AGENDA CULTURAL

Teresinha Soares no MASP

25/abr

Inaugurando um eixo temático sobre sexualidade, que reunirá vasta programação de exposições, o MASP, Avenida Paulista, São Paulo, SP, apresenta, a partir de 27 de abril, a exposição “Quem tem medo de Teresinha Soares?”, com mais de 50 obras do intenso período produtivo da artista mineira Teresinha Soares, Araxá, 1927, que se deu entre 1965 e 1976. Esta será a primeira mostra panorâmica de Soares em um museu, tanto no Brasil quanto no exterior, e é também sua primeira grande individual em mais de 40 anos. O título da mostra faz menção à célebre peça “Quem tem medo de Virgina Woolf?”, de Edward Albee, e faz referência aos tabus comportamentais que a obra de Teresinha Soares enfrenta ao se contrapor ao machismo da sociedade e do meio da arte.

“Quem tem medo de Teresinha Soares?” ocupa o 2º subsolo do museu com pinturas, desenhos, gravuras, caixas-objetos, relevos e instalações, além de documentação fotográfica sobre as performances e happenings pioneiros da artista. A mostra procura trazer luz à produção pouco conhecida de uma das artistas brasileiras mais polêmicas e contestadoras dos anos 1960-70, que naquele período ocupou com grande destaque os meios de comunicação. Personalidade feminina potente e emancipada, Soares é também escritora e defensora dos direitos das mulheres, somando à sua biografia o cargo de primeira vereadora eleita de sua cidade natal, além de miss, funcionária pública e professora.

Artista precursora ao abordar em seu trabalho temas de gênero, como a liberação sexual feminina, a violência contra a mulher, a maternidade e a prostituição, Soares também fez obras lidando com acontecimentos políticos, como na série de pinturas Vietnã (1968), em que apresenta uma original e irreverente abordagem sobre o tema. A representação do corpo é um dos motivos mais recorrentes da obra da artista, abrangendo desde o erotismo e o sexo, até o nascimento, a morte e a relação com a natureza.

Na obra “Eurótica”, de 1970, constituída de um álbum de serigrafias feito a partir de desenhos de linha e impresso em papéis de diferentes cores, uma variedade de posições sexuais se configura a partir de combinações de corpos em diferentes interações libidinosas. A partir desses desenhos eróticos, Soares desenvolveu “Corpo a corpo in cor-pus meus”, de 1971, sua primeira grande instalação, que representa um marco em sua carreira. Aberta à participação do espectador, a obra é composta de quatro módulos de alturas variadas, feitos de madeira pintada de branco, como uma espécie de tablado em forma sinuosa, que ocupam 24 m2 do espaço. No dia da abertura, uma performance será realizada para inaugurar a obra, assim como a que Soares realizou no Salão Nobre do Museu de Arte da Pampulha, em 1970, com a participação de bailarinos e a narração de um texto gravado por ela.

Embora seja possível relacionar a obra de Soares a algumas tendências dos anos 1960, como a arte pop global, o nouveau réalisme e a nova objetividade brasileira, a artista sempre insistiu em um caráter espontâneo e pessoal para sua linguagem. Ainda hoje, seu trabalho é pouco conhecido do grande público brasileiro, apesar de Soares ter participado ativamente do circuito de arte por dez anos, tendo realizado exposições em galerias, salões e bienais. Atualmente, tem cada vez mais integrado exposições internacionais que a contextualizam no marco da nova figuração dos anos 1960, bem como no da arte política: The EY Exhibition: The World Goes Pop (Tate Modern, Londres, 2015), Arte Vida (Rio de Janeiro, 2014) e Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (Hammer Museum, Los Angeles, 2017).

Para o curador da exposição Rodrigo Moura, “…se hoje seu trabalho começa a ser mais reconhecido, inclusive internacionalmente, uma exposição que acompanha sua trajetória de perto e analisa a evolução de sua linguagem contribui não apenas para esse reconhecimento, mas também para entender os mecanismos e as metodologias que informam uma prática feminista no contexto brasileiro daquele período.” Adriano Pedrosa, diretor artístico do MASP, comenta a relevância da mostra: “É um privilégio para o MASP apresentar a primeira exposição panorâmica da artista. Assim o museu cumpre um papel crucial, o de apresentar ao grande público uma obra que deve ser considerada e reinscrita na história recente da arte brasileira.”

