estes novos trabalhos trazem esse universo da fantasia, dos adereços, da maquiagem. É como se eu tivesse tirado esses elementos do corpo, dando a eles uma nova forma”, diz Bqueer. “Sinto este trabalho como uma prática de desuniformizar, de criar também uma trama de propósitos, de refazer os tecidos da linguagem com nós”, acrescenta a curadora.

 

As obras são compostas por paetês, pedrarias e tecidos diversos, elementos que fizeram parte do carnaval de 2020 e foram doados pela escola de samba Grande Rio para a artista. “As alegorias exuberantes dos barracões são transportadas para a galeria como alegorias da própria língua e confirmam sua presença no trabalho como algo vasto de muita suntuosidade e de potencial transformador do material”, ressalta a curadora Paulete Lindacelva. Muito ligada ao carnaval, Bqueer foi destaque da escola campeã deste ano, cujo tema foi Exu, que também inspirou a artista na criação das novas obras. “O desfile da Grande Rio deste ano foi uma das principais referências para a criação de vários trabalhos e também do título da exposição, em referência a Exu. Mastigar os universos e vomitar um novo projeto”, conta a artista, que começou sua história com o carnaval em Belém, onde trabalhou em diversos desfiles, incluindo o da Império de Samba Quem São Eles, uma das maiores agremiações paraenses, além de ter trabalhado em diversas escolas cariocas dos grupos D, B e A.

 

“É a gênese e uma boca com fome que não se sacia. Pela boca de Exu tudo passa. A fome de Exu não cessa, pois é pela sua boca que tudo acontece, conflui, compartilha. Na boca de Exu se instaura o mistério de todo acontecimento vivo. Engole para devolver de maneira ambívia! O que ultrapassa a ideia de antropofagia, pois é muito mais antigo e é na diferença que o mistério acontece”, ressalta a curadora.

 

Os trabalhos também abordam a questão do racismo, trazendo suas experiências com os desfiles das escolas de samba, arte drag e a cultura de massa das periferias para questionar os símbolos eurocêntricos de poder, bem como a ausência de narrativas afro-brasileiras e LGBTQIA+ na arte-educação e em instituições de arte. Paralelamente a seu trabalho como artista visual, Bqueer tem um trabalho como drag queen e é uma das fundadoras do coletivo paraense Themônias. O grupo, formado em 2014, reflete, já no nome, a estética distante do padrão das drags luxuosas e subverte o fato dos corpos LGBTQIA+ terem sido historicamente demonizados. “Isso tudo também está presente nesses novos trabalhos, a estética da monstruosidade, do exagero, do brega”, ressalta Rafael Bqueer, que foi selecionada pela Bolsa ZUM 2020, do Instituto Moreira Salles, com uma série de quatro curtas-metragens do projeto Themônias, que tratam da cena drag-themônia amazônica.

 

Sobre a artista

 

Rafael Bqueer (Belém/ Pará, 1992. Vive e trabalha entre Rio de Janeiro e São Paulo) tem formação em Artes Visuais pela UFPA. Trabalha com múltiplas plataformas, como fotografia, vídeo e performance. Em seu trabalho, investiga o impacto do colonialismo e da globalização por meio de ícones da cultura de massa recontextualizando as complexidades sociais, raciais e políticas do Brasil. Participou de exposições nacionais e internacionais, destacando: “Against, Again: Art Under Attack in Brazil”, Nova York (2020), e a individual “UóHol”, no Museu de Arte do Rio (2020). Artista premiada na 8º Edição da Bolsa de fotografia da Revista ZUM – Instituto Moreira Salles (2020) e na 7º edição do Prêmio FOCO Art Rio (2019). Participou da 6º edição do Prêmio EDP nas Artes do Instituto Tomie Ohtake (2018) e da 30ª edição do Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo- CCSP (2020). Atualmente, além da exposição individual “Boca que tudo come”, na C. Galeria, a artista também participa das exposições coletivas “Crônicas Cariocas” e “Enciclopédia Negra”, no Museu de Arte do Rio (MAR), “Zil, Zil, Zil”, no Centro Municipal de Artes Hélio Oiticica (RJ), Misturas”, no Galpão Bela Maré (RJ). Suas obras fazem parte das coleções do Museu de Arte do Rio (MAR), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio) e Museu do Estado do Pará (MEP).

