AGENDA CULTURAL

Arte contemporânea e artistas indígenas.

29/jan

Trama: Lygia Pape & Porangatu.

A Gomide&Co, São Paulo, SP, em parceria com a coleção Porangatu, apresentar “Trama”, uma exposição que propõe um diálogo inédito entre bancos de madeira produzidos por etnias indígenas em sua maioria do Alto Xingu e obras da série Tecelares (1953-1960), de Lygia Pape. A apresentação tem texto crítico de Camila Bechelany e expografia do escritório de arquitetura Acayaba + Rosenberg Arquitetos. A abertura acontece no dia 10 de fevereiro e a exposição segue em cartaz até 13 de março.

“Trama” reúne mais de dez bancos de madeira produzidos por etnias diversas da Amazônia brasileira, como Assurini, Karajá, Mehinako, entre outras localizadas no Alto Xingu e arredores. Os exemplares são provenientes da coleção Porangatu, criada por Maria Feitosa Martins. “Minha família coleciona arte indígena há mais de 20 anos, motivada pelo interesse em explorar paralelos e conexões entre a arte moderna e contemporânea e a rica produção de artistas indígenas”, comenta Maria Feitosa Martins, que desenvolveu a Porangatu entre 2022 e 23 na intenção de aprofundar esse eixo da coleção da família.

Os bancos de madeira apresentados na exposição evidenciam a sofisticação técnica e simbólica dessa produção ancestral, resultado de práticas transmitidas entre diferentes povos originários da Amazônia e de seu entorno. Geralmente esculpidos a partir de um único tronco e muitas vezes concebidos na forma de animais, entidades espirituais ou estruturas geométricas, eles incorporam grafismos realizados por entalhe, pirografia ou pigmentos naturais – registros que expressam histórias, cosmologias e conhecimentos transmitidos ao longo de gerações.

No cotidiano dessas comunidades, os bancos atuam simultaneamente como objetos de uso e como marcadores sociais e rituais, indicando posições de liderança ou servindo de suporte para práticas xamânicas. Inseridos hoje no campo ampliado da arte e do design, esses assentos tornam visível o protagonismo indígena e reafirmam a relevância de seus repertórios estéticos na formação da cultura brasileira, convocando o público a reimaginar – e reflorestar – o próprio imaginário.

No contexto de aproximações proposto pela exposição, a série “Tecelares”, de Lygia Pape, surge como um eixo fundamental de diálogo. Realizadas em xilogravura, as obras da série partem da exploração da chamada “linha-corte”, em que a incisão na madeira – gesto físico, direto e irreversível – estrutura composições geométricas que tensionam rigor e sensibilidade, cálculo e matéria viva. Nos Tecelares, a geometria neoconcreta não se afirma como abstração pura, mas como resultado de um fazer que responde a veias, resistências e acidentes do suporte, instaurando uma noção de espaço construída pelo corpo e pela ação. É nesse ponto que se delineiam paralelos possíveis com os bancos indígenas: tanto nas gravuras de Lygia Pape quanto nesses objetos ancestrais, a madeira não é mero suporte, mas agente ativo de sentido; e o grafismo, longe de ser decorativo, constitui um sistema de conhecimento incorporado no gesto, na repetição e na transmissão. Assim, a exposição evidencia modos distintos, porém igualmente complexos, de compreender o mundo como trama, onde se entrelaçam forma, matéria e experiência.

“Trama” destaca-se ainda por estabelecer conexões entre três eixos recorrentes no programa curatorial da Gomide&Co: a investigação de objetos de mobiliário a partir de uma perspectiva conceitual e estética; a valorização de repertórios culturais e visuais de povos originários; e a proposição de novas leituras sobre a obra de nomes centrais da arte moderna e contemporânea brasileira, em especial vinculados aos movimentos Concreto e Neoconcreto. Como observa Bechelany, “…o exercício de aproximação dos Tecelares (1953-1960) com os bancos indígenas da coleção Porangatu não busca síntese ou harmonização entre objetos de universos culturais tão distintos, mas sim uma fricção produtiva entre geometria e gesto, entre modernidade e ancestralidade, entre obra e corpo”, reafirmando o caráter crítico e relacional que estrutura a exposição.

Equilíbrio entre o traço, a cor e o vazio.