“Quem tem medo de Teresinha Soares?” insere-se no contexto da programação de 2017 do Museu, dedicada à temática da sexualidade. Em torno da mostra “Histórias da sexualidade”, que contará com obras de diferentes períodos e acervos, serão apresentadas exposições monográficas de artistas brasileiros e internacionais, cujas trabalhos suscitam questionamentos sobre corporalidade, desejo, sensualidade, erotismo, feminismo, questões de gênero, entre outros. Após a de Teresinha Soares, seguem-se individuais de Wanda Pimentel, Henri de Toulouse-Lautrec, Miguel Rio Branco, Guerrilla Girls, Pedro Correia de Araújo e Tunga.

Catálogo

Simultaneamente à exposição, o MASP edita o primeiro grande catálogo monográfico da artista, R$150,00 pp. 272, que será lançado na abertura da exposição. O livro tem organização editorial de Adriano Pedrosa e Rodrigo Moura e reúne mais de 200 ilustrações, entre obras de Teresinha Soares, documentos de época e obras de outros artistas, além de textos inéditos dos curadores da exposição, da própria artista e de quatro críticos convidados. Os autores analisam a obra pioneira de Soares e a contextualizam ao lado da produção de outros artistas trabalhando no Brasil e internacionalmente, no mesmo período.

Constituem o catálogo os seguintes textos: “Quem tem medo de Teresinha Soares?”, de Rodrigo Moura; “A arte erótica singular de Teresinha Soares”, de Cecilia Fajardo-Hill; “Realista e erótica, minha arte é como a cruz para o capeta”, de Frederico Morais; “O corpo na poética de Teresinha Soares”, de Marília Andrés Ribeiro; “’Acontecências’: devir-mulher nos jornais de Teresinha Soares”, de Camila Bechelany; “Um pop pantagruélico: a ‘arte erótica de contestação’ de Teresinha Soares”, de Sofia Gotti; além de entrevista de Teresinha Soares a Rodrigo Moura e Camila Bechelany e as crônicas de Teresinha Soares “Amo São Paulo” (1968), “Cor-pus meus versus o mar” (1971) e “O impossível acontece” (1973).

“Quem tem medo de Teresinha Soares?” tem curadoria de Rodrigo Moura, curador-adjunto de arte brasileira do MASP, e Camila Bechelany, curadora-assistente do MASP. O escritório de arquitetura METRO Arquitetos Associados assina a expografia da mostra.

De 27 de abril a 06 de agosto.

Na Athena Contemporânea

24/abr

A galeria Athena Contemporânea apresenta, a exposição “A ponte (onde ele disse que não posso ir)”, com cerca de 20 obras inéditas da artista carioca Joana Cesar, inspiradas no trajeto feito diariamente por ela entre o Jardim Botânico e o Jockey Clube, na zona sul do Rio de Janeiro. Com curadoria de Germano Dushá, serão apresentadas colagens, fotografias, uma videoinstalação e dois vídeos da artista, que sempre teve a paisagem urbana como inspiração de suas obras.

Há cerca de dois anos, Joana Cesar fez a pé o trajeto de um quilômetro entre o Jardim Botânico e o Jockey Clube. Ao passar por lá, ela sentia uma sensação estranha, algo que não sabia explicar e começou a fazer diariamente esse mesmo percurso em busca de respostas. As obras que serão apresentadas na exposição fazem um “mapeamento” dessa área, que a artista passou a chamar de “ponte”, pois ali é uma grande reta, cercada por muros dos dois lados, onde não há prédios ou comércio. “As pessoas usam aquele trajeto para cruzar de um lugar a outro, como uma ponte. Esse trajeto tem a função de ligar dois bairros”, explica a artista, que, mais tarde, pesquisando, descobriu que debaixo da via passa um rio, dando mais sentido ao apelido de “ponte”.

“Se a ponte conecta, inevitavelmente, também se coloca como a medida da distância. Joana trafega pelas pontes — materiais, metafóricas ou mentais — com obstinação. Nesse processo de aventura e repetição, a artista parece querer dissecar tudo que lhe diga respeito, tanto o quanto lhe seja possível. Mas não para que possa entender integralmente cada aspecto do caminho, e sim para que possa vislumbrar a terrível — e implacável — dimensão do distanciamento. O hiato entre partida e chegada, entre ocorrência e percepção, entre código e decifração”, ressalta o curador Germano Dushá.

