AGENDA CULTURAL

Baró representa a obra de Joana Vasconcelos

20/abr

Depois de muitos anos acompanhando de perto sua carreira, especialmente desde sua monumental instalação apresentada na Pinacoteca do Estado de São Paulo em 2008 “Contaminação”, a Baró Galeria – Palma de Mallorca, Lisboa e São Paulo -, une forças com Joana Vasconcelos e passa a representá-la.

Nascida em Paris, Joana Vasconcelos é uma das mais conhecidas artistas contemporâneas internacionais que vive e trabalha em Lisboa. Em sua prática, ela explora temas de identidade, gênero e cultura de consumo, incorporando objetos e materiais cotidianos, como têxteis, cerâmicas e eletrodomésticos, que transforma em esculturas monumentais e provocantes.

A obra de Joana Vasconcelos gira em torno da cerâmica, fios tecidos e tecidos. Esses materiais servem de base para suas vibrantes esculturas tridimensionais maiores que a vida, bem como para suas elaboradas e surreais criações que transformam objetos comuns, móveis, ferramentas, cerâmicas e estatuetas. Joana Vasconcelos eleva estes suportes e as suas técnicas tipicamente associadas às artes aplicadas e artesanais ao estatuto de fine art. Sua abordagem envolve técnicas de alienação e reaproveitamento, o que aproxima seus trabalhos em estilo e estratégia dos artistas surrealistas.

Joana Vasconcelos já expôs internacionalmente, na Bienal de Veneza (2005) (2013), no Museu Guggenheim Bilbao (2018) e no Palácio de Versalhes (2012), sendo a artista feminina mais jovem a expor no palácio. Recentemente, ela expôs uma monumental instalação site specific para o desfile Dior Fall-Winter 2023-2024, na Semana de Moda de Paris. Atualmente, “O Bolo de Casamento”, uma encomenda da Fundação Rothschild para Waddesdon Manor no Reino Unido, está sendo concluído.

Para saber mais sobre a artista, visite nosso site ou dê uma olhada em sua mais nova publicação “Liquid Love” (La Fabrica, 2023) e nos próximos projetos da artista “Arbre de Vie”, na Sainte-Chapelle du Château de Vincennes e “Wedding Cake” at Waddesdon.

Sobre Lia D Castro

Arte para Lia D Castro é prática e técnica, ela ressaltou, a todo momento, em sua conversa aqui compilada na arte!brasileiros. Em suas criações, trabalha com óleo sobre tela, xilogravura, carvão vegetal, giz pastel seco, caneta e até esparadrapo. Arte, para Lia, também é processo. Na exposição “A cumplicidade refletida”, que a Galeria Jaqueline Martins apresentou – e que em breve segue para a sua filial em Bruxelas (Bélgica) – a artista mostrou pinturas e fotografias feitas ao longo de sete anos, em programas de sexo pago, com homens cisgêneros, heterossexuais, pretos e brancos, com idades de 18 a 25 anos. Nesses encontros, a artista discutia transfobia e racismo, a partir da leitura de autores como Angela Davis, Chinua Achebe, Achille Mbembe, Toni Morrison e Lélia Gonzalez, entre outros. Transexual, negra, Lia lançou mão da prostituição como “ferramenta de diálogo”.

Sobre a artista

Nascida em 1978, em Martinópolis (SP), Lia morou até os 20 anos em fazendas, no interior de São Paulo e de outros estados, porque seu pai trabalhava como agrônomo autodidata, segundo ela. