AGENDA CULTURAL

Exposição Rubens Gerchman

19/jan

A Galeria Evandro Carneiro Arte, Shopping Gávea Trade Center, Rio de Janeiro, RJ, apresenta de 18 de janeiro até 08 de fevereiro, a Exposição Rubens Gerchman. Serão expostas 30 obras do artista, com destaque para as telas Splendor Solis (1971), Nova Geografia (1973) e Ônibus (1962).

Sobre o artista:

“Prefiro sempre dizer que o que faço – minha obra – é meu depoimento diário. Autobiográfico. Costumo dizer que não invento nada. As coisas aí estão. Apenas, é preciso ver, saber ver. Sou constantemente envolvido pelos acontecimentos.” – Rubens Gerchman, 1967, apud. GERCHMAN, Clara (org.), 2013, p. 23.

Rubens Gerchman (1942 – 2008) nasceu no Rio de Janeiro, filho de imigrantes judeus da Ucrânia (URSS à época). Sempre desenhou, desde a tenra infância, até em sala de aula, conforme lembra o seu amigo de escola Armando Freitas Filho – apud. GERCHMAN, Clara (org.), 2013. Seus pais estimularam seu talento e ainda garoto, ele estudou desenho no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. Depois cursou a Escola de Belas Artes, onde já se destacava em exposições coletivas da casa. Daí em diante, nunca parou de criar, em 50 anos de trajetória artística e com toda a pluralidade de sua obra.

Um artista notável que já foi pensado e descrito pelos mais importantes críticos, tais como Mario Pedrosa, Frederico Morais, Wilson Coutinho, Ronaldo Brito e Paulo Sergio Duarte. Ademais, Gerchman tem a sua obra e a sua memória devidamente catalogadas pelo Instituto que leva o seu nome e é cuidadosamente dirigido pela filha Clara, que além de organizar todo o acervo, reconhecidamente dissemina a cultura pujante que envolve o artista pelo website e em publicações institucionais bem produzidas, como o livro Rubens Gerchman: o Rei do Mau Gosto (2013).

Difícil posição esta de tentar escrever sobre esse personagem carioca tão genial, frente ao cabedal de reflexões já existentes. Sugestionada pelo próprio Gerchman, na epígrafe desse texto, pensei em me ater aos fatos, mas a sua trajetória profissional é tão extensa que este folder seria todo tomado pela cronologia das inúmeras exposições que ele realizou, desde a primeira, na Galeria Vila Rica, em 1964, até muito tempo depois de seu precoce falecimento. O Instituto, os colecionadores e o mercado de arte continuam se encarregando de fazer a sua arte aparecer, girar e se mostrar como merece. Coube-me, portanto, a tarefa historiadora de ressaltar aqui algumas memórias, a fim de tentar acrescentar alguma novidade à história desse artista.

Atendo-me à cronologia, primeiramente destaco a exposição do artista na Galeria Relevo, em 1965, não por ter sido mais importante que outras, embora a Relevo tenha sido um marco no mercado de arte. Mas porque eu tinha na cabeça um simpático depoimento de Matias Marcier, coletado por mim há poucos meses, sobre quando ele trabalhava nesse lugar de memória, ainda muito jovem, e organizou a mostra do Rubens Gerchman, numa ocasião em que o Jean Boghici estava em Paris.

“Eu fiz a exposição do Gerchman porque o meu irmão (Carlos André) – que era diagramador da Manchete e também trabalhou como jornalista 13 anos no O Globo – foi colega do Gerchman na Manchete e me pediu “olha, Matias, tem um amigo meu, muito meu amigo, que trabalha lá, e queria fazer uma exposição aí na Relevo”. Eu falei para ele trazer os desenhos para eu ver. O Gerchman chegou com os desenhos, eu gostei muito, e falei com o Jean (Boghici). O Jean falou “não vou me meter nisso, vou viajar, você quer fazer, você faz”. E foi feito. Foi a primeira exposição… porque ele tinha feito uma antes, numa galeria que era um antiquário, da irmã de um crítico de arte que havia naquela época chamado Harry Laus. Mas na Relevo, o cara expôs e saiu em tudo quanto é jornal, porque a Relevo era uma coisa, entendeu? Então, para fazer a apresentação do Gerchman, eu fui pedir ao Mário Pedrosa que não fazia mais apresentações, mas fez essa porque gostava de mim. Escreveu a apresentação do Gerchman, que é linda! O original ficou comigo. Um dia a empregada foi dar uma limpeza no meu quarto, jogou fora junto com um monte de outras coisas. Mas, existe, no catálogo da Relevo, está lá.” (Matias Marcier, entrevista oral em 5/10/23).

