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AGENDA CULTURAL

Elegia para Israel Pedrosa

23/fev

Mestre Pintor Israel Pedrosa, adeus.

Breve notícia sobre o sonho do sonhador.

por Jacob Klintowitz

 

 

Na sua última semana entre nós Israel Pedrosa e eu falamos várias vezes por telefone. No dia 5 de fevereiro, ele estava contente por ter terminado o seu monumental livro “Dez aulas magistrais. Genealogia da cor inexistente.” e a sua voz estava risonha. A distância nos permite imaginar e eu via a sua alegria. No dia 7.2, num domingo, Israel morreu.

 

A minha opinião sobre as “Dez aulas…”,  se transformou, a seu pedido, numa epígrafe do livro. Seremos quatro no frontispício: Dante, Petrarca, Marco Luchesi e eu. Como sempre, quando homenageamos a obra do Israel, somos nós os honrados, como foi neste caso, ao me colocar junto com estes três gigantes.

 

 

A minha epígrafe é a seguinte:

 

“Não conheço nenhum livro nos séculos vinte e vinte e um que seja capaz de educar a nossa sensibilidade tanto quanto este “Genealogia da Cor Inexistente”. Talvez por não desejar nos convencer de nada, mas apenas contar de seu extremo amor aos deuses da arte, este livro seja ainda mais eficaz e comovente. Israel Pedrosa pertence a esta família artística dos que ampliam a nossa percepção. Muito jovem percorri bibliotecas à procura da minha verdadeira identidade. É uma felicidade, já provecto, encontrar num só livro tão claro panorama de artistas iluminados capazes de elevar a nossa sensibilidade e nos tornar mais humanos.”

 

Eu sabia do extremo amor de Israel Pedrosa por Cândido Portinari, seu mestre e amigo. Para alegrá-lo eu escrevi também uma frase para abrir o capítulo dedicado a Portinari. A lealdade histórica para Israel Pedrosa era um princípio fundamental de vida. Aliás, para mim, também.

 

 

Epígrafe para “Portinari”.

 

“Eu o considero o marco afirmativo do nosso modernismo,  criador de uma obra monumental, autor da odisseia sobre a nossa vida e a nossa gente. Além disto, a qualidade estética de Portinari, a grandeza de seus temas, a ousadia de interpretação e a coragem de escolha de assuntos, com dificuldades infinitas, o caracterizam como um grande artista. “

 

“Portinari é o narrador de mitos, o nosso Homero. E na sua obra encontramos a imobilidade da tragédia, o tempo paradigmático do símbolo e a ausência da agitação do simples drama. Portinari é a tessitura que organiza e forma a base da arte brasileira, a marca da nossa maturidade, o ponto alfa, do qual podemos contemplar o nosso panorama.”

 

Israel Pedrosa  teve o sonho mais nobre que um artista pode ter; ele sonhou em pintar com a luz. E a sua vida foi a vivência desta vontade. A sua pesquisa sobre a cor e a refração da cor e a possibilidade de pintar também com a cor física, celebrada no livro “Da cor à cor inexistente”, é um momento nobre da arte no século vinte.  Pedrosa, pintor e professor, pintou e ensinou e a sua última aula levou 20 anos de preparo e é este “Dez aulas magistrais”.

 

Existem homens cuja vida é idêntica ao seu destino, a tal ponto que não podemos distinguir um do outro. Israel Pedrosa foi um destes raros. É impossível imaginar a vida de Israel Pedrosa sem a sua longa pesquisa sobre as cores e sobre o seu destino de acrescentar à sensibilidade da nossa época a poética do pintor: eu sou um pintor, disse Paul Klee. Israel Pedrosa poderia ter dito: eu sou um pintor que pinto a luz com a luz.

