O multiartista Patrick Conrad, belga de origem, também escritor e cineasta consagrado internacionalmente, abre sua primeira exposição individual no Brasil na Pinacoteca Municipal de Porto Alegre, RS. Patrick Conrad exibe cerca de uma centena de obras já realizadas em solo nacional distribuídas em técnicas diversas com especial destaque para suas inusitadas composições de cunho acentuadamente surrealista. Trabalhos de forte impacto visual de construção e desconstrução da figura humana expressas em uma escrita altamente personalizada.
AGENDA CULTURAL
Blinded by the Light na Casa da Cultura de Comporta.
A Fortes D’Aloia & Gabriel convidou a Mendes Wood DM para colaborar na quinta edição de sua mostra anual de verão em Comporta, Portugal. “Blinded by the Light” – em cartaz até 30 de agosto – é uma exposição coletiva que percorre a relação entre luz e sombra, explorando seu poder transformador como forças capazes de alterar tanto o ambiente físico quanto os estados psicológicos. Nesse contexto, a paisagem torna-se um espaço de transformação, onde fenômenos de percepção, memória e tempo convergem.
No cenário sociopolítico contemporâneo, experiências de sobrecarga sensorial e privação semântica se entrelaçam e disputam nossa apreensão da realidade. O ato de obscurecer e revelar torna-se não apenas uma exploração formal, mas também uma metáfora para as configurações turbulentas de Estados, fronteiras, logísticas sociais e imperativos políticos que regem o momento atual. As obras apresentadas em “Blinded by the Light” navegam pelo espectro entre o brilho e a sombra, o claramente definido e o nebuloso. A exposição abrange uma variedade de mídias, da pintura e fotografia à escultura e ao cinema.
A mostra apresenta obras inéditas de Laís Amaral, Paloma Bosquê, Rodrigo Cass, João Maria Gusmão, Marina Perez Simão, Marina Rheingantz, Maaike Schoorel, Pol Taburet, Antonio Tarsis e Janaina Tschäpe, além de trabalhos recentes de Nina Canell, Matthew Lutz-Kinoy, Leticia Ramos, Mauro Restiffe, Erika Verzutti, e pinturas históricas de Frank Walter.
Idealizado por Maria Ana Pimenta, sócia e diretora internacional da Fortes D’Aloia & Gabriel, o projeto Comporta estreou em 2021 e desde então se consolidou como uma plataforma vibrante de intercâmbio artístico, indo além dos modelos tradicionais de exposição. Instalado na Casa da Cultura – um antigo celeiro de arroz transformado em espaço cultural, parte da Fundação Herdade da Comporta – o projeto mistura arte contemporânea com a atmosfera única da região, proporcionando um ritmo mais lento e contemplativo de fruição. Enraizado na abertura e no diálogo, o projeto reflete o espírito colaborativo da galeria, fomentando parcerias significativas com instituições que compartilham dessa mesma visão. Esse formato flexível permite um processo curatorial mais intuitivo e cultiva sinergias únicas, incentivando novas conversas com parceiros afins. Ao longo dos anos, a Mostra de Verão de Comporta tornou-se um ponto de encontro para colecionadores, curadores, artistas e galeristas, oferecendo um ambiente mais espontâneo e orgânico do que os circuitos formais de feiras e galerias de arte.
A exposição de 2025 será acompanhada por um ensaio de Cindy Sissokho, curadora e produtora cultural que co-curou o Pavilhão Francês na 60ª Bienal de Veneza em 2024.
Figuras imaginadas de Zélio Alves Pinto.
Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra – em cartaz até 15 de agosto – reúne cerca de 20 obras do artista Zélio Alves Pinto realizadas nas últimas décadas do século XX, em técnicas como pintura, desenho, xilogravura e colagem. Trata-se da primeira individual do artista em mais de 10 anos.
A Galeria MAPA, Consolação, São Paulo, SP, inaugura a exposição “ZÉLIO. Imagens e figuras imaginadas”, dedicada à produção do artista Zélio Alves Pinto produzidas entre os anos 1980 e 2000. A mostra, com curadoria de Agnaldo Farias, reúne cerca de 20 obras em técnicas diversas, como pintura, desenho, xilogravura e colagem, e lança foco sobre um período de inflexão em sua trajetória, na qual o artista desloca a prática gráfica cotidiana para uma pesquisa mais contínua e autoral no campo das artes visuais.