 

Sobre a galeria

 

A C. Galeria é uma galeria de arte contemporânea que, através de novas ideias e formatos, contribui para uma nova forma de fazer e pensar o colecionismo da arte. Dirigida por Camila Tomé, a galeria surgiu em 2016 e está localizada no Jardim Botânico onde desde então apresenta um programa que auxilia e desenvolve nacional e internacionalmente a carreira de seus artistas representados. Através de seus artistas e seu programa, a C. propõe projetos plurais de arte contemporânea e abre espaço para discussões sobre ativismo, arte e vida. A C. Galeria representa os artistas Bruno Weilemann, Diego de Santos, Eloá Carvalho, Emerson Uýra, Laura Villarosa, Marcos Duarte, Maria Macedo, Paul Setúbal, Piti Tomé, Rafael Bqueer, Ruan D`Ornellas e Vítor Mizael.

 

 

Coletiva de pintura brasileira contemporânea

07/jul

 

 

Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, exibe a exposição “Sentido Comum”, coletiva de pintura brasileira contemporânea com 22 obras dos artistas Camila Soato, Douglas de Souza, Herbert de Paz, Igor Rodrigues, Marcelo Amorim, Maria Antônia, Marjô Mizumoto, Mônica Ventura, O Bastardo, Pedro Varela, PV Dias e Rafael Carneiro, oriundos de diferentes cidades brasileiras, em sua maioria com idades próximas aos quarenta anos, e com trajetórias já conhecidas no circuito da arte.

 

Questões presentes nas obras apresentadas são uma revisão histórica, de modo a destacar a relevância dos negros e indígenas no Brasil, e que, apesar de subjugados, resistem. Questões de gênero também estão em vários trabalhos. Na abertura apresentou-se o DJ Lucas Alves.

 

Cinco artistas contemporâneos em Maricá

 

 

A Prefeitura de Maricá, RJ, por meio da Secretaria de Cultura, apresenta a exposição “Canto porque Resisto”, que comemora o centenário da Semana de Arte Moderna permanecendo em cartaz até 30 de julho, na Casa de Cultura de Maricá, no Centro. A mostra, com curadoria de Luiz Guilherme Vergara, reúne 27 obras contemporâneas e experimentais de cinco artistas consagrados, moradores da cidade, cujas carreiras foram sucesso dentro e fora do Brasil em importantes museus e galerias.

 

“Depois de uma longa paralisação das atividades, a Casa de Cultura e o Museu Histórico de Maricá reabrem suas portas em grande estilo. “Canto porque Resisto” é iluminadora, como uma fábula de imagens explosivas instaladas no coração da Vila de Santa Maria, nossa praça central, onde o imaginário habita o inconsciente coletivo do povo maricaense contra forças destrutivas. A exposição está magnífica”, comentou Sady Bianchin, ressaltando que a mostra é realizada pela Companhia de Desenvolvimento de Maricá (Codemar), com apoio da Secretaria de Promoção e Projetos Especiais.

 

Os trabalhos de Bill Lundberg (dez obras, sendo fotografias de 63cm x 76cm cada e uma projeção de 2mx2m), Edmilson Nunes (cinco, entre pintura, desenho e instalação), Jarbas Lopes (uma escultura e uma instalação cinematográfica), Marcos Cardoso (uma instalação) e Regina Vater (nove, sendo instalação, fotografia e vídeo arte) ocuparão não somente os ambientes da Casa de Cultura (1841) – patrimônio tombado e de extrema importância para a história local -, como também sua fachada e entorno, compondo um projeto inaugural de arte contemporânea para a cidade.

 

“Expor aqui é fundamental para mostrar minhas obras aos moradores e visitantes da cidade que escolhi para viver. Digo isso com muita felicidade de participar desta mostra de arte contemporânea que apresenta um pouco do nosso trabalho”, comentou o artista Jarbas Lopes, morador de São José do Imbassai.