 

Durante os últimos vinte anos Israel Pedrosa estudou os métodos de pintar, “à maneira de”, dos seguintes artistas, que costumava chamar de “meus Deuses”: Leonardo da Vinci, Hieronymus Bosch, Vermeer de Delft, William Turner, Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Klee, David Alfaro Siqueiros, Cândido Portinari, Jackson Pollock.  E durante este período escreveu e pintou a vida secreta, intima, destes artistas, para ele, Mestres Divinos. Ele nos contou e demonstrou como eles sentiam e como eles tornaram às suas intuições em obras primas.

 

Ao cabo de 20 anos, o último raio de sol de sua visão terminou com a última pincelada. Israel estava praticamente cego. Uma semana depois, eu acrescentei a minha opinião sobre este livro que acompanhei passo a passo, desde a ideia original, o primeiro desejo, até a sua finalização.

 

Na quarta feira, dia 4, ele me telefonou e disse que soubera tardiamente que o Octávio Araújo morrera. “Éramos quatro em Paris: Octávio, Gruber, Ventura e eu. Agora só resta eu e Ventura e ele está doente”. Ele me pediu que eu enviasse o texto que escrevi quando da morte do Octávio. Ele sabia que eu consideraria a grandeza do Octávio. Eu prometi e enviei o “Canto para Octávio Araújo”. Foi o último texto que o Israel Pedrosa leu, o relato da vida do seu velho amigo Octávio Araújo no que ela tinha de único escrito por este seu amigo de uma geração mais recente.

 

Não tenho vontade de dizer, como Simone de Beauvoir, no seu magnífico “A cerimônia do adeus”, quando da morte de Sartre: ”Sua morte nos separa. Minha morte não nos reunirá.”. Eu sinto que as pessoas significativas permanecem amalgamadas conosco, fazem parte indissolúvel do que somos.

Paisagem nas Américas

A exposição “Paisagem nas Américas: Pinturas da Terra do Fogo ao Ártico” entra em exibição na Pinacoteca do Estado de São Paulo, Luz, São Paulo, SP, neste final de mês. A mostra esteve recentemente em cartaz na Art Gallery of Ontario, em Toronto, Canadá, e no Crystal Bridges Museum of American Art, de Bentonville, nos EUA. Essa exposição nasceu de uma parceria inédita firmada em 2010 entre a Pinacoteca de São Paulo, a Art Gallery of Ontario e a Terra Foundation for American Art (Chicago, EUA) e trará ao Brasil obras de grandes artistas do continente americano, como os brasileiros Tarsila do Amaral e Pedro Américo, os americanos Frederic Church e Georgia O’Keeffe, os mexicanos José Maria Velasco e Gerardo Murillo, Dr. Atl, além dos canadenses Lawren Harris e David Milne, do venezuelano Armando Reverón, e dos uruguaios Pedro Figari e Torres-Garcia, entre outros.

 

 

De 27 de fevereiro a 29 de maio.

Processos criativos

O Wesley Duke Lee Art Institute, São Paulo, SP, abre na Ricardo Camargo Galeria, Jardim Paulistano, a exposição coletiva Proces/sos Cri/ativos –  Ex/periência  com 15 jovens artistas convidados a vivenciar uma experiência única: produzir a partir de uma imersão no universo de Wesley Duke Lee. Com obras em suportes diversos como pintura, colagem, fotografia, gravura, serigrafia e projeção em slide, e curadoria de Patricia Lee, concretiza-se mais um dos sonhos do artista de poder transmitir às novas gerações seu conhecimento e influências.

 

Por um período de dois meses, com encontros semanais, os artistas frequentaram a instituição – uma casa/museu – e tiveram acesso aos livros, textos diversos, fotografias, filmes, desenhos, livros, objetos e obras, podendo assim captar o artista em sua  essência. Como comentava Wesley Duke Lee, sua casa era ele mesmo virado de dentro para fora. Muitos artistas utilizaram referências do Grupo Rex, do qual Wesley Duke Lee foi um dos fundadores, que oferecia um contraponto combativo e bem-humorado ao mercado de artes, na década de 1960. Essas referências estão agora disponíveis na biblioteca do WDLAI.