Reconhecido por sua atuação múltipla, Zélio Alves Pinto construiu desde os anos 1960 uma trajetória que abrange o cartum, a publicidade, o design gráfico e a direção institucional. Colaborou com publicações nacionais e internacionais como O Pasquim, Senhor, Le Rire (Paris) e Punch Magazine (Londres). A partir dos anos 1970, passou a dedicar-se com maior regularidade à produção artística, realizando exposições em instituições como MASP, MAM-RJ, Museu Real da Bélgica e em Nova York. Essa circulação entre linguagens e contextos fornece um repertório visual que permeia sua produção com referências cruzadas.
A curadoria de Agnaldo Farias propõe uma leitura concentrada nas relações visuais que organizam a obra de Zélio nesse momento. O conjunto apresentado evidencia procedimentos recorrentes – como o uso da linha como contorno e estrutura, a justaposição entre formas orgânicas e elementos gráficos, e a aparição de figuras ambíguas, entre o humano e o fabuloso. Trata-se de um recorte específico, que não busca retrospectiva, mas observação aprofundada de um período onde artista reinventa modos de narrar por meio da imagem. Com mais de uma década desde sua última exposição individual, “ZÉLIO – Imagens e figuras imaginadas” representa a reabertura pública de um segmento expressivo da produção do artista, articulando obras pouco vistas e outras ainda inéditas em São Paulo.
A investigação poética de Rodrigo Pivas.
O Museu da Imagem e do Som, Jardim Europa, São Paulo, SP, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugurou a terceira exposição do projeto Nova Fotografia 2025: “Entre sombras encontro luz”, do fotógrafo Rodrigo Pivas. Com entrada gratuita, a mostra ficará em cartaz até o dia 17 de agosto.
A partir da cidade como tema, Rodrigo Pivas elege as feiras livres na capital paulista como territórios de investigação poética e visual. Iniciada em 2021, a série “Entre sombras encontro luz” apresenta o cotidiano das feiras através das cores, detalhes, formas e gestos moldados e realçados pela luz. Num procedimento que acentua o chiaroscuro barroco, Rodrigo Pivas observa como a luz natural, aliada aos toldos e prédios, realiza recortes que enfatizam o contraste entre claridade e sombra. Na exposição, as 27 imagens parecem se fundir à parede, o que intensifica o destaque da luz sobre os detalhes e objetos que, em geral, passam despercebidos.
“Uma vez por semana retorno ao mesmo local. Um mundo de cores, sabores, texturas e sons com os mais variados sotaques, o mais popular comércio de rua da cidade e do país, a feira. Vista não apenas como um ponto de comércio de produtos alimentícios, mas essencialmente enquanto local de encontro e confraternização. Sua capacidade de proporcionar, ao mesmo tempo, a interação social e o intercâmbio cultural entre indivíduos de uma mesma comunidade ou mesmo de comunidades vizinhas. O recorte da luz, banhando seus elementos e personagens, conduz meu olhar nessa jornada, entendendo as diferentes características e unindo suas semelhanças através da fotografia”, diz Rodrigo Pivas sobre sua série fotográfica.
Sobre o artista.
Rodrigo Pivas é formado em Fotografia e Vídeo pelo SENAC-SP. Atua como fotógrafo freelancer nas áreas de Arquitetura e fotojornalismo. Em seu trabalho autoral, desenvolve projetos que exploram a relação do indivíduo com o espaço urbano e com a cultura popular, por meio da fotografia de rua.
Obras inéditas de Karin Lambrecht.
10/jul
A galeria Nara Roesler, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, convida para a abertura da exposição “A Intimidade da Luz”, de Karin Lambrecht. A artista, que há oito anos mora na costa sudeste da Inglaterra, mostra um conjunto de 24 obras inéditas, em pintura e aquarela, criadas em 2025 e 2024. Presente em importantes coleções institucionais no Brasil e no exterior, Karin Lambrecht trabalha sozinha em seu ateliê, sem assistentes, em silêncio, e as pinturas atuais – com suaves camadas de tinta, sobrepostas uma a uma – “são mais meditativas” e celebram a vida e a natureza, condensando o passado, o presente e o futuro, que ela gosta de “imaginar melhor para a humanidade”. O texto crítico que acompanha a exposição é de Fernanda Lopes.