A Simões de Assis, São Paulo, Curitiba e Balneário Camboriú, anuncia a representação de Marcia de Moraes (São Carlos, Brasil, 1981). A artista desenvolve uma pesquisa centrada na linguagem do desenho, suas composições podem, à primeira vista, parecer abstratas, mas são construídas a partir de um léxico visual acumulado ao longo dos últimos vinte anos de pesquisa. Este vocabulário de formas tem origem figurativa, mas chegam ao papel liquefeitas e flácidas, afastando-se de qualquer reconhecimento imediato.

A construção do desenho se dá a partir de uma conversa entre artista e trabalho, chegando a um entendimento mútuo das necessidades da composição e atingindo um equilíbrio entre o traço, a cor e o vazio. Estes três elementos são constantemente tensionados ao longo do processo e se organizam em uma hierarquia em constante alternância. É a partir dessa oscilação que cada desenho ganha corpo: o traço e o vazio como espinha dorsal e ossos de sustentação, a cor como a carne que os envolve, e o limite do papel como a pele – o ponto exato em que corpo e desenho se encerram.

Entre suas principais exposições individuais estão “Ponto de Osso”, Instituto Artium; “Matriz”, Galeria Leme; “A Terceira”, CCBB São Paulo; “Elaine Arruda e Marcia de Moraes: Cheio de Vazio”, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo; “À Deriva no Azul, Carpe Diem Arte e Pesquisa”, Lisboa, e “Saint Clair Cemin / Marcia de Moraes: Correspondance Bresiliènne”, VL Contemporary, Paris.

Foi contemplada com diversos prêmios, entre os quais se destacam o Edital PROAC – Artes Visuais, o Pollock-Krasner Foundation Grant e o Prêmio Funarte de Arte Contemporânea. Suas obras integram acervos importantes como a Coleção Swiss Re, São Paulo; Ministério das Relações Exteriores, Brasília e Museu de Arte de Ribeirão Preto (MARP).

Artistas de distintos gêneros e gerações.

A Galeria Nara Roesler São Paulo convida para a abertura, no dia 05 de fevereiro, às 18h, da exposição “Telúricos”, com curadoria de Ana Carolina Ralston, que selecionou trabalhos de dezesseis artistas – entre nomes consagrados internacionalmente – como Richard Long (um dos pioneiros da landart), Not Vital e Isaac Julien -, ou no circuito nacional, como Brígida Baltar (1959-2022) e Amelia Toledo (1926-2017), e artistas convidados, oriundos de várias partes do país.

Ana Carolina Ralston destaca que “Telúricos” propõe a ativação de outros sentidos, além do olhar, e estão na mostra esculturas olfativas e também sonoras. Os artistas, de distintos gêneros, lugares, gerações e suportes são, além dos já mencionados: Alessandro Fracta, amorí, Ana Sant’anna, C. L. Salvaro, Denise Alves-Rodrigues, Felipe Góes, Felippe Moraes, Flávia Ventura, Karola Braga, Kuenan Mayu e Lia Chaia.

A exposição traz mais de 40 trabalhos, muitos deles inéditos, que, em vários suportes. A curadora menciona o pensador Bruno Latour (1947-2022), para quem “…a matéria terrestre não é um simples suporte, mas um agente de vontade, um núcleo de energia ativa que convoca metamorfoses e insurgências; uma força subterrânea que não é apenas cenário, mas protagonista”.

Na primeira sala, estará a escultura “Moon” (2017), em mármore branco, do suíço Not Vital, perto das três obras de Richard Long, seu amigo e um dos pioneiros da land art, criadas em 2024. Nas paredes, duas pinturas inéditas de Ana Sant’anna – “O instante que paira” e “Nut”, “…paisagens que misturam nosso imaginário e espaços telúricos”, ressalta a curadora. A videoinstalação “Enterrar é plantar”, de Brígida Baltar, com quatro telas, registra sua ação de “enterrar suas memórias”, e acompanha dois desenhos da artista. A instalação “Canto das ametistas”, de Amelia Toledo, com seus blocos de ametistas no chão, foi escolhida por sua ressonância mineral e espiritual, característica do trabalho da artista. Na parede frontal, a fotografia “Under Opaline Blue” de Isaac Julien.