Em certo momento, após muitas caminhadas, a artista lembrou de um vídeo que havia feito há cerca de 15 anos, exatamente naquele local. Ela estava de carro, quando viu uma figura estranha, que chamou a sua atenção e a fez descer do veiculo. “Era um louco, que usava sandálias de cores diferentes, vestia uma calça molhada de xixi, puxava um galão… Fui andando atrás dele, seguindo e filmando todo o seu trajeto. Em certo ponto, ele parou, sentou no galão que carregava, tirou um espelho da calça e começou a olhar o mundo, o entorno, os ônibus que passavam, através daquele espelho”, conta Joana Cesar. “É com isso que ele cessa o caminhar. É por ali que ele passa a ver o mundo e encarar o outro. O espelho é seu dispositivo de contemplação. O espelho é sua fresta”, afirma o curador. A única palavra que a artista trocou com o andarilho foi quando perguntou seu nome, ao que ele respondeu: José Carlos Telefônica Mundial.

Na exposição, a artista apresentará o filme feito na época, que será mostrado em uma videoinstalação composta por duas televisões colocadas lado a lado: na da direita passará o vídeo como foi produzido e na da esquerda esse mesmo vídeo aparecerá como se estivesse sendo visto através de um espelho. “O vídeo mostra o real e o espelhamento o real, a fantasia”, diz Joana Cesar.

A exposição terá, ainda, seis colagens, com papeis e materiais diversos, em que a artista mistura o mapa real desse trecho do bairro do Jardim Botânico com a sua imaginação, com as suas memórias. “Não uso tinta, são colagens e os elementos, para mim, podem representar cor ou informação, significação. Desta forma, se uso um pedaço de fronha em meu trabalho, isso é para significar algo que dá conforto”, explica a artista.

Haverá, também, fotografias feitas por ela nesse entorno e dois pequenos vídeos feitos no Jardim Botânico em que a artista começou a filmar o que chamou de “natureza transtornada”. Nessas filmagens, ela registra fenômenos naturais que, a principio, não tem explicação, como, por exemplo, uma moita em que somente uma das folhas se mexe com o vento.

“São colagens, fotografias e vídeos que existem por vias objetivas e outras menos claras. Mas em tudo fica marcada a autonomia da artista em suas andanças, e suas relações mais intensas com a imaginação possível, a fantasia extravagante, impregnada na rua. São ações que dão conta do momento em que o acontecimento, o evento, se abre para quem quiser o perceber”, diz o curador.

Durante o período em que fazia a travessia, a artista descobriu um conto da Clarice Lispector chamado “Amor”, que faz parte do livro “Laços de Família”, que fala de uma mulher que, de dentro do bonde, vê um cego mastigando chiclete que lhe chama a atenção, que a deixa transtornada, assim como Joana Cesar ao ver o andarilho. A história se desenrola com a mulher andando justamente no trajeto feito insistentemente por Joana nos últimos dois anos. Partes desse conto estarão nas colagens.

Sobre a artista

Joana Cesar nasceu em 1974, no Rio de Janeiro, onde vive e trabalha. Cursou filosofia, jornalismo e cinema, fazendo, paralelamente, diversos cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro. O desenvolvimento de seu trabalho em ateliê a leva, em 2003, para as ruas da cidade, onde passa a usar muros, calçadas, postes e viadutos como suporte para sua escrita em código, inventada na infância. Em 2012, foi selecionada para o Programa de Aprofundamento da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Já realizou três exposições individuais na Athena Contemporânea: “Nome” (2014), “Voragem (2013) e “Fuga>Lenta” (2012). No ano passado, participou da exposição “Ao amor do público”, o Museu de Arte do Rio, que possui obras da artista em seu acervo. Participou, ainda, das mostras “Da escrita, Delas, Elas” (2015), no Museu da República; “6ª Bienal de Arte de Búzios (2013); “Gramáticaurbana” (2012), no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica. Ainda em 2012, foi convidada para participar da II Bienal Mundial da Criatividade, no Rio de Janeiro, e fez grande intervenção nos braços de sustentação da Avenida Perimetral.

Sobre a galeria

A Athena Contemporânea foi fundada em 2011 pelos irmãos Eduardo e Filipe Masini como um espaço inovador de criação, discussão e divulgação de arte contemporânea. Mais do que um espaço expositivo, a galeria se posiciona como lugar de pesquisa, de aprofundamento conceitual e de trocas artísticas, buscando sempre iniciativas inovadoras. A galeria vem se firmando como uma das mais destacadas no cenário brasileiro, representando conceituados e promissores artistas nacionais e internacionais, e investindo em parcerias com curadores e instituições para o desenvolvimento da carreira de seus artistas.