A abertura será no dia 15 de julho e a mostra ficará em cartaz até 09 de agosto. Em 2024, Karin Lambrecht ganhou a individual “Seasonsof the Soul” (“Estações da Alma”), no Rothko Museum, em Daugavlpils, Letônia, e ela ainda participa da coletiva “Geometrias”, no Museu de Arte de São Paulo (MASP), São Paulo, SP.
A pintura “Butterfly” (2025), em pigmentos em resina acrílica sobre lona, e medindo 1,70 metro de altura por 2,05 metros de comprimento, ocupa um lugar central na exposição, acompanhada de uma frase da artista, escrita em vinil na parede: “Pintura vive na intimidade da luz e dorme junto a nós à noite”.
Fernanda Lopes escreve que “as obras que Karin Lambrecht apresenta nesta exposição parecem estar murmurando algo”. “Elas estão impregnadas do marulho da Ilha de Thanet, na costa sudeste da Grã-Bretanha, onde a artista reside desde 2017. Também ressoam nessas superfícies camadas, vestígios e memórias de todo o tempo dedicado a cada uma delas no ateliê, e toda a história à qual ela se remete. Aqui, tudo parece estar vivo, tudo parece se mexer. Mesmo que em um movimento de tempo mais lento, quase meditativo”.
Karin Lambrecht diz que o seu trabalho agora é “um elogio à natureza”. “Tento mostrar a baleia, a concha, a areia, o mar, porque o mar fica bem pertinho da minha casa, e depois porque a Inglaterra é tão velha e antiga, tem um toque fantasmagórico. Quando eu vou para a praia, à tardinha, no inverno, tem muito limo, muita alga. Não é que nem no Brasil, em que a areia é quentinha. Aqueles penhascos são altos, têm limo, e são brancos”.
Prêmio PIPA 2025.
Premiação ocorre desde 2010 e é considerada um dos mais importantes eventos da arte contemporânea brasileira; Bora e Haddad, que atualmente estão na Unidos de Vila Isabel, são os primeiros carnavalescos a ganhar o prêmio do júri.
Existem fronteiras entre as chamadas “artes carnavalescas” e a “arte contemporânea”? Gabriel Haddad e Leonardo Bora acreditam que não – e a crença nos transbordamentos artísticos que eles defendem acabou de ser reconhecida com um dos mais importantes prêmios da arte brasileira, o PIPA 2025. Os carnavalescos, à frente do projeto artístico da Unidos de Vila Isabel para o desfile de 2026, foram anunciados como ganhadores do prêmio, sendo a primeira vez que artistas cujos trabalhos de maior destaque que foram criados para o Carnaval vencem a premiação.
Tal prêmio é uma iniciativa do Instituto PIPA, criado em 2010, para destacar e promover a arte contemporânea brasileira. Este prêmio tem como objetivos, segundo a sua apresentação oficial, “incentivar artistas, motivar a sua produção e valorizar o cenário artístico nacional”. Anualmente, depois que um júri de pesquisadores é formado, uma lista de indicados é divulgada. Os nomes elencados passam a ter o conjunto da sua produção artística recente observado e avaliado. Dessa lista, quatro artistas (individuais ou coletivos) são premiados pelo júri. Para Ganriel Haddad, a premiação revela uma mudança de olhar para o complexo artístico dos desfiles das escolas de samba:
“Recebemos essa notícia com muita alegria e com muita emoção, porque é a primeira vez que artistas cujos principais trabalhos estão assentados no Carnaval ganham esse importante prêmio da arte contemporânea brasileira. Para nós, os desfiles das escolas de samba são, é claro, uma manifestação artística contemporânea. Que sempre foi contemporânea e esteve na vanguarda, disputando a cidade, pautando os temas do país sob múltiplos olhares, contando histórias, promovendo debates públicos, inventando tecnologias, fundindo linguagens, enfim, muita coisa. Por isso é estranho pensar que nós, carnavalescos, muitas vezes não somos lidos como “artistas”. É incrível, mas às vezes as pessoas perguntam: “vocês são artistas?” Ou então usam a palavra “artista” como forma de diferenciação, numa tentativa esquisita de expressar um elogio, não numa dimensão de trabalho. Isso revela um olhar excludente e hierarquizante, ainda preso a noções enferrujadas como “alta” e “baixa cultura” ou “cultura popular” e “cultura erudita” – noções essas que, no Brasil, se conectam às estruturas do racismo e do classismo que historicamente quiseram diminuir a importância do samba, do carnaval e das suas linguagens artísticas. Ganhar esse importante prêmio não deixa de revelar, portanto, uma mudança de olhar, um reconhecimento. Cada desfile de escola de samba é construído por muitos artistas – infelizmente, a maioria permanece no anonimato. Se esse olhar para o nosso trabalho levantar novos e plurais debates sobre as potências artísticas das escolas de samba, já ficamos orgulhosos. Por isso é que também recebemos essa notícia com muita responsabilidade.” – Declara Gabriel Haddad.