No livro Gerchman (Salamandra, 1989), lemos à p. 36 o artista lembrando o fato: “Devo minha exposição individual a Matias Marcier, que levou a minha pasta para Jean Boghici e depois para Mário Pedrosa. Mário foi até a minha casa, ficou encantado com as obras e escreveu um texto”. Seguindo essa trajetória da memória que resolvemos investigar, uma novidade é chamar a atenção para uma mostra realizada em dezembro de 1975, organizada por Evandro Carneiro na Bolsa de Arte. Gráfica era o título da exposição que reunia obras gráficas de todas as fases do artista até aquele ano.

“Nessa época eu alternava, na Bolsa de Arte, leilões e exposições. Fiz inúmeras exposições e o Gerchman era de uma fertilidade enorme, ele estava produzindo gravuras em São Paulo e também ia começar a fazer coisas com a Lithos aqui no Rio – que eram os grandes impressores da época, o Otávio Pereira em São Paulo e a Lithos aqui no Rio -, então eu propus fazermos essa exposição da obra gráfica dele. E ficou muito bonita, a loja era muito grande, ficou repleta de gravuras. Nesse tempo eu não fazia catálogo e fizemos um poster que dobrava, dobrava, dobrava até virar um folder. Era um folder que se abria em poster e atrás tinha um texto da exposição, mas infelizmente eu não guardei o original e não sei se lá na Bolsa os materiais foram conservados. Mas foi uma magnífica exposição porque a obra gráfica do Rubens é riquíssima!” (Evandro Carneiro, entrevista oral em 15/12/23). Garimpamos no Acervo Digital de O Globo a matéria que nos relembra toda essa história. Repassamos o documento para o Instituto Rubens Gerchman guardar e incluir na cronologia profissional do artista. As memórias vão sempre conformando a história que cresce, infinitamente. Para o artista, o evento teve a importância de democratizar suas obras e se fazer conhecer mais: “Gráfica é uma oportunidade de mostrar o conjunto da minha obra, abrangendo um grande período E tenho o maior carinho por todos os trabalhos que estão lá. A validade de todas as gravuras continua, embora algumas já estejam distantes de mim no tempo. (…) Eu sempre me interessei por gráfica. Meu pai trabalhava nisso e, quando eu entrei para a Escola de Belas Artes, foi apenas por causa do Goeldi. Então eu comprei uma prensa de 800 quilos numa gráfica que estava fechando. (…) e além de eu curtir gráfica, há também o fato de que ela torna a obra mais acessível. É bem mais democrática.” (Rubens Gerchman, 1975, matéria em O Globo de 10/12/1975, p. 33).

Nessa linha minêmica, atrevo-me a compartilhar uma lembrança pessoal. O famoso quadro O Rei do Mau Gosto, capa do livro do Instituto, por longos anos esteve agraciando as paredes da sala de estar da casa dos meus pais. Dizia o artista sobre essa obra: “A ideia é um pouco de provocação, mexer com uma certa arrogância da burguesia, incomodar mesmo. Eu fiz Caixa e Cultura – o Rei do Mau Gosto. É a primeira vez que aparecem asas de borboleta e as bananeiras com dois papagaios. Acho que todo esse clima, quando Hélio cunha o termo tropicália tem a ver com aquelas bananeiras que ele botou depois na entrada.” Rubens Gerchman, 1967, apud. GERCHMAN, Clara (org.), 2013, p. 86.

Mas foi outra obra sua que me impactou na infância, naquele mesmo apartamento: Os desaparecidos. Eu morria de medo daquela pintura porque os olhos dos retratados me acompanhavam aonde quer que eu andasse pela sala. Aquilo me assombrava! Hoje, pelos estudos que realizei sobre o artista, percebo que deve ter sido intenção do Gerchman imprimir aqueles olhares fantasmagóricos à obra, afinal disso se tratava: a denúncia contra os desaparecimentos políticos, pintada em série durante o período da ditadura militar. Uma fantasmagoria, conforme Walter Benjamin.

Frederico Morais destaca que: “(…) a importância de sua obra vai além do campo estético. Esse rio transbordante de imagens que é a sua obra tem implicações sociológicas e políticas, da mesma maneira como falam de nosso imaginário e do inconsciente brasileiro. O que pode mais desejar um artista?” – Frederico Morais, 1986, apud. GERCHMAN, Clara (org.), 2013, p. 39.

Nesse sentido, importa notar algo grandioso que Gerchman também realizou: transformou o Instituto de Belas Artes na vanguardista Escola de Artes Visuais. E fez dali um espaço de criação transdisciplinar entre as mais diversas expressões artísticas, movimentando a cena cultural da cidade nos anos de chumbo. Criou um espaço de liberdade, resistência e encontro no Rio de Janeiro nos anos 1975-1979.

A mostra que ora apresentamos, organizada por Evandro Carneiro em sua galeria, traz uma diversidade do universo desse artista brasileiro que produzia obras tão importantes quanto plurais, tanto esteticamente quanto sociologicamente. Assim, o acervo aqui reunido tenta dar conta dessa pluralidade temática e temporal: da questão indígena, recorrente nos anos 1970 quando ele lia e relia o Brasil pela ótica do admirado antropólogo Levi Strauss, aos calorosos beijos e bancos de trás de fortuitos carros de passeio. Das malas e outros objetos a serem completados pelo espectador às multidões urbanas e ciclistas. Dos desaparecidos políticos às enormes palavras construídas em trocadilhos, brincadeiras semânticas na criação do espaço formal. Do futebol às violências cotidianas de crimes e destruição ecológica. Estão na mostra o Splendor Solis, reproduzido no catálogo de sua mostra do MAM-RJ, o primeiro Beijo escultórico que foi de seu amigo Gilles Jacquard e algumas outras preciosidades de cada década de sua trajetória.

“O que eu acho do Gerchman? Acho um artista magnífico! Sempre tivemos amizade, sempre tive obras dele. O simples fato de eu fazer uma exposição póstuma na minha galeria diz tudo: tenho o maior respeito e a maior admiração por ele”. (Evandro Carneiro, entrevista oral em 15/12/23).

Laura Olivieri Carneiro

Janeiro 2024

Fábio Miguez na Nara Roesler Rio

A Nara Roesler, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, exibe até 17 de fevereiro a exposição “Construtor de memória”, individual de Fábio Miguez que reúne em torno de 30 pinturas realizadas ao longo de 2023, e que representam novos desdobramentos da sua série “Atalhos”. Os exemplares mais recentes da pesquisa se dividem em dois percursos principais desenvolvidos a partir de seu campo referencial pessoal e afetivo: pinturas em pequeno formato, de releituras de fragmentos de obras de mestres renascentistas, e experimentos combinatórios e geométricos derivados da planificação esquemática de volumes.

Mais do que o nome de uma série, “Atalhos” é um conceito norteador da prática de Fábio Miguez. “Atalhos” permite a junção de trabalhos formando sentenças. Dependendo da vizinhança, eles ganham, inclusive, outro sentido. Essa é a ideia do atalho, a passagem de um campo referencial a outro, que se dá na criação desses conjuntos propondo possivelmente novos sentidos”, explica o artista.

Nos últimos anos, Fábio Miguez tem se dedicado a releituras feitas a partir de fragmentos de obras de mestres renascentistas como Simone Martini, Giotto, Fra Angelico e Piero della Francesca.

O Brasil em foco no MAR

09/jan

Apresentada pelo Instituto Cultural Vale e o Banco de Desenvolvimento da América Latina e Caribe (CAF), a mostra agora em cartaz no MAR, conta com a curadoria de Lilia Schwarcz, Paulo Vieira, Márcio Tavares, Rogério Carvalho e com o acompanhamento curatorial de Marcelo Campos, Amanda Bonan e Amanda Rezende, da equipe do MAR, que contribui com 68 obras da coleção, sendo que 18 delas nunca foram expostas ao público, como um oratório do século XVIII e um adorno do povo Baniwa, do século XX.

As questões da igualdade, da diversidade, da conquista dos direitos civis, bem como políticas de reparação, acolhimento e cidadania são os temas que perpassam a exposição Brasil Futuro: As formas da democracia, no Museu de Arte do Rio, Centro, Rio de Janeiro, RJ, até 03 de março.

Com o sucesso da parceria com o MAR, a Organização de Estados Ibero-americanos para a Educação, a Ciência e a Cultura (OEI) e o CAF assinaram um memorando de entendimento ampliando as ações no setor cultural para toda a América Latina e Caribe. O Museu de Arte do Rio pertence à Prefeitura do Rio de Janeiro e sua gestão é feita pelo organismo internacional desde 2021. Brasil Futuro é dividida em três núcleos e conta com mais de 250 obras de artistas consagrados como Djanira, Mestre Didi, Tarsila do Amaral, juntamente com contemporâneos como Denilson Baniwa, Bastardo, Victor Fidélis e Daiara Tukano que integram a mostra.

Para o Museu de Arte do Rio, receber uma exposição que coloca em pauta as questões da democracia brasileira é extremamente importante e necessário. “A história da retomada da democracia no Brasil através da arte é o ponto de partida de Brasil Futuro. Para o Museu de Arte do Rio é, sem dúvida, essa mostra ajudará a promover para os nossos visitantes um debate que trata prioritariamente da democracia, dos direitos humanos e da igualdade. Tais temas corroboram com a missão do Museu de Arte do Rio de ser um espaço de trocas de conhecimento e da pluralidade”, afirma Leonardo Barchini, Diretor e Chefe da Representação da Organização de Estados Ibero-americanos para a Educação, a Ciência e a Cultura (OEI) no Brasil, instituição que faz a gestão do MAR.

MUSEU DE ARTE DO RIO

O MAR é um museu da Prefeitura do Rio e a sua concepção é fruto de uma parceria entre a Secretaria Municipal de Cultura e a Fundação Roberto Marinho. Em janeiro de 2021, o Museu de Arte do Rio passou a ser gerido pela Organização de Estados Ibero-americanos (OEI) que, em cooperação com a Secretaria Municipal de Cultura, tem apoiado as programações expositivas e educativas do MAR por meio da realização de um conjunto amplo de atividades. A OEI é um organismo internacional de cooperação que tem na cultura, na educação e na ciência os seus mandatos institucionais. “O Museu de Arte do Rio, para a OEI, representa um espaço de fortalecimento do acesso à cultura, ao ensino e à pluralidade intimamente relacionado com o território ao qual está inserido. Além de contribuir para a formação nas artes e na educação, tendo no Rio de Janeiro, com sua história e suas expressões, a matéria-prima para o nosso trabalho”, comenta Leonardo Barchini, diretor da OEI no Brasil. Após o início das atividades em 2021, a OEI e o Instituto Odeon celebraram a parceria com o intuito de fortalecer as ações desenvolvidas no museu, conjugando esforços e revigorando o impacto cultural e educativo do MAR, a partir de quando o Instituto Odeon passa a auxiliar na correalização da programação. O MAR tem o Instituto Cultural Vale como mantenedor, a Equinor, o Itaú Unibanco e a Globo como patrocinadores master, e a Nadir Figueiredo como patrocinadora. São os parceiros de mídia do MAR: a Globo e o Canal Curta. A Machado Meyer Advogados e a Icatu, via Lei Federal de Incentivo à Cultura, também apoiam o MAR. O MAR conta ainda com o apoio da Prefeitura do Rio de Janeiro, do Governo do Estado do Rio de Janeiro, do Ministério da Cultura e do Governo Federal do Brasil, também via Lei Federal de Incentivo à Cultura.

Arquitetura e feminismos

21/dez

Organizada pelo Instituto Cervantes, a exposição com arquitetas, urbanistas e artistas ocupará o Instituto de Arquitetos do Brasil, Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, até fevereiro de 2024.
Depois de ser exibida em Porto Alegre e Brasília, a exposição “Arquitetura e feminismos. Sem princípio nem fim”, organizada pelo Instituto Cervantes, chega ao Instituto de Arquitetos do Brasil (IAB), no Rio de Janeiro. Apresentando projetos de urbanismo, design e arquitetura sob uma perspectiva feminista. A curadoria de Semíramis González traz obras das criadoras espanholas e latino-americanas Ana Gallardo, Costa Badía, Julia Galán, Col-lectiu Punt 6, Colectivo offmothers, e os projetos “Women’s New European Bauhaus” – coordenado por Inés Sánchez de Madariaga -, “Madrid ciudad de las mujeres”, de Marián López Fdz. Cao e “Musas de vanguardia”, de Mara Sánchez Llorens e Luciana Levinton. Arquitetas, urbanistas e artistas, todas elas percorreram um longo caminho para reivindicar espaços feministas em edifícios e ruas, dando prioridade a outras formas de construir o mundo.
Baseada nas palavras da arquiteta ítalo-brasileira Lina Bo Bardi, a proposta está comprometida com essa concepção “sem começo nem fim”, entendendo a arquitetura, o planejamento urbano e a criação como uma possibilidade múltipla, contínua, interseccional e sem hierarquias patriarcais.
Segundo Semíramis González, “esta exposição apresenta projetos que trabalham no eixo feminista e interseccional, desde a nova configuração das cidades com uma perspectiva de gênero, até o transporte urbano, a genealogia das mulheres arquitetas do passado ou a realidade das mulheres artistas em suas vidas, em seus espaços e nas ruas. Isso nos aproxima de algo tão comum quanto os lugares que habitamos, levando em conta o ponto de vista daqueles que tradicionalmente têm sido ignorados e propondo alternativas mais feministas”.
Houve uma performance com a Colab La Perereka (um coletivo transfeminista), e um colóquio com a participação da curadora, Semíramis González, e uma das artistas, Mara Sánchez, que veio para o Brasil especialmente para a ocasião, com tradução simultânea, tendo Marcela Abla, presidente do IAB, como moderadora.

Sobre a curadora
Semíramis González (Gijón, 1988) é curadora independente e gestora cultural especialista em questões de gênero, que se encarregou de selecionar as obras de várias artistas e coletivos de artistas contemporâneos, destacando a ideia de que a arquitetura e o feminismo são dois eixos para habitar os espaços de forma mais sustentável, igualitária e justa.

Sobre a perfomance
Colab La Perereka, um coletivo transfeminista carioca apresentou a performance “A cidade que mora em mim” (“La ciudad que habita en mí”), uma ação site especific dirigida pela artista, pesquisadora e jornalista espanhola Laura Corcuera, criada especialmente para a mostra com três artistas feministas cariocas. Esta ação artística busca contribuir para a expansão de formas poéticas de ativismo político e social. Título: “A cidade que mora em mim”. Direção: Laura Corcuera. Artistas participantes: Marta Moura, Muca Vellasco e Clarice Rito.