Na passagem entre as salas, atravessando o percurso do público, estará a instalação “Antes de afundar, flutua”, feita por C. L. Salvaro, especialmente para o espaço da exposição, com planta, terra, entulho e tela de arame. Uma parte da obra ficará próxima ao chão, e outra suspensa, de modo a permitir a passagem dos visitantes por baixo dela. Ana Carolina Ralston assinala que a exposição se fundamenta em um conceito do filósofo Gaston Bachelard, em seu livro “A Terra e os Devaneios da Vontade”: “A imaginação telúrica cava sempre em profundidade; ela não se contenta em superfícies, precisa descer, pesar, resistir”.

Até 12 de março.

Linguagem plástica e pesquisas.

28/jan

A artista Marina Ribas apresenta “Nada é de n0vo”, uma nova configuração da exposição homônima realizada em 2023, agora no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Centro, Praça Tiradentes, Rio de Janeiro, RJ. Em consonância com a ideia que atravessa a pesquisa da artista e o próprio título da exposição, a mostra inclui cerca de 15 obras de diferentes fases de sua trajetória, somando trabalhos inéditos a obras anteriores.

Tendo o ovo como signo central, a exposição investiga ideias de origem, ciclos, fertilidade e a latência do que está por vir. Como forma arquetípica, o ovo se afirma também como geometria orgânica de origem natural, tensionando matéria, volume e espaço arquitetônico ao longo da exposição. A linguagem plástica se desdobra por meio de múltiplas técnicas, como esculturas; pinturas em relevo de espuma solidificada; instalações; totens; performance; e fotografia. Não é proposto um percurso curatorial fechado: o público é convidado a construir sua própria leitura a partir das relações entre as obras, dos materiais e das espacialidades.

Parte da exposição reúne registros de ações performáticas realizadas por Marina Ribas em diferentes contextos urbanos e institucionais. Nessas intervenções – denominadas infiltrações poéticas – ovos produzidos por ela se relacionam com obras clássicas e contemporâneas em escolas de arte, museus e praças públicas. As fotografias impressas em canvas e o vídeo apresentados na mostra operam simultaneamente como vestígios dessas ações e como trabalhos autônomos. Ao deslocar um gesto efêmero para o campo da permanência, a artista propõe um manifesto silencioso em homenagem às artistas historicamente invisibilizadas ou inviabilizadas na narrativa da História da Arte segundo a perspectiva europeia, levantando questionamentos em torno de temas como autoria, circulação e legitimação no sistema da arte.

Até 07 de fevereiro.

MAM São Paulo na Pinacoteca do Ceará.

27/jan

Vídeos da doação Chaia.

Dando continuidade à parceria entre o Museu de Arte Moderna de São Paulo e a Pinacoteca do Ceará, a mostra de vídeos “Corpo e cidade em movimento” parte da doação da coleção de Vera e Miguel Chaia para o MAM em 2025. A curadoria foi realizada em diálogo com Miguel Chaia e o resultado é quase um filme. Utilizamos critérios semelhantes às de uma exposição de objetos, colocando lado a lado obras para criar novas relações e outros significados. A mostra tem a especificidade de um filme, já que está centrada na noção de “montagem”, em que uma sequência de vídeos autônomos dialogam um com o outro formando um grande conjunto inusitado.

A sessão está dividida em cinco partes: uma abertura, com o vídeo de Cinthia Marcelle, que aponta para o entrelaçamento e o encontro de diferentes grupos que se complementam, seguida por três blocos: “Retratos poéticos”, em que o corpo dos artistas está em evidência; “Paisagens políticas”, em que a cidade e questões da vida em sociedade são os protagonistas; e “Experiências de linguagem”, em que a própria linguagem do vídeo é explorada de modo mais explícito. A sessão se encerra com o filme de Cao Guimarães, “Sin peso”, em que toldos coloridos e vozes de comerciantes de rua se misturam como uma síntese do conjunto. A mostra apresenta um pequeno recorte de 14 vídeos dentre os 75 que integram a doação. As obras da coleção Chaia recebidas pelo MAM inauguram um novo momento para o acervo do museu ao quase triplicar sua coleção de vídeos. “MAM São Paulo na Pinacoteca do Ceará” é um modo não apenas de dar visibilidade ao vídeo como suporte da arte, mas também uma oportunidade de reflexão sobre essa produção contemporânea em um formato de exibição diferente da sala de exposições.