Leonardo Bora e Gabriel Haddad foram os carnavalescos campeões do carnaval de 2022, na Acadêmicos do Grande Rio, desenvolvendo um enredo sobre Exu que firmou parcerias artísticas e se desdobrou em diferentes exposições. Leonardo Bora também comemorou o prêmio e falou sobre a sensação de fazer parte de uma continuidade:
“As artes carnavalescas ocupam o Rio de Janeiro, promovendo instalações gigantescas e atos performáticos, tecendo tapetes humanos, desenhando, pintando e esculpindo imagens que moldam o nosso imaginário, contando histórias em prosa, verso, música e dança…tudo isso há muito, muito tempo. Nós, carnavalescos, trabalhamos com linguagens artísticas plurais, que se renovam a cada dia, no calor dos barracões e na agitação dos ateliês. Na década de 1980, a inventividade de Fernando Pinto gerou uma exposição e alguns debates sobre a natureza daquele trabalho – se era ou não era arte. Algo que hoje nos parece absurdo! Joãosinho Trinta e Rosa Magalhães participaram de bienais e fizeram exposições, nos anos 90. Mais recentemente, Leandro Vieira ocupou o Paço Imperial e foi indicado para o Prêmio PIPA de 2020. Quando eu e Gabriel vemos o nosso trabalho artístico, que tem dimensões individuais e coletivas, exposto no Museu de Arte do Rio, no SESC Pinheiros ou no CCBB, entendemos que isso é um processo. A premiação do PIPA é um outro passo nessa caminhada ainda tão longa, jamais um ponto de chegada. Desejamos que o nosso trabalho continue conectando artistas e propondo discussões, provocando os sentidos e as certezas das pessoas, desafiando. Nós já trabalhamos em colaboração com pessoas que foram indicadas ou mesmo ganharam o PIPA. Celebramos a entrada nessa lista e a nossa trajetória até hoje, mas não podemos nos dar ao luxo do deslumbramento nem queremos acomodação. O nosso lema é fazer arte e as artes do carnaval são de uma potência infinita.” – finaliza Leonardo Bora.
O trabalho da dupla tem características marcantes, que pavimentaram o caminho que levou ao PIPA: a construção de narrativas circulares que dialogam com as memórias das próprias escolas, a desconstrução e o uso alternativo de materiais, o gosto por formas inusitadas, o apreço pelas técnicas artesanais, pelas sobreposições e pelos saberes tradicionais, o uso expressivo da iluminação cênica, o trabalho em colaboração com outros artistas etc. A partir de agora, os atuais carnavalescos da Unidos de Vila Isabel, juntamente com os outros artistas premiados, terão uma agenda de trabalho que culminará em uma exposição coletiva cujos detalhes ainda não foram revelados. A empolgação é grande, como define Gabriel Haddad:
“Estamos preparando um enredo sobre um multiartista brasileiro, Heitor dos Prazeres, alguém que misturava artes e foi premiado na primeira Bienal de São
Conversa com Ernesto Neto.
08/jul
Nesta terça-feira, dia 08 de julho, o Farol Santander, Porto Alegre, RS, recebe o artista Ernesto Neto para a palestra “Os pássaros gêmeos do bambu do conhecimento éter é nós”.