 

A possibilidade de imersão no universo de Wesley Duke Lee é um dos objetivos do Instituto e um dos sonhos do artista, coordenado por sua sobrinha, Patrícia Lee: fazer circular seu conteúdo cultural e informativo na sociedade. Grande parte dos materiais já está à disposição de estudantes, pesquisadores e público. “Queremos, com iniciativas como esta, provocar o pensamento artístico e criativo, reinventar a didática à maneira de Wesley Duke Lee e estimular o autoconhecimento”, diz Patrícia Lee, diretora cultural do Instituto.

 

“PROCES/SOS CRI/ATIVOS” é o resultado do resgate da memória de Wesley Duke Lee através das mentes jovens do nosso tempo.  Artistas participantes: Adriana Moreno, Bruna Meyer, Claudia Di, Coletivo Quatro Patas, Felipe Ferraro, Gustavo Prata, Ile Sartuzi, Julia Kavazzini, Julia Milaré, Karina Ferro, Leandro Muniz, Margarita Jaime, Pedro Ermel, Wal Braz, Yuli Yamagata.

 

 

 

De 29 de fevereiro a 05 de março.

ARCO, 35 anos

19/fev

A edição comemorativa da ARCO Madrid, Espanha, também tem como estratégia renovar e impulsionar a feira como uma importante plataforma do mercado de arte. Por isso, além da participação de grandes galerias internacionais – algumas, pela primeira

 

vez, a 35ª edição da feira apresenta também 98 propostas dedicadas a um ou dois artistas, fazendo com que a feira assuma um papel de referência para o descobrimento e a investigação de novos artistas.

 

Participam desta edição 221 galerias de 27 países, abarcando desde as vanguardas históricas, os clássicos contemporâneos e a arte contemporânea, 71% das quais são estrangeiras, com notável presença de 47 galerias de 10 países latino-americanos, o que representa 26% de seu segmento internacional. As galerias se dividem nos setores Geral, Solo Projects, Openings e #35aniversário. Pela primeira vez, cerca de 90 galerias vão expor apenas obras de um ou dois artistas.

 

 

Galerias brasileiras

 

No total, 12 galerias brasileiras participam da feira, quatro delas como convidadas para o programa especial comemorativo #35aniversário. No setor Geral estão: Anita Schwartz, Baró, Casa Triângulo, Dan Galeria, Jaqueline Martins, Leme, Luciana Brito, Marilia Razuk, Mendes Wood DM e Vermelho (com obras de Marcelo Cidade e Angela Detanico / Rafael Lain). As quatro galerias participantes do #35aniversario são Casa Triângulo, Fortes Vilaça, Luciana Brito e Luisa Strina.

 

 

A feira acontece em Madrid, Espanha, entre 24 e 28 de fevereiro.

Na Emma Thomas


A exposição “Fantasmas” de Thereza Salazar foi organizada pelo Escritório de Arte Rosa Barbosa e está sendo realizada na Galeria Emma Thomas, Jardins, São Paulo, SP. A mostra conta com 8 esculturas, feitas em vidro e madeira, e 5 gravuras, com tiragem de 5. Junto a isso, no dia 12 de março às 15h30, na galeria Emma Thomas, será realizada uma conversa com a artista. A curadoria é de Renato Pera.

 

 

Sobre a artista

 

Thereza Salazar tem como foco de interesse a pesquisa de imagens gráficas encontradas em literaturas variadas e publicações antigas, usando essas imagens como referências a partir das quais trabalha com colagens, recortes e sobreposições, reagrupando assim, elementos conforme um pensamento e objetivo novos. A artista trabalha dentro de um campo mais expandido da gravura e do desenho utilizando desde meios de produção mais artesanais até as ferramentas tecnológicas atualmente disponíveis. Para cada projeto escolhe a linguagem mais adequada segundo as necessidades da imaginação. Desse modo, a pesquisa poética de Thereza Salazar se dá então dentro de um ambiente gráfico, que vai se desdobrando na experimentação de novos meios e linguagens, incorporando novos elementos e buscando uma diferente intermediação entre as imagens e o mundo.