As pesquisas de Thiago Rocha Pitta

A Danielian Galeria, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, apresenta até 17 de fevreiro de 2024, a exposição “A Aurora de um Dia Seguinte”, com 19 obras inéditas e recentes do artista Thiago Rocha Pitta.

Um dos mais celebrados artistas brasileiros, atuante no circuito nacional e internacional de arte, o mineiro que vive e trabalha no Rio e em Petrópolis, ganha uma antologia de seus trabalhos recentes e inéditos, dentro de sua pesquisa dedicada ao meio ambiente e sua destruição. Com curadoria de Paulo Azeco, a mostra tem 19 trabalhos – incluindo dois conjuntos: um com 24 fotografias, e outro com 24 afrescos (técnica de pintura com cal, areia, água e pigmentos sobre aerolam), além de aquarelas e uma escultura em tecido petrificado – e vai ocupar o espaço térreo do pavilhão construído na Danielian Galeria, com 200 metros quadrados e pé direito de 4,5 metros. Há dez anos, o trabalho do artista se expandiu ao criar a Fundação Abismo, na Serra dos Órgãos, organização sem fins lucrativos, em que produz suas obras em diálogo com o alto nível de umidade, tempo imprevisível e densa vegetação tropical típica da altitude, com um projeto de educação ambiental, junto à rede escolar da região. Já são sete as obras instaladas no local.

Inauguração de uma plataforma tranversal

13/dez

: Gabriela Machado 2015

O Arte Clube Jacarandá e a Lagoa Aventuras convidam para a abertura, no dia 16 de dezembro, às 11h, para a exposição “Corpo Botânico”, com curadoria do artista Vicente de Mello, que inaugura a sede do Arte Clube Jacarandá no Parque da Catacumba, na Lagoa Rodrigo de Freitas, Rio de Janeiro, RJ.

Na ocasião, será apresentado o projeto arquitetônico de Zanini de Zanine e Pedro Coimbra, para a construção em 2024 da sede do Arte Clube Jacarandá para os próximos 25 anos, em parceria com a Lagoa Aventuras, concessionária do Parque da Catacumba desde 2009. O Arte Clube Jacarandá é uma plataforma transversal para exposições, reflexões e publicações, que congrega artistas visuais diversos, criado em 2014, sob a sombra da mangueira do ateliê de Carlos Vergara.

Até a construção da sede permanente no local, o Arte Clube Jacarandá ocupará com exposições temporárias o Pavilhão Victor Brecheret. Os artistas com obras em “Corpo Botânico” são: Aderbal Ashogun, Adriana Varejão, Afonso Tostes, Ana Bia Silva, Ana Kemper, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Antonio Manuel, Arjan Martins, Ayla Tavares, Barrão, Beth Jobim, Brígida Baltar, Cabelo, Carlos Vergara, Dayse Xavier, Deborah Engel, Denilson Baniwa, Everardo Miranda, Fernanda Gomes, Fessal, Gabriela Machado, Getúlio Damado, Herbert De Paz, Jacques Jesion, Joelington Rios, José Bechara, Luiz Zerbini, Luiza Macedo, Lynn Court, Mãe Celina de Xangô, Manauara Clandestina, Marcela Cantuária, Marcos Chaves, Maria Laet, Maria Nepomuceno, Mariana Manhães, Moara Tupinambá, Mulambö, Nathan Braga, Opavivará, Oskar Metsavaht, Paulo Vivacqua, Rafael Adorján, Raul Mourão, Rosana Palazyan, Siri, Tadáskía, Victor Arruda, Vitória Taborda, Waltercio Caldas e Xadalu Tupã Jekupé.

Arte abstrata brasileira

Em comemoração aos 70 anos da primeira exposição de arte abstrata feita no Brasil, a Danielian Galeria, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “Abstrações Utópicas”, com aproximadamente 80 obras de mais de 50 importantes artistas, que exploraram o universo da abstração e criaram as bases desta vertente artística, presente até hoje em nosso cenário cultural, e berço da arte contemporânea brasileira. Com curadoria de Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto, com consultoria de Anna Bella Geiger, que além de ter participado da exposição de 1953, no Quitandinha, em Petrópolis, também é autora junto com Fernando Cocchiaralle do livro-referência sobre o assunto.

Atuante aos 90 anos, Anna Bella Geiger ganhará uma mostra especial, inaugurando o segundo andar do pavilhão recém-construído atrás da casa principal na Danielian Galeria, onde estarão telas e “Macios”, em que vem desenvolvendo suas experiências no campo da pintura nos últimos 30 anos.