Em um formato de conversa, Ernesto Neto apresentará um panorama sobre a sua trajetória e sobre a sua obra que dá título à palestra e faz parte da exposição “Cinco Elementos”, em exibição no Farol Santander POA.
A atividade acontece a partir das 18h30, na Arena do Farol Santander, é gratuita e aberta ao público em geral. As vagas serão preenchidas por ordem de chegada, com prioridade para estudantes e professores da rede pública. A palestra contará com a presença de intérprete de LIBRAS.
Ampla exposição da trajetória de Leandro Machado.
O Museu de Arte do Rio Grande do Sul – MARGS, instituição da Secretaria de Estado da Cultura do RS -Sedac, apresenta a exposição “Leandro Machado – Hospícios e balneários (é preciso uma aldeia inteira para educar uma criança)”. A inauguração será no dia 12 de julho quando em evento que marca também a reabertura do 2º andar do Museu.
Contemplando um panorama da produção de Leandro Machado (Porto Alegre, 1970), esta é a primeira exposição dedicada a uma compreensão mais ampla de sua trajetória e produção, sendo também a sua primeira mostra individual apresentada pelo MARGS. Assim, a seleção de obras abrange desde o início de sua atuação nos anos 1990 até o presente, como parte do processo de recuperação do acervo após a enchente de 2024. A exposição tem curadoria de Francisco Dalcol, e da curadora-assistente, Cristina Barros, com produção e preparação de obras de José Eckert, do Núcleo de Curadoria, e envolvimento de todos os setores do Museu.
Sobre o artista e a exposição.
Leandro Machado desenvolve sua obra transitando entre pintura, desenho, objeto, colagem, fotografia, procedimentos gráficos, apropriação, escrita, som, performance e intervenção, além de empregar a experiência do andar e do deslocamento como expediente artístico. Nessa prática e produção diversificadas, seus trabalhos reverberam temas e questões que encontram um sentido mais amplo de urgência política. Seja a partir de sua condição e da reflexão sobre sua ancestralidade, seja pela leitura crítica dos sistemas de poder e das relações de desigualdade social-racial.
Já programada antes da enchente de 2024, esta exposição acontece também agora como parte do processo de recuperação do acervo após os danos da inundação parcial do térreo do Museu.
Tadáskía exibe seu vocabulário plástico.
Para sua primeira exposição individual na França, a artista brasileira Tadáskía ocupará uma das salas históricas do Castelo de Rochechouart.
Nascida no Rio de Janeiro em 1993, Tadáskía é uma artista multidisciplinar cuja prática abrange desenho, pintura, escultura e poesia. Mulher trans afrodescendente, Tadáskía nutre seu trabalho com histórias pessoais, que reflete por meio de um vocabulário abstrato, orgânico e extravagante. Seu universo nos mergulha em paisagens místicas, verdadeiras odes à natureza e suas transformações.
Em Rochechouart, a artista fará sua exibição nos painéis de madeira de um salão do século XVIII. Ela improvisará uma composição em carvão e spray, inspirada em borboletas noturnas (mariposas), símbolos da união entre iluminação e escuridão, e da busca pela liberdade. Esse ambiente nos transporta para territórios diurnos e noturnos, onde tudo é um jogo de equilíbrio e movimento, como na tela suspensa b.trans.f. I (2025), que sugere seres voadores se movendo pelo espaço.
Este evento é organizado como parte da Temporada Brasil-França 2025. Com o apoio da Galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo e Rio de Janeiro.
Reencontro com a obra de Darel.
O centenário de nascimento do desenhista, pintor, gravador, ilustrador e professor Darel Valença Lins (Palmares, PE 1924-Rio de Janeiro, 2017) será celebrado com a exposição “DAREL – 100 anos de um artista contemporâneo”, no Centro Cultural Correios Rio de Janeiro, sob curadoria de Denise Mattar e a abertura da mostra panorâmica será no dia 09 de julho, com temporada que se estenderá até 30 de agosto. Seu legado artístico transita entre a gravura em metal, óleo sobre tela, fotomontagem, guache, pastel, desenho e a litografia à cor – técnica da qual foi pioneiro no Brasil.