De 27 de maio a 17 de junho.

Oitis 55 no MAM Rio

O MAM Rio e o SEBRAE apresentam a exposição “Oitis 55 – Um Retrato do Design Carioca”, que reúne projetos desenvolvidos pelo coletivo Oitis 55, formado por 21 empresas de design contemporâneo do Rio de Janeiro. São 80 peças, dentre, mobiliários, acessórios, utilitários e objetos de decoração. “Com esta exposição, o MAM Rio dialoga com a experiência do trabalho coletivo, na qual a reunião de diversos talentos estimula a criatividade e a originalidade dos projetos, marcas importantes do nosso design”, explica Tulio Mariante, curador de design do Museu.

Oitis 55
O Oitis 55 é um grupo heterogêneo e jovem, inquieto, composto por 50 designers que vão de 25 a 56 anos, representando um novo modo de empreender design de produto, que enxerga o design como agente transformador e de qualidade de vida, e trabalha com apoio mútuo e cocriação, com fluidez, flexibilidade e transparência nos relacionamentos. Além de focar na consciência socioambiental e valorizar a produção local, propõe formas diferentes de relacionamento com as pessoas e com o mercado, pensando o design com calma e afeto. Independentes, trabalham sua gestão de forma orgânica e flexível, buscando se desenvolver por meio da troca constante de experiências e da construção de boas práticas e parcerias. Contando com o apoio do SEBRAE, em apenas três anos de existência já é reconhecido dentro e fora do país.
Resultado da rica troca entre os profissionais do grupo, os produtos são desenvolvidos por designers com diferentes formações e experiências. Em tempos em que o diálogo entre profissionais e usuários se faz essencial, os produtos são pensados para atender às necessidades das pessoas, sejam afetivas, funcionais ou ambas. Desde a escolha dos materiais aos processos de produção, o cuidado permeia todas as etapas e pode ser percebido por cada um dos envolvidos. Além da criação dos produtos, o Oitis 55 atua ativamente na prestação de serviços em diferentes áreas como desenvolvimento de produtos para indústria, cenografia, arquitetura & interiores e comunicação visual.

O grupo conta com um time capacitado de palestrantes e professores atuantes nas principais escolas e núcleos de design do Rio de Janeiro.

“Sem produzir excedentes, utilizando produção por demanda ou em pequenos lotes, com produtos numerados e com o cuidado e o acabamento da produção artesanal aliada a tecnologias de produção recentes, o grupo busca levar da maneira mais direta possível seus produtos ao mercado e ao consumidor final”, explica Felipe Rangel, um dos fundadores do Oitis 55. Estão previstas palestras, visitas guiadas e conversa com arquitetos durante a mostra.

Até 14 de maio.

Fotografia de Cidades

O tradicional workshop de “Fotografia de Cidades”, da Portfolio, Curitiba, PR, segue em 2017 para sua 6ª edição, e desta vez terá como destino a América Central. O curso começa com uma aula teórica na própria escola, em Curitiba, na noite do dia 28 de outubro. O workshop e a viagem serão entre os dias 29 de outubro e 12 de novembro, e passará por três cidades mexicanas que são Patrimônio Histórico da Humanidade: Puebla, Cidade do México e Campeche.

Durante quinze dias de viagem, o grupo irá trabalhar em diversos caminhos fotográficos que envolvem uma viagem fotográfica como : retratos de rua, paisagens urbanas, gastronomia, cultura local, história, boemia, diferentes horários de luz, etc. Durante o curso, os alunos recebem temas diários para serem desenvolvidos.Com o decorrer da viagem, os temas ganham mais complexidade.Sempre seguindo os conceitos da liberdade fotográfica. Com público fiel, o workshop já aconteceu em diversas cidades da América do Sul. Além do Uruguai (Montevidéu e Colonia del Sacramento), Argentina (Buenos Aires), Chile (Santiago e Valparaiso) , Colômbia (Bogotá) , Peru (Lima e Cusco), além de uma incursão pelas cidades históricas de Minas Gerais.

O curso, bem como toda a viagem, será inteiramente orientado pelo fotógrafo Nilo Biazzetto Neto, diretor da Escola Portfolio e que em 2017 completa 23 anos de fotografia. Desde o início da carreira, desenvolve um trabalho pessoal intenso sobre a rua e as cidades. O conceito da liberdade fotográfica defende a mescla de várias artes e experiências na formação do olhar do fotógrafo. E a cidade, a rua, é onde tudo acontece. Lá estão as artes e os artistas populares, a gastronomia, a música, a pintura, a história, a própria vida. O resultado dessa viagem será apresentado numa bela exposição fotográfica na MURO GALERIA, na Portfolio em Curitiba. O investimento do curso é de quatro parcelas de R$ 320,00 no cartão de crédito. 10% de desconto para alunos e ex-alunos Portfolio. O valor deve ser pago diretamente à Escola Portfolio até outubro de 2017.