Cauê Alves – curador

Sobre a curadoria.

Cauê Alves é mestre e doutor em Filosofia pela FFLCH-USP. Professor do Departamento de Artes da FAFICLA-PUC-SP, é curador-chefe do Museu de Arte Moderna de São Paulo e coordenador do grupo de pesquisa em História da Arte, Crítica e Curadoria (CNPq). Publicou diversos textos sobre arte, entre eles no catálogo Mira Schendel (Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Pinacoteca de São Paulo e Tate Modern, 2013). Foi curador-chefe do Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia (MuBE, 2016-2020), curador assistente do Pavilhão Brasileiro na 56ª Bienal de Veneza (2015) e curador adjunto da 8ª Bienal do Mercosul (2011).

Vera Chaia e Miguel Chaia fizeram mestrado e doutorado em Ciências Sociais na Universidade de São Paulo – USP. Ambos são professores da Faculdade e da Pós Graduação em Ciências Sociais da PUC-SP e autores de artigos e livros. Ele leciona também no curso de Arte: História, Crítica e Curadoria na mesma universidade e participa de vários conselhos de relevantes instituições de arte em São Paulo. São pesquisadores do Núcleo de Estudos em Arte, Mídia e Política – NEAMP.

Artistas.

Berna Reale, Cao Guimarães, Carmela Gross, Cinthia Marcelle, Giselle Beiguelman, Guilherme Peters e Sansa Rope, Lia Chaia, Lucas Bambozzi, Marcelo Cidade, Nicole Kouts, Rafaela Kennedy, Rodrigo Cass, Sara Ramo, Shai Andrade, Tiago Rivaldo.

Foco na arte moderna e contemporânea.

A exposição “Vetores” reúne um conjunto expressivo de obras que atravessam diferentes períodos da arte moderna e contemporânea. São nomes de movimentos e grupos marcantes da arte brasileira, como o Concretismo, o Neoconcretismo, o Grupo Ruptura e a geração 1980, além de figuras proeminentes dos modernismos internacionais.

Sob curadoria de Antonio Gonçalves Filho, diretor cultural da Almeida & Dale, a mostra é distribuída em três núcleos – dedicados à escultura, pintura e outro à fotografia e gravura – e ocupa dois espaços da galeria na rua Fradique Coutinho, São Paulo, SP, articulando obras do modernismo como vetores de renovação e experimentação que reverberam na produção contemporânea dos últimos quarenta anos.

No núcleo escultural, obras de Ernesto de Fiori, José Damasceno, José Resende, Lygia Pape, Nelson Felix, Sergio Camargo, Sérvulo Esmeraldo, Tunga, Victor Brecheret, Willys de Castro situam a tridimensionalidade como campo de experimentação contínua: da síntese volumétrica às operações de corte, dobra, suspensão ou repetição, as peças evidenciam modos distintos de pensar o espaço como matéria.

O grupo dedicado à pintura reúne artistas que, cada um a seu modo, expandiram o entendimento do plano pictórico: Aluísio Carvão, Arcangelo Ianelli, Cássio Michalany, Carlos Cruz-Diez. Dudi Maia Rosa, Eduardo Sued, Eleonore Koch, Judith Lauand, Lothar Charoux, Mira Schendel, Paulo Pasta, Rodrigo Andrade e Volpi dialogam com figuras internacionais como Frank Stella e Lucio Fontana. A curadoria traça conexões entre o raciocínio concreto e o gesto incisivo de Lucio Fontana e a busca do neoconcretismo pela conquista do espaço e abandono do plano. Outro caminho apontado conecta a pintura norte-americana às gerações que marcaram a retomada experimental da pintura no Brasil, com nomes como Dudi Maia Rosa, Paulo Pasta e Rodrigo Andrade.

No terceiro núcleo, a fotografia e a gravura aparecem como zonas onde tempo, luz e memória operam como vetores próprios. Trabalhos de Miguel Rio Branco e Hiroshi Sugimoto expandem a noção de imagem ao colocá-la em relação com atmosferas, ritmos e presenças que ultrapassam o registro documental. Outra conexão entre este núcleo e o restante da mostra é feira por um “Metaesquema” de Hélio Oiticica.