 

A artista visual Lina Ponzi, que veio de Niterói para apreciar a exposição, parabenizou os responsáveis pela bela iniciativa. “Aqui temos artistas conhecidos mundialmente e podemos visitar com entrada franca. A arte é magnífica e ser mostrada à população por dois meses é maravilhoso! Esta mostra está fantástica!”, comentou.

 

Sobre os artistas

 

Bill Lundberg – Albany, EUA, 1942

 

Um pioneiro no campo da performance, filme e vídeo instalação, Lundberg se envolveu em investigações estéticas que antecedem as de seus contemporâneos mais notáveis, incluindo Gary Hill, Bill Viola e Tony Oursler. Por mais de 40 anos, Lundberg integrou as qualidades formais da pintura, performance e filme para falar sobre a condição humana.

 

Edmilson Nunes – Campos dos Goytacazes, 1964

 

Estudou Arquitetura e Urbanismo na UFRJ, onde teve seu primeiro contato com arte, conhecendo Celeida Tostes e Lygia Pape, entre 1985 e 1990. Em 1992, estudou no núcleo de aprofundamento da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Em 1993, fez sua primeira individual na Galeria Anna Maria Niemeyer. Em 2007, abriu outra mostra individual no Paço Imperial RJ. Desde 2002, faz a direção artística da escola de samba mirim “Pimpolhos da Grande Rio”. Foi professor nas oficinas do Museu do Ingá, de 2003 a 2008. Em 2013, foi convidado para ocupar a varanda do MAC Niterói com a exposição “A Felicidade às vezes mora aqui”, que reuniu importantes artistas, parte de sua trajetória como professor de novas gerações.

 

Jarbas Lopes – Nova Iguaçu, 1964

 

Concluiu seus estudos sobre escultura em 1992, na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio Janeiro. A sua produção reúne esculturas, desenhos, instalações e performances. Também desenvolve projetos conceituais que operam à margem da lógica capitalista, valorizando o pensamento artesanal e a participação do espectador. Na série “A paisano”, por exemplo, ele recupera a prática popular do trançado para construir com tramas multicoloridas imagens que situam-se entre a pintura e a escultura.

 

Marcos Cardoso – Paraty, 1960

 

Formado pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), 1992, frequentou a Oficina de Gravura do Ingá, de 1988 a 1990, e a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, em 1991. Foi aluno e amigo de Lygia Pape, que fez o seguinte relato do artista: “Marcos Cardoso metamorfozeou-se pelo mito do Carnaval e suas máquinas: reciclou pó e pano em palácios e castelos, faz-de-conta sem fim, hoje pura linguagem nobre, mergulhada no sensível, no sonho do alquimista que engendra transtornados objetos arfantes”.

 

Regina Vater – Rio de Janeiro, 1943

 

Em pesquisa que abrange as relações entre sociedade, natureza e tecnologia, Regina Vater desenvolve, ao longo das últimas quatro décadas, um corpo de trabalho complexo e sofisticado que contribui de maneira expressiva para o debate sobre a emergência de uma ecologia midiática nos âmbitos da arte e da vida contemporânea. A natureza poética, ativista e ecológica de sua obra foi sempre tecida em impulsos transmidiáticos, em que a linguagem de cada trabalho se apresenta como mais um desdobramento de seus interesses.

 

 

A Gentil Carioca informa

06/jul

 

 

A equipe d’A Gentil Carioca entrará de férias coletivas a partir do dia 09 de julho de 2022. Retornaremos às atividades no dia 25 de julho, renovados e cheios de energia.

As exposições “Livro de Quartzo”, individual de Rodrigo Torres, Centro, no Rio de Janeiro, e “A Trama da Terra que Treme”, coletiva com curadoria de Victor Gorgulho, Higienópolis, em São Paulo, seguem abertas à visitação nesse período.

Para mais informações, acesse o nosso site.

Até breve!

Equipe Gentil