 

 

Sobre a Exposição

 

A exposição Fantasmas de Thereza Salazar foi organizada pelo Escritório de Arte Rosa Barbosa e será realizada na Galeria Emma Thomas, no período de 18 de fevereiro a 16 de março de 2016. A mostra conta com 8 esculturas, feitas em vidro e madeira, e 5 gravuras, as quais têm tiragem de 5. Junto a isso, no dia 12 de março às 15h30, na galeria Emma Thomas, será realizada uma conversa com a artista.

 

 

A palavra do curador

 

Fantasmas parte do estranhamento e do fascínio frente aos objetos criados pelo homem, da desconfiança em relação ao seu funcionamento e da interdependência que existe entre esses aparatos tecnológicos e nossas vidas na contemporaneidade. Parte também da noção de ruína, dos estilhaços depositados no tempo, recuperados pelo olhar da artista. As imagens aqui propostas são alegorias que mesclam objetos da ciência, animais naturais e imaginários. Querem falar de uma desnaturação dos corpos, uma espécie de desvitalização da vida, num mundo tomado por concepções superficiais e mecânicas. Querem também tornar visíveis as “sobrevivências” de fantasias e mitos imemoriais, representadas por monstros, seres híbridos, animais fantásticos e aberrações. Nesta exposição, Thereza Salazar apresenta obras inéditas, nas quais explora o ambiente gráfico utilizando diferentes materiais, processos e suportes. A apropriação e a colagem – desmontagem e remontagem – de elementos díspares, afastados de seu contexto original permitem criar novas relações e significados.

 

 

Até 16 de março.

 

Collage Show : Barcelona

Com apoio da Fundación Miró/Barcelona, o INT´NL Weird Collage Show desloca-se este ano para Barcelona, Espanha. A edição anterior realizou-se em Nova Iorque e a atual acontecerá no ESPRONCEDA CENTER for ART & CULTURE de 25 de fevereiro até 13 de março.

 

 

O grupo de artistas expositores nessa edição de Barcelona, oriundos de diversas partes do mundo, que  dedicam-se a prática da colagem como técnica artística autônoma, é composto por Alan Ganev & François Ares (Canadá), André Bergamin (Brasil), Anna Taratiel (BCN), Anthony Zinonos (EEUU), April Gertler (Alemanha), Ashkan Honarvar (Noruega), B. D. Graft (Países Baixos), Bill Noir (França), Chang Gang Lee (Japão), Charles Wilkin (USA), Cless (Espanha), Dennis Bush (Alemanha), Franco Fasoli (Argentina), Fred Free (EEUU), Gloria Vilches (BCN), Goster (Peru) Grande (Suécia), James Gallagher (EEUU), Jon Legere (EEUU), John Witlock (EEUU), Julia Busch (Alemanha), Mario Zoots (EEUU), Marta De Los Pájaros (BCN), Max-O-Matic (BCN), Mik de Sutter (EEUU), Niko Vartiainen (Finlândia), Rubén B (Espanha), Sergi Lacambra (BCN), Sylvia Stølan (Noruega), Tamar Cohen (EEUU) e Vincent Pacheco (EEUU), a curadoria é de Max-O-Matic & Rubén B.

Mestres santeiros paulistas

16/fev

Apresentando a coleção de Ladi Biezus, a exposição propõe uma análise aprofundada nas características escultóricas das peças, no intuito de desvendar quem eram os mestres santeiros por trás dessa rica produção artística, no estado de São Paulo. O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS-SP, Luz, São Paulo, SP, equipamento da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, abre a exposição “Mestres Santeiros Paulistas do Século XVII na Coleção Santa Gertrudes”, com curadoria de Maria Inês Lopes Coutinho. Composta por 54 imagens, a coleção de Ladi Biezus é exposta no MAS-SP, lançando um olhar panorâmico para entender, utilizando as características escultóricas, quantos e quais poderiam ser os artistas que produziram tais esculturas chamadas de “paulistas”, ao longo do século XVII.