Homenagem proustiana

19/abr

: Gheno

: Roberto Grillo

: Michel Drouillon

: Gasparotto

O Santander Cultural, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, exibe a exposição-homenagem “Paulo Gasparotto – Certas pequenas loucuras…”, que permite – proustianamente – um mergulho no universo pessoal do jornalista Paulo Raymundo Gasparotto. Os interessados em conhecer mais sobre a vida do profissional poderão visitar a exposição na qual encontrarão uma mescla de textos e imagens, informações e contextualização histórica, obras de arte, antiguidades e objetos do acervo pessoal que retratam a personalidade e a trajetória profissional do homenageado. A curadoria é assinada pela professora, crítica e historiadora de arte Paula Ramos. Em exibição cerca de 150 peças através da quais os 80 anos de vida – e 50 dedicados ao colunismo social – são revisitados. Em exibição obras (pinturas, desenhos e gravuras) assinadas por Iberê Camargo, Farnese de Andrade, Roberto Magalhães, Magliani, Siron Franco, João Fahrion, Maristany de Trias, Victorio Gheno, Michel Drouillon, Maria Tomaselli, Waldeni Elias, Elizethe Borghetti, Maria di Gesu, André Venzon, Felipe Caldas, Britto Velho, Fernando Baril, João Faria Vianna, Octávio Araújo e fotografias de Roberto Grillo, Tonico Alvares, Liane Neves e Lizette Guerra.

Paula Ramos visualiza esta oportunidade como um privilégio: “Além de ter contato com uma pessoa incrível, apaixonada pela vida e por seu trabalho, bem como por Porto Alegre e seus personagens, Gasparotto é um ícone: de comunicação, de elegância, de humanidade. Sinto-me agraciada por essa oportunidade e tenho certeza de que o público ficará surpreso ao percorrer a exposição”.

Carlos Trevi, coordenador geral da unidade de cultura do Santander em Porto Alegre, destaca que “o Santander Cultural aposta numa programação que fomenta a pluralidade, por meio de iniciativas voltadas para manifestações artísticas contemporâneas, e traz, nas mostras biográficas, personalidades gaúchas que contribuíram para o desenvolvimento da sociedade”.

Autodefinição

“Voluntarioso, teimoso, impaciente, altamente emocional e muito apaixonado, sempre, por tudo e sobretudo. A única razão de eu viver, sempre, foi estar apaixonado por alguma coisa, por algum objeto, por alguma pessoa. Sem emoção não há vida. Hoje, procuro não ter tantas raivas, até porque não vale a pena. E procuro ter mais paixões”, define-se o jornalista.

Sobre o homenageado

Paulo Raymundo Gasparotto é jornalista, colunista, avaliador e leiloeiro. Nasceu no dia 20 de abril de 1937, em Porto Alegre, RS. Homem de múltiplos gostos, de plantas e animais a arte, Antiguidades, Música, Moda e Literatura, começou sua carreira no final dos anos 1950, no jornal “Ele e Ela” e, na sequência, na Revista do Globo. Em 1963, ingressou no jornal Zero Hora e, nos anos seguintes, escreveu sobre moda, arte, elegância e vida social. Manteve coluna nos periódicos Folha da Tarde, Correio do Povo, Zero Hora e O Sul.

A mostra pode ser visitada até 28 de maio.

Amanda Saladini e duas paixões

Entre os dias 20 e 23 de abril, Amanda Saladini, jovem artista plástica que tem como inspiração a escultora Margarida Barroso, abre sua primeira mostra individual “Voando a galope”, no Rio de Janeiro. Conhecida por retratar a força lúdica do cavalo,companheiro do homem desde os tempos que se perdem na história, Amanda foi convidada pela Sociedade Hípica Brasileira, Lagoa, Rio de Janeiro, RJ, a apresentar suas obras durante a Primeira Etapa Seletiva Sul-Americano.