Entre os artistas da vertente abstração geométrica estão os que integraram nos anos 1950 os grupos Ruptura, de São Paulo, Frente e o movimento Neoconcreto, do Rio de Janeiro, como Ivan Serpa, Lygia Clark, Lygia Pape, Hélio Oiticica, Décio Vieira, Aluísio Carvão, Franz Weissmann e Abraham Palatnik (Rio), e Geraldo de Barros, Hermelindo Fiaminghi, Lothar Charoux, Luiz Sacilotto (São Paulo). Dos artistas informais estarão presentes obras de Antonio Bandeira, Iberê Camargo, Fayga Ostrower, Manabu Mabe, Maria Polo, Frans Krajcberg, Flávio Shiró e Glauco Rodrigues, entre muitos outros.

Um Diálogo Artístico Inovador

08/dez

A NONADA ZN, encerrando sua agenda expositiva de 2023, exibe duas mostras distintas que convergem em um espaço de exploração artística único. A exposição coletiva “Caos Primordial”, sob curadoria de Carolina Carreteiro, e a individual “Nada mais disse”, de Raphael Medeiros, estarão em exibição nas três salas expositivas e no Galpão, respectivamente, no térreo da fábrica da Penha, Rio de Janeiro.

“Caos Primordial” é uma exposição coletiva que reúne mais de 40 artistas notáveis, cada um contribuindo para uma narrativa coletiva que se desdobra sob o novo paradigma estético apresentado por Félix Guattari em “Caosmose”. As cerca de 80 obras, entre pintura, escultura, instalação, fotografia e vídeo arte, são assinadas por nomes como Alexandre Canônico, Allan Pinheiro, Amorí, Ana Matheus Abbade, André Barion, Andy Villela, Anna Bella Geiger, Bruno Alves, Bruno Novelli, Camila Lacerda, Chacha Barja, Cipriano, Daniel Mello, David Zink Yi, Ernesto Neto, Fabíola Trinca, Iah Bahia, Lucas Almeida, Luisa Brandelli, Mariano Barone, Marta Supernova, Melissa de Oliveira, Miguel Afa, Nati Canto, Olav Alexander, R. Trompaz, Rafael D’Aló, Rafael Plaisant, Raphael Medeiros, Rena Machado, Richard Serra, Rubens Gerchman, Samara Paiva, Siwaju, Tatiana Dalla Bona, Thiago Rocha Pitta, Tiago Carneiro da Cunha, Túlio Costa,Tunga, Varone e Zé Bezerra que participam deste diálogo artístico sob uma curadoria perspicaz. A abstração radical emerge como uma ruptura profunda com as tradicionais concepções de arte e pensamento, baseadas no paradigma da separação. Esta mesma abstração convida-nos a explorar as dobras entre o caos e a ordem, transformando a estética em um terreno de experimentação que desafia categorias pré-estabelecidas. A curadora Carolina Carreteiro destaca que, “…sob essa perspectiva, a estética se torna uma ferramenta para experimentação e pesquisa, transcendendo os limites da compreensão convencional e criando a partir do próprio caos criativo. “Caos Primordial” é um evento multifacetado, representando uma abordagem diversificada e inovadora no cenário artístico contemporâneo”.

“Nada mais disse” de Raphael Medeiros

No Galpão da NONADA ZN, em exibição “Nada mais disse”, a primeira exposição individual de Raphael Medeiros. Este trabalho híbrido transcende as definições convencionais de um filme, apresentando uma instalação cinematográfica composta por pinturas, esculturas e um roteiro. Medeiros faz anotações sobre a linguagem do cinema para além da moldura do plano, convidando os espectadores a explorar a linguagem cinematográfica em sua totalidade.

Obs: Para uma experiência ideal, recomenda-se visitar o Galpão ao anoitecer, quando a condição de luz oferece a atmosfera perfeita para apreciar a instalação em toda a sua profundidade.

A galeria

NONADA, um neologismo que remete ao não lugar e a não existência, também abre “Grande Sertão: Veredas”, de Guimarães Rosa e a união desses conceitos representa o pensamento basilar desse projeto. Como o próprio significado de NONADA diz, ela surge com o intuito de suprir lacunas momentâneas ou permanentes acerca de um novo conceito. A galeria, inclusiva e não sectária, enquanto agente promotor de encontros e descobertas com anseio pela experimentação, ilustra possibilidades de distanciar-se de rótulos enquanto amplia diálogos. “NONADA é um híbrido que pesquisa, acolhe, expõe e dialoga. Deixa de ser nada e passa a ser essência por acreditar que o mundo precisa de arte… e arte por si só já é lugar”, definem João Paulo, Ludwig, Luiz e Paulo. A NONADA mostrou-se necessária após a constatação, por seus criadores, da imensa quantidade de trabalhos de boa qualidade de artistas estranhos aos circuitos formais e que trabalham com os temas do hoje, sem receio nem temor em abordar temas políticos, identitários, de gênero ou qualquer outro assunto que esteja na agenda do dia; que seja importante no hoje. “Queremos apresentar de forma plural novos talentos, visões e força criativa”. O processo de maturação do projeto da NONADA foi orgânico e plural pois “abrangeu desde nossa experiência como também indicações de artistas, curadores, e de buscas onde fosse possível achar o que aguardava para ser descoberto”, diz Paulo Azeco.