 

Iniciada em 1970 com a aquisição de uma Santa Gertrudes – daí o nome da coleção -, as obras foram sendo incluídas neste acervo sob o critério fundamental de serem imagens “paulistas”. Mais de 45 anos depois, Ladi Biezus inicia uma pesquisa no intuito de separar as peças de acordo com traços em comum, os quais poderiam identificar e agrupar as esculturas conforme suas origens: Frei Agostinho de Jesus e seu círculo espiritual; Mestre de Sorocaba ou Mestre de Porto Feliz, ou ainda nomeado como Mestre de Itu; Mestre de Angra; Mestre do Cabelinho Xadrez; Mestre de Iguape ou Mestre de Pirapora do Bom Jesus, e no fim do século XVII, Mestre Bolo de Noiva. Ainda há um grupo com características diversas, não comuns, que até o presente não puderam ser identificadas em sua autoria. “O importante na exposição desta coleção é a classificação proposta pelo colecionador”, segundo Maria Inês Lopes Coutinho.

 

De acordo com Ladi Biezus: “Pelo menos a metade das imagens desse Agrupamento, tanto teriam sido executadas pelo próprio Frei Agostinho em diferentes épocas de sua vida, como poderiam ter sido executadas por discípulos trabalhando sob sua direção. Este fato reforça a ideia de não serem tão numerosos os artistas relevantes da época”.

 

Para o Museu de Arte Sacra de São Paulo -– MAS-SP, é com satisfação que esta interessante coleção é apresentada ao público. Nas palavras de José Carlos Marçal de Barros, Diretor Executivo do MAS-SP, e de José Oswaldo de Paula Santos, Presidente do Conselho de Administração: “No silêncio de sua casa, Dr. Ladi Biezus reuniu, observou, percebeu detalhes e interagiu com sua coleção, como só um colecionador sabe e pode fazer, abrindo-a agora para uma discussão profícua acerca de seus significados”.

 

 

 

De 20 de fevereiro a 29 de maio.

Bate-papo na Caixa Rio

A CAIXA Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, promove no dia 20 de fevereiro (sábado), das 15h às 16h, o bate-papo “Imagens de um corpo de mulher: (re)criações na obra de Clarice Lispector e Frida Kahlo”. A atividade é inspirada na exposição “Frida Kahlo – Conexões entre mulheres surrealistas no México” em cartaz no espaço até o dia 27 de março. A entrada é franca e serão oferecidas 30 vagas. As inscrições podem ser realizadas pelo e-mail agendamento@gentearteirarj.com.br.

 

O bate-papo é uma iniciativa do Programa Educativo CAIXA Gente Arteira e será conduzido por Letícia Gomes Montenegro, mestre em Teoria da Literatura Comparada pela Universidade do Estado do Rio de Janeiro, UERJ. A conversa, com a participação do público, terá como ponto de análise o corpo feminino e suas mudanças. A zona de fronteira entre a plasticidade e a textualidade, tanto da palavra quanto da imagem, serão trabalhadas neste diálogo, tendo como ponto de interseção o corpo.

 

O objetivo é traçar junto com os participantes uma leitura das pinturas de Frida e a relação de suas obras com os textos de Clarice Lispector no livro “Água Viva”, de 1973. Nessa obra, Clarice trabalha questões ligadas ao corpo como nascimento e morte, entre outros temas, comuns às pinturas de Frida.

 

“As duas artistas têm como ponto de convergência representar ou escrever sobre o corpo feminino sem usar estereótipos mas, sim, como expressões e experiências de suas próprias vidas”, explica Letícia Montenegro, que em sua dissertação de mestrado fez um paralelo entre a escritora Clarice Lispector – que também era pintora -, e a artista Frida Kahlo.