Serão apresentados na mostra “Voando a Galope” trabalhos inéditos dez telas em acrílica sobre tela, além de três esculturas em madeira, que retratam as duas paixões da artista: o cavalo e a arte. Na mostra o público poderá sentir a imersão da pesquisa de Amanda no mundo dos cavalos, texturas, diversas épocas, silhuetas, recortes, coloridos e nacionalidades, trazendo novidades em seu processo de criação. A artista também costuma propagar formas da cidade do Rio de Janeiro, apresentando através de seus traços os diferentes e inusitados formatos entre montanhas e nuvens.

A artista, que é formada em Comunicação visual pela PUC/RJ, sempre teve a atenção voltada para as artes e focou em cursos de cerâmica, pintura, na Escola de Artes Visuais (EAV), além de ter passado um período de seis meses em Nova York (para onde até hoje, uma vez ao ano, volta para fazer cursos) estudando arte através de aulas no Metropolitam Museum, School Of Visual Art (SVA) e International Center of photography (ICP). Entre as exposições que participou estão duas coletivas (sendo que uma delas com Margarida Barroso) na Galeria Spazio Surreale, em SP, além ter apresentado seus trabalhos no Espaço Expo Arts do Fashion Mall, Casa Ipanema, entre outras ocasiões. Metade das vendas será doada ao Grupo Garra Animal, que resgata animais, incluindo cavalos, em situações precárias.

Amanda Saladini, 26, desde criança convive com cavalos. Montava no Haras Lórien (Itaipava), e quem estava à frente era a uruguaia Ivonn Argimon, que é apaixonada por cavalos e sempre incentivou a artista, que também praticou e deu aulas de equitação. Foi quando surgiu o interesse no Enduro Equestre, que, segundo ela, permite uma relação intensa e de muito vínculo com o animal, que para ela, se tornou além de uma paixão: “Uma extensão do meu corpo, um material de estudo”, define.

Laura Belém no Peru

18/abr

A fotógrafa Laura Belém, artista representada pela galeria Athena Contemporânea, Rio de Janeiro, RJ, é a única brasileira selecionada pela curadora mexicana Daniela Pèrez para os Projetos Solos (Solo Projects), da Peru Arte Contemporânea (PARC), que acontece de 20 a 23 de abril, no MAC Lima, no Peru. A artista apresentará 11 fotografias inéditas da série “Reconstrução”, de 2017, que medem 40 cm X 51 cm cada. Além de Laura Belém, também foram escolhidos os artistas Juanli Carrión (Espanha), Emilia Azcárate (Venezuela), Emanuel Tovar (México), Andrés Marroquín W. (Peru) e Rubela Dávila. Eles concorrem a um prêmio de US$ 5.000 para o primeiro colocado e a uma residência na Mana Contemporary, nos EUA, para o segundo colocado.

Lattoog, o livro

17/abr

: Livro

: Marapendi

: Mesa Beatriz

: Aparador Redentor

Os designers Leonardo Lattavo e Pedro Moog, da Lattoog, autografaram seu primeiro livro, na Livraria Travessa, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. Agora, preparam-se para cumprir série de lançamentos pelo país afora atendendo convites já agendados para São Paulo e Porto Alegre.

O livro celebra os dez anos de existência da Lattoog. Muito além de ser um estúdio de design de móveis, uma proposta de livre experimentação em torno de temas ligados à cultura brasileira e carioca, que tem como veículo de expressão a prática de projetar.

O livro apresenta o trabalho do estúdio por diferentes recortes, como a trajetória de seus designers, as primeiras interações com o segmento, suas linhas de raciocínio criativo, uma visão da produção da Lattoog por tipologia e em linha cronológica, além da descrição dos processos que compõem seu ciclo produtivo, dos croquis à transformação dos produtos em peças de interesse cultural.

Em texto crítico, a jornalista Mara Gama reforça a essência da Lattoog: “A variedade de formas e tipologias já projetados prova a versatilidade do estúdio e impede que se identifique um estilo único ou linear. Talvez seja mais apropriado falar de um modo de criação Lattoog, de elaborar referências formais e traduzi-las em peças de leitura imediata, que provocam simpatia de um público que foge da padronização.”

“No livro pudemos reunir grande parte de tudo que construímos em nossa trajetória. Com certeza, ele vem para mostrar o que é a Lattoog de verdade, mas também mostrar um cenário bem amplo do design contemporâneo nacional”, concluiu Pedro Moog.

A obra, publicada pela Editora Olhares, e dela disse Leonardo Lattavo: “Optamos por uma abordagem com muitos paralelos, porque queríamos de alguma maneira, ilustrar esse aspecto central da nossa história e de todo o trabalho construído ao longo dos anos. Tocamos muita coisa ao mesmo tempo, e esse acaba sendo o nosso combustível”.