Reunidos, esses três conjuntos não visam oferecer uma genealogia definitiva, mas servem como um panorama, ora ancorado em leituras fundamentais da historiografia da arte, ora propondo relações insuspeitas. Vetores apresenta o Modernismo como uma força em movimento – um impulso que continua a gerar desdobramentos, encontros e novas possibilidades artísticas.

Laura Lima no Institute of Contemporary Arts.

“The Drawing Drawing”, é a primeira exposição individual de Laura Lima no Institute of Contemporary Arts (ICA), em Londres. A mostra reúne instalações performativas nas galerias Superior e Inferior do ICA e tem como eixo central uma nova comissão que reconfigura a aula tradicional de desenho de modelo vivo, dissipando as fronteiras entre público e obra de arte. Trabalhos como Ascenseur (2013) e uma cena relacionada ao Balé Literal integram a exposição, marcada por movimento, descoberta poética e imprevisibilidade.

Na quarta-feira, 28 de janeiro, às 18:45, a artista conversa com Andrea Nitsche-Krupp, curadora do ICA London, sobre sua prática e o processo criativo da exposição. “Laura Lima: The Drawing Drawing” conta com o apoio do British Council e do Instituto Guimarães Rosa, como parte da Temporada de Cultura Reino Unido-Brasil 2025-26.

Sobre a artista.

Laura Lima escancara a melancolia da miséria humana: obra da distância, da falta de contato entre indivíduos e do adiamento incessante da satisfação do desejo.

Lisette Lagnado, Obra da Distância, 2000.

Artista brasileira, Laura Lima vive e trabalha no Rio de Janeiro, RJ. Seres vivos e arquitetura são alguns dos elementos integrantes da obra de Laura Lima, que inclui em seu ofício como artista a “práxis” vital do tempo da experiência – participante e do espectador na obra – e o fazer filosófico, variando de meios – desde bordados à mão a organizações ativistas e chamamentos abertos -, e utilizando ferramentas técnicas que expõe um contraste poderoso com suas referências visuais. Transformar o espaço em uma obra viva, um organismo abrangente, na qual a experiência do espectador no ambiente construído é central para o significado da obra, é um exemplo de apresentação criada por Laura Lima.

Até 29 de março.

O apagamento e objetificação das mulheres.

26/jan

Liane Roditi apresenta Dobras e Desdobras no Centro Cultural Correios Rio de Janeiro. A exposição “Dobras e Desdobras”, é a primeira exibição individual de Liane Roditi, com curadoria de Isabel Sanson Portella, que inaugura no dia 28 de janeiro. Nessa mostra a artista investiga as relações entre corpo, memória e matéria, abordando estruturas de silenciamento, apagamento e objetificação das mulheres.

Ao longo de “Dobras e Desdobras”, a articulação entre vídeos, objetos, performances e instalações transforma o espaço em uma composição contínua entre corpo e matéria. “Nada é mais importante do que compreender as dualidades”, afirma Isabel Sanson Portella. “Nada nos representa mais do que o entendimento do nosso corpo como extensão da natureza. O corpo existe também nos restos, nos vestígios, e fica inscrito na memória.” A exposição propõe, assim, um percurso de desafios e escolhas, um mergulho em vozes e silêncios, desenvolvendo e desdobrando questões que o tempo e a sociedade insistem em apagar.

Sobre a artista.

Liane Roditi nasceu em 1967, carioca, bailarina e artista visual, vive e trabalha no Rio de Janeiro. Graduada em Dança pela Faculdade da Cidade, estudou na Escola de Belas Artes da UFRJ e frequenta cursos regulares na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Participou de exposições coletivas, entre elas Encontrar a Solidez, na Galeria Anita Schwartz, Rio de Janeiro, com curadoria de Bruna Costa (2025). Foi selecionada pela Chamada Aberta da Apexart, em Nova York (EUA), para a mostra The Uterus is also a Fist (2026), com curadoria de Talita Trizoli e Renata Freitas, junto ao coletivo GAF. Sua trajetória inclui também participações em residências artísticas, com destaque para a temporada no Vermont Studio Center, em Johnson, EUA (2024).

Em cartaz até 14 de março.

no Victoria & Albert Museum.

23/jan

O artista Jonathas de Andrade exibiu, no Victoria and Albert Museum, em South Kensington, Londres, três de seus filmes: “Jangadeiros e Canoeiros” (“Rafters and Canoers”, 2025, 15 min), “Jogos Dirigidos” (“Directed Games”, 2019, 26 min), e “Olho da Rua” (“Out Loud”, 2022, 25 min) com apresentação ao vivo da trilha sonora com os músicos Homero Basílio, Antonio José do Rego Barreto Filho e Emerson Rodrigues da Silva. A exibição com apresentação musical integrou o “Brasil Contemporâneo: Simpósio e Concerto de Cinema”, que reuniu importantes artistas, curadores e músicos do Brasil para explorar a prática fotográfica contemporânea, o cinema e o som ao vivo, dentro do programa do V&A Photography Centre, que dialoga com práticas globais de fotografia e imagem em movimento

Jonathas de Andrade apresentou-se com a artista Rosângela Rennó, além dos curadores e pesquisadores Thyago Nogueira e Daniele Queiroz dos Santos, para discutir uma série de projetos curatoriais e comissionados pelo Museu, oferecendo uma visão sobre os contextos culturais, políticos e artísticos que moldam a prática visual contemporânea no Brasil.

Em 2023, Catherine Troiano, curadora do departamento de fotografia do Victoria and Albert Museum, convidou Jonathas de Andrade para uma pesquisa comissionada, e assim ele pode realizar o trabalho a que estava se dedicando. O resultado pôde ser visto na exposição “Permanência Relâmpago”, na Nara Roesler São Paulo, em setembro e outubro de 2025, e em novembro no Victoria and Albert Museum, que passou a abrigar em seu acervo as obras produzidas por Jonathas de Andrade. O MOCA (The Museum of Contemporary Art) de Los Angeles comprou o filme “Jangadeiros e Canoeiros” para sua coleção. E ainda “Jangadeiros e Canoeiros” vai integrar o prestigioso Festival Internacional de Filmes de Rotterdam, em sua 55ª edição, entre 29 de janeiro a 8 de fevereiro de 2026. Jonathas de Andrade foi convidado por Vanja Kaludjercic, diretora do Festival.

Uma exposição de audiovisual expandido.

“A gruta, a ilha”, uma exposição multimídia que segue em cartaz até o final de fevereiro, no Sesc Copacabana, terá conversas entre as artistas e cineastas Darks Miranda e Mariana Kaufman e convidadas, com entrada gratuita. Na primeira rodada, no dia 28 de janeiro, quarta-feira, às 18h30, será em torno das pesquisas das autoras Sara Ramos, Juliana Fausto e Janaína Oliveira nos campos do Cinema, das Artes Visuais e da Literatura em diálogo com o universo especulativo da mostra.

A gruta, a ilha.

Em um ambiente de penumbra, o visitante se encontra experimentando o universo ficcional, fantástico e sombrio de duas personagens femininas que inventam mundos e sugerem viagens tanto espaciais quanto temporais. É dentro dessa atmosfera que as artistas e cineastas Darks Miranda e Mariana Kaufman apresentam “A gruta, a ilha”, exposição de audiovisual expandido com curadoria da artista e professora Anna Costa e Silva. Tendo como base a produção em vídeo das duas artistas, “A gruta, a ilha” conta também com esculturas, objetos e instalações que, juntamente com as projeções audiovisuais, compõem o universo da exposição.

Para além de exercerem uma prática artística híbrida, em diferentes mídias, Mariana Kaufman e Darks Miranda, que acaba de ganhar o Prêmio Pipa 2025, têm trabalhado em torno das ideias de imaginação e fantasia como propulsoras da invenção de outros tempos e espaços, a partir da força criadora da arte.

Até 22 de fevereiro.

Exposição multimídia “A gruta, a ilha” recebe convidadas no Sesc Copacabana, artistas e cineastas Darks Miranda e Mariana Kaufman, Anna Costa e Silva, Para além de exercerem uma prática artística híbrida, em diferentes mídias, Mariana Kaufman e Darks Miranda, que acaba de ganhar o Prêmio Pipa 2025, têm trabalhado em torno das ideias de imaginação e fantasia como propulsoras da invenção de outros tempos e espaços, a partir da força criadora da arte.