Vernissage na Suiça

15/fev

O artista plástico Alex Flemming é um dos artistas expositores da exposição do Le Musée Olympique de Lausanne, Suiça, que com esta iniciativa, inicia as comemorações das Olimpíadas RIO 2016. Flemming participa como artista convidado pelo museu.

 

O Museu Olímpico, em Lausanne, abriga exposições temporárias e permanentes relacionadas com o desporto e o movimento olímpico. Com um acervo de mais de 10.000 peças, o museu é o maior arquivo do mundo sobre os Jogos Olímpicos e um dos principais pontos turísticos da cidade, atraindo cerca de 250 mil pessoas por ano.

 

O museu fica junto ao Lago Léman e está rodeado por um parque com numerosas obras de arte tendo por tema o desporto. Foi fundado em 23 de junho de 1993 e eleito o Museu Europeu do Ano em 1995, é o segundo museu mais visitado da Suiça.

 

 

Desde 09 de fevereiro.

Clube dos Colecionadores 2016

04/fev


Com o objetivo de incentivar o colecionismo da arte contemporânea brasileira, o Museu de Arte Moderna de São Paulo apresenta a lista de artistas selecionados para a edição 2016 dos Clubes de Colecionadores, iniciativa anual que atrai interessados em iniciar ou ampliar a coleção com a aquisição de obras que se valorizam ao longo do tempo. Nos Clubes de Colecionadores do MAM, os sócios recebem, a cada ano, cinco obras especialmente criadas por nomes prestigiados, selecionados pelos curadores responsáveis em conjunto com a curadoria do museu, o que confere credibilidade à aquisição. Os curadores Eder Chiodetto, do Clube de Fotografia, e Cauê Alves, do Clube de Gravura, apresentam nomes relevantes no cenário nacional para apresentar as obras do ano.

 

Em 2016, as obras são selecionadas por curadores renomados nas áreas de Gravura e Fotografia. No ano em que o Clube de Colecionadores de Gravura completa 30 anos – e contará com uma mostra no segundo semestre em homenagem ao aniversário -, o curador Cauê Alves escolheu artistas de peso no cenário nacional como Lenora de Barros, Nelson Felix, Cristiano Lenhardt, Brígida Baltar, além do argentino Jorge Macchi.

 

Para o Clube de Colecionadores de Fotografia, o curador Eder Chiodetto apostou em nomes com sólido reconhecimento na área como o expoente Geraldo de Barros (já falecido) e em artistas em plena produção como Miguel Rio Branco, Yuri Firmeza, Luiza Baldan e Walda Marques. As obras são produzidas em tiragens de 100 exemplares, que são entregues aos sócios com certificado de autenticidade.

 

Para participar dos clubes, os interessados se associam anualmente a um deles e, no final do ano, recebem as cinco gravuras ou as cinco fotografias. A edição é de 117 obras numeradas, das quais cem são distribuídas aos associados, duas são doadas ao acervo do MAM, três são destinadas ao Clube de Colecionadores, além de dez entregues ao artista e duas aos curadores dos clubes.

 

 

Histórico

 

No MAM, os Clubes começaram em 1986, com o Clube de Gravura, fundado dentro do extinto Departamento de Artes Gráficas do museu. Em 2000, com a institucionalização da fotografia e a valorização como peça de arte nos acervos dos museus mais importantes do país, foi criado o Clube de Colecionadores de Fotografia.

 

 

 

Adesões

 

Preço: anuidade de R$ 5.080,00 por Clube (pagamento à vista com 5% de desconto) Onde: pelo e-mail clubes@mam.org.br, (11) 5085-1406 ou na sala dos Clubes no Museu de Arte Moderna de São Paulo, de 2ª a 6ª feira, das 10 às18h

 

 

Endereço: Parque do Ibirapuera, Avenida Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portão 3

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