O livro teve o apoio de Schuster, Alhambra, Líder Interiores, Empório Vermeil, Quatro Elementos, Augusta, Galeria 021, Tetum.

Lena Bergstein/Cartas de Odessa

Quatro anos após expor no MAM-Rio, Lena Bergstein retorna à cidade para mostrar sua série inédita de trabalhos com fotografia no Midrash Centro Cultural, Leblon, Rio de Janeiro, RJ. Esta é a primeira neste suporte desde que iniciou sua trajetória, em 1980. Em “Cartas de Odessa”, Lena Bergstein visita a história e as origens de sua família na Ucrânia, em que transforma antigos registros em “uma biografia/autobiografia inscrita em fotos impressas em papel e em metal”. Além de recuperar fotos feitas na longínqua Odessa, mostra fotografias que fez de sua casa, em São Paulo, onde reside há alguns anos.

“É um trabalho de fotografia feito em camadas, superposições, estratos que se somam, camadas que se justapõem, tempos distintos que se superpõem”, conta Lena Bergstein. Ela comenta que trabalhou as fotografias como um diário, onde as percepções da cidade, de sua vida e de seus sentimentos são mostradas em cenas que compartilha com o público. Fragmentos de cartas, cartas escritas pela artista, cartas recebidas por ela. “Apenas fragmentos, nada muito explícito, escritos na confluência do real e do imaginário”, explica.

Para a artista, foi um processo natural “suplementar essas fotos com textos e frases criando sequências narrativas”, como se quisesse “aprisionar/fixar um momento, um sentimento”. Com os grafismos, ela deseja acrescentar um toque de humor para a seriedade de certas fotos. “Experimentar uma alegria ingênua na superposição de desenhos de estrelas, pontos luminosos, luas, nas intervenções de riscos e traços. Uma grafia de vida através de imagens, palavras, textos poéticos e líricos, uma história de amor”, destaca.

Márcio Seligmann-Silva, ensaísta e professor de Teoria Literária na Unicamp, observa que na série “Cartas de Odessa”, Lena Bergstein “substitui o azul-horizonte pela paisagem que captou de sua varanda com um iPad. Sobre essa paisagem (indefinida, mas que inscreve o presente de Lena em sua obra), ela sobrepõe em camadas, cartas de amor, fotografias de álbuns de família (com parentes de Odessa) e intervenções gráficas (arquidesescrituras)”. “Do arquitraço fundador da cultura ao traço fotográfico, nessas topografias anímicas, Lena comemora seu presente em um arquivo múltiplo que nos lança no trabalho feliz da leitura infinita”, afirma.

A Arte e a Escrita, um relato do contemporâneo

Durante a exposição, Lena Bergstein dará um curso de três aulas, às quartas-feiras, às 20hs, nos dias 26 de abril, 3 e 10 de maio, em que fará uma reflexão sobre a relação entre a arte e a escrita pelo viés das cinco civilizações escriturais da Antiguidade: Mesopotâmia, Egito, China, Islamismo e Judaísmo. Nesses encontros, será demonstrado como a relação entre a arte e a escrita não-fonética dessas culturas orientais influencia e marca os movimentos artísticos dos séculos 20 e 21. O preço de cada aula é de R$20,00.

Sobre a artista

Lena Bergstein é artista plástica e professora de arte. Trabalha com telas, livros de artista e fotografias. Uma obra cuja poética é centrada nas questões da pintura e da escrita. Nasceu no Rio de Janeiro em 1946. Cursou a Escola de Artes Visuais e o atelier de Gravura do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Participou de importantes bienais de gravura nacionais e internacionais, como em Ljubliana, Miami, Curitiba, Fredrikstad, Bradford e Taiwan. Atualmente mora em São Paulo, onde trabalha, expõe e dá aulas. Em 1989, passou a pesquisar os textos do filósofo francês Jacques Derrida, fazendo leituras poéticas e plásticas de seu pensamento, conferências e seminários em Paris. Essa relação ficou evidente na “Tenda”, instalação montada no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1992. Em 1998, ambos editaram um livro em parceria. O filósofo lhe ofereceu o texto “Forcener le Subjectile”, que deu origem à publicação “Enlouquecer o Subjétil”, livro vencedor do Prêmio Jabuti em 1999. Junto com o lançamento do livro Enlouquecer o Súbjétil, inaugurou a exposição “Toiles Récentes”, na Galerie Debret, Paris, e no Paço Imperial, Rio, em 1998.