Museu da República exibe Yoko Nishio

A Galeria do Lago, no Museu da República, Catete, Rio de Janeiro, RJ, exibe – até 10 de março de 2024 – a exposição “Corpo Formoso”, com 11 pinturas inéditas da artista carioca Yoko Nishio, que faz sua primeira exposição individual, depois de ter participado de diversas coletivas no próprio Museu da República, no Centro Cultural Correios de Niterói e no Sesc Teresópolis, entre outros reconhecidos museus e galerias.

Com cores fortes e vibrantes, em tinta a óleo sobre tela, as pinturas, têm como tema a relação entre o corpo e a cidade, destacando os ornamentos que a artista vê nas pessoas e nos lugares, combinados às suas memórias e fabulações. Estão retratados nas obras a feirante de Vila Isabel, com sua tatuagem no braço; pai e filho arrumados para uma festa em Cabuçu, em Nova Iguaçu; corpos que caminham na multidão de Calolé, na Bahia; as senhoras que conversam no bairro do Encantado, no Rio de Janeiro, com estampas combinando com os ornamentos das fachadas; o bar em Madureira, cujos azulejos ornam com as roupas dos frequentadores; o homem que mostra orgulhoso a tatuagem com nome de seu filho no pescoço, entre muitos outros.

“O olhar interessado e atento de Yoko encontra nos anônimos que percorrem as ruas de cidades também sem identificação alguma, o objeto de seu interesse. O corpo se faz formoso porque é essencial. É necessário que a beleza e o cuidado prevaleçam sobre tudo que pode nos derrotar. Encontrar o prazer de enfeitar muros, casas, corpos ou vestimentas é uma maneira de dizer ao empobrecimento, às perdas diárias que sofremos, às muitas faltas na vida, que nada é mais forte do que a vontade de superar. Procurar a alegria das cores e estampas faz parte de uma cultura de sobrevivência que o olhar da artista captura e compartilha com a mesma alegria”, afirma a curadora Isabel Portella.

Yoko Nishio sempre teve na vida urbana, nas cidades e nas pessoas a inspiração para o seu trabalho artístico. “Minha pesquisa tem esse aspecto de campo, de andar, procurar, fotografar, conversar, o ateliê é só mais uma etapa de uma construção que começa muito antes”, conta a artista, que também é professora e pesquisadora. Desta forma, os trabalhos sempre surgem na rua. E não foi diferente com esta nova série. Em Belém do Pará, ao ver uma pessoa ornamentada com diversas estampas, iniciou a pesquisa que deu origem aos trabalhos que são apresentados na atual exposição. Apesar de ter começado a partir de uma estampa, a série fala sobre os ornamentos de forma geral. “Não é só estampa, também está na pele, na tatuagem, nos acessórios, como brincos, colares, pulseiras, e também nas cidades, nas superfícies das casas, dos bares, nos pisos, nas grades”, explica a artista, que completa: “São muito corpos, é o meu corpo, o corpo do outro e o corpo da cidade”.

Os títulos das obras são os nomes dos locais onde os ornamentos foram encontrados, que inclui muitos bairros do Rio de Janeiro e vários outros estados brasileiros, mostrando a diversidade dos corpos, das cores, dos ornamentos, nas pessoas e nas cidades. Para realizar os trabalhos, a artista vai para as ruas de diversas cidades, fotografa o que chama a sua atenção, tanto de maneira mais posada, como também colocando a câmera mais baixa, na altura do seu corpo, de forma a mostrar o que seu corpo está vendo. “As faces nem sempre me interessam tanto, mas sim estar entre os corpos, por isso às vezes há alguns cortes, pois coloco a câmera mais baixa, de maneira que não pareça uma fotografia e sim meu corpo andando e captando todos aqueles ornamentos”, diz.