Com patrocínio do Itaú Cultural, a exposição reúne cerca de 95 obras, abrangendo 70 anos de produção do artista, que marcou sua importância na história da arte do século XX pela excelência das suas gravuras em metal, desenhos, litografias à cor e pinturas sensuais.
“Apesar de sua relevância histórica, Darel é hoje pouco conhecido do grande público. Sua trajetória reflete a condição de muitos gravadores brasileiros, que enfrentam a marginalização de uma técnica erroneamente considerada “menor” pelo mercado de arte, por sua vocação acessível e multiplicável”, avalia Denise Mattar.
Percurso da exposição
A mostra está organizada por segmentos, a partir da fase mais conhecida de Darel, a dos anos 1950|60, das séries Topografias e Cidades Inventadas, seguidas dos Anjos. São gravuras, inicialmente em preto e branco, às quais o artista introduz pouco a pouco a cor. No começo da década de 1970, ele faz uma mudança radical de técnica e começa a trabalhar com pastel e lápis de cera. É deste período a série Mulheres da Rua Concórdia. “Poéticas, patéticas, dolorosas e sensuais são as cenas que Darel retrata de um prostíbulo, instalado na casa em que ele viveu na infância”, descreve a curadora.
Segue-se a este o conjunto intitulado Baixada Fluminense, no qual ele busca poesia em histórias inventadas sobre personagens reais. Sem medo de errar, o artista usa a digigrafia (gravação de imagem por meios digitais), associando colagem, desenho, pastel e guache.
Seus últimos trabalhos são pinturas a óleo de temática floral e uma série de videoarte, realizadas em seu ateliê no bairro carioca de São Conrado nos anos 2000. Nas flores imensas transborda, mais do que nunca, a sensualidade de sua obra. A exposição conta ainda com um curta de Allan Ribeiro, em que o artista conversa com o cinegrafista sobre Dostoievski, enquanto desenha, apresentado em loop. O longa documental, também de Allan Ribeiro, que inclui as últimas realizações de Darel, as videoartes, terá sessões programadas, no auditório do Centro Cultural Correios Rio de Janeiro.
Sobre o artista.
Criado na Usina Catende, no interior de Pernambuco, Darel começou a trabalhar muito jovem como desenhista técnico. Em 1949, já morando no Rio de Janeiro, começou a estudar gravura com Henrique Oswald. Nascido em Palmares, Pernambuco, e falecido em 2017 no Rio de Janeiro, Darel manteve-se lúcido e ativo até o fim da vida. Recebeu prêmios e menções honrosas ao longo da carreira, como o de “Viagem ao Estrangeiro”, do Salão de Arte Moderna do Rio de Janeiro, e o de “Melhor Desenhista Nacional” na VII Bienal de São Paulo (1963), onde também teve uma sala especial na edição seguinte. Atuou como ilustrador em editoras e veículos como a José Olympio, os jornais Última Hora e Diário de Notícias, além das revistas Senhor e Manchete. Entre 1953 e 1966, Darel foi diretor técnico da Sociedade dos Cem Bibliófilos do Brasil, ilustrando diversas edições e seis capas de livros de Gabriel García Márquez. Foi ainda professor de gravura e litografia no MASP e na FAAP, em São Paulo, e na Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Conviveu e foi amigo de Goeldi, Livio Abramo, Raymundo de Castro Maya, João Cabral de Mello Neto, Iberê Camargo, Carybé, Marcello Grassmann, Portinari, Babinski, Di Cavalcanti, Cícero Dias, Mário Cravo Jr., Djanira e Morandi (na Europa). Sobre Darel escreveram os principais críticos de arte e luminares, como Clarice Lispector, Vinícius de Moraes, Mário Pedrosa, Roberto Pontual, Ivo Zanini, Leonor Amarante, Olívio Tavares de Araújo, Casimiro Xavier de Mendonça e Frederico Morais. Além de dezenas de exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior, Darel tem obras nos acervos do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu Nacional de Belas Artes, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea da USP, Museu de Arte Brasileira da Faap, Palácio Itamaraty, Museu do Senado, Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães, Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Fundação Iberê Camargo, Museu do Estado de Pernambuco.