Recentemente, Lena Bergstein participou, em 2015 e 2016, da SP Foto/Arte, com a Galeria ArtE Edições. Em 2015, expôs “Narrações”, no Museu Brasileiro de Escultura de São Paulo. Em 2013, fez uma individual no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Em 2012, fez a exposição “Livros”, no Centro Cultural Midrash. Dentre outras mostras individuais da artista estão“Relatos”, no Largo das Artes, no Rio de Janeiro, em 2009; “Marcas da Memória”, no Paço Imperial, no Rio de Janeiro, em 2007; “A Escrita do Silêncio”, no Solar Grandjean de Montigny, na PUC-RJ; no Instituto Ítalo Latino-Americano, em Roma, na Itália, e na Scuola Internazionale di Grafica, em Veneza, na Itália, ambas em 2004; “Amarelo Cromo”, no Museu da Chácara do Céu, no Rio de Janeiro, em 2003; “Telas e Gravuras”, no Centro Internazionale di Grafica, em Veneza, na Itália, e “Gravuras, Monotipias”, no Centro Internazionale di Grafica, em Roma, na Itália, em 1990. Dentre as principais exposições coletivas estão: “Gravure Extreme”, na Europalia, na Bélgica“, em 2011; Manobras Radicais”, no Centro Cultural Banco do Brasil, em São Paulo, em 2006; “Quatro artistas brasileiros”, em Veneza, na Itália, em 1988; “Velha Mania, Desenho Brasileiro”, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, em 1985; “Do Moderno ao Contemporâneo, Coleção Gilberto Chateaubriand”, no MAM Rio, em 1982; “Panorama Atual da Arte Brasileira, Gravura e Desenho MAM, em São Paulo, em 1981, entre outras.

Foi a artista convidada para participar do colóquio internacional, “Jacques Derrida, Pensar a Desconstrução”, em 2004, no Rio de Janeiro. Ministrou uma série de conferências, “Imagem e Texto na História da Arte”, na Escola de Magistratura do Rio de Janeiro, EMERJ, em 2007, e, em 2015, no Departamento de Artes da Unicamp, Campinas. Escreveu para a revista TRIEB, para a revista do IPHAM, Patrimônio Histórico, e para os Cadernos da Memória do Museu da República.

De 19 de abril a 29 de maio.

Curso no Instituto Ling

Ministrado por Nei Vargas, o curso “Colecionismo na contemporaneidade: por que e para que colecionar arte?”, é uma realização do Instituto Ling e Galeria Mamute, ambos de Porto Alegre, RS. Uma ideia oportuna e original.

Informações sobre o Curso

A produção artística e o colecionismo convivem desde a fundação da História da Arte. Essa relação proporciona a formação de um patrimônio cultural, reforçando a dimensão social de ambas. Mesmo depois de séculos, a prática do colecionismo segue gerando debates e perguntas: existe regra para colecionar obras de arte? Quais os sentidos que podemos atribuir ao exercício do colecionismo? O que leva as pessoas a escolherem certos trabalhos em detrimento de outros? Quando uma pessoa pode ser considerada colecionadora? O curso propõe uma aproximação da prática do colecionismo, estimulando a reflexão sobre um campo ainda carente de informações sistematizadas e mesmo de uma formação específica, no momento em que assistimos o expressivo aumento de colecionadores. Uma oportunidade para discutirmos a história, os critérios e os propósitos das coleções de arte.

Sobre o Ministrante

Nei Vargas, Doutorando em Artes Visuais PPGAV/UFRGS e Mestre em Artes Visuais, com ênfase em História, Teoria e Crítica da Arte pelo PPGAV/UFRGS. Licenciado em História pela PUC/RS, foi Coordenador do Departamento de Difusão Cultural da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Coordenador da Ação Educativa do Santander Cultural e Diretor do Departamento de Educação Patrimonial da UFRGS. Participou do livro “As Novas Regras do Jogo: o sistema da arte no Brasil”, em versão impressa e e-book, além de publicações em anais de congressos nacionais e internacionais.

Dias, horários e período de duração

Duração: dias 11, 18, 25 e 27 de maio.

Dias: 3 quintas-feiras e 1 sábado (27 de maio, neste dia será realizada uma visita à Galeria Mamute)

Horários: das 19h30min às 21h30min (aulas) e das 14hs às 16hs (Visita à Galeria Mamute)

Investimento: R$ 480,00