Durante a pesquisa, a artista lembrou do famoso livro “Ornamento e crime”, escrito em 1908 pelo arquiteto austríaco do início do século XX Adolf Loos, que afirmava que a ornamentação era uma prática de povos primitivos, de criminosos e de outros degenerados. Nos seus termos, as sociedades mais desenvolvidas e modernas deveriam rejeitar os usos da ornamentação na produção de suas roupas, casas e instrumentos. “Hoje, seu argumento é compreendido como uma fala impregnada por preconceitos social-darwinistas, racistas e coloniais. Ornar nos faz ver profundamente o cotidiano e onde está a resistência a ele; ornar desobedece a essas normatizações; ornar é in.corporar o agir. E essa expressão do movimento do corpo atravessa a cidade. Eis um convite: azulejos, grades, tatuagens, vestidos florais, enfeites, chão, piso, pele. A cidade também é corpo e caminhar pelas ruas faz com que o corpo ganhe contornos, já que a vida urbana é feita das relações corpo-cidade”, afirma Yoko Nishio. Para não associar seus trabalhos à teoria de Loos, de quem discorda totalmente, a artista optou por usar no título da mostra a palavra “formoso” ao invés de ornamento. “Quando comecei a pensar o que seria este corpo ornamentado, entendi que é um corpo que quer sorrir e cheguei na palavra formoso, um adjetivo que está na boca das pessoas mais velhas e está associado à beleza, a estar bem, a estar feliz. O corpo formoso é um corpo que sorri, que vibra, decora, para produzir alegria, felicidade. Isso não quer dizer que não tenha precariedade, dificuldade, luta, tristeza, mas apesar disso tudo a gente vai botar o ornamento para tentar sorrir”, diz a artista.

Sobre a artista

Yoko Nishio vive em Vila Isabel, leciona na Escola de Belas Artes da UFRJ e no seu ateliê, no Santo Cristo, zona portuária do Rio de Janeiro. Suas pinturas discutem cidade e violência e suas últimas exposições coletivas incluem “Nem Sempre Dias Iguais”, no Museu da República (Rio de Janeiro, 2022), “No (Entre) Tempo das Imagens”, no Sesc Teresópolis (Rio de Janeiro, 2022), “Brasil Delivery” e “Primavera Tua”, ambas no Espaço Travessia, do Instituto Municipal Nise da Silveira (Rio de Janeiro, 2022), “Salão Ver-Ão”, na Galeria Oasis, (Rio de Janeiro, 2022), “Nas águas que se escondem”, no Espaço Cultural dos Correios Niterói (Rio de Janeiro, 2019), “9º Salão dos Artistas Sem Galeria”, nas galerias Zipper e Sankovsky (São Paulo, 2018) e Orlando Lemos (Minas Gerais, 2018), “Abre Alas 14″, na galeria A Gentil Carioca (Rio de Janeiro, 2018). Atualmente é representada pela Diáspora Galeria, localizada em São Paulo.

Sobre a curadora

Isabel Sanson Portella é graduada em museologia pela UNI-RIO (1989-1992), com especialização em História e Arquitetura do Brasil pela PUC-RJ (1995-1996), Mestrado (1998-2000) e Doutorado (2006-2010) em Crítica e História da Arte pela Escola de Belas-Artes/UFRJ. Atualmente é Coordenadora e curadora da Galeria do Lago Arte Contemporânea do Museu da República (IBRAM). Crítica e curadora independente desde 2005, com textos e entrevistas em várias publicações (catálogos, periódicos e livros), elaborou textos de diversas exposições, entre elas: Intervenções Urbanas Bradesco ArtRio 2015 e 2016 e da exposição “Aquilo que nos une”, no Centro Cultural da Caixa Federal-SP. Em 2022, foi co-curadora do Projeto Decorporeidade: poéticas artísticas da deficiência selecionado no apoio às artes da DGArtes, Portugal e 2023 foi autora de um artigo sobre acessibilidade no livro “Hackeando o Poder”, de Pamnella Castro.

Acessibilidade

Com o objetivo de promover a acessibilidade, a exposição contará com mediação acessível e todas as obras terão audiodescrição, disponibilizada através de QR Code. A ideia é proporcionar uma paisagem sonora e uma vivência com a obra para todos os públicos. A produção é de Camilia Oliveira e da antropóloga Bárbara Copque, com narração de Ana Paula Conde e Yoko Nishio.

Destaque para Anna Bella Geiger

07/dez

A artista plástica Anna Bella Geiger ganha mostra especial de seu trabalho com pinturas e “macios” e integra coletiva “Abstrações Utópicas”, na Danielian Galeria, Gávea, Rio de Janeiro, RJ.

Ativa aos 90 anos, Anna Bella Geiger é a única artista remanescente da histórica “1ª Exposição de Arte Abstrata”, no Brasil, em 1953, no Quitandinha, em Petrópolis, RJ. Por isso, ela ganha uma homenagem especial na Danielian Galeria, com uma mostra dedicada a sua produção de telas e “Macios”, em que vem desenvolvendo suas experiências no campo da pintura nos últimos 30 anos. A exposição de Anna Bella Geiger inaugura o segundo andar do pavilhão recém-construído atrás da casa principal na Danielian Galeria.

Anna Bella Geiger também é consultora e integra a exposição “Abstrações Utópicas”, que a Danielian Galeria apresenta em sua casa principal, com aproximadamente 80 obras de mais de 50 importantes artistas, que exploraram o universo da abstração e criaram as bases desta vertente artística, presente até hoje em nosso cenário cultural, e berço da arte contemporânea brasileira.

A curadoria das duas mostras é de Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto. As exposições ficarão em cartaz até 17 de fevereiro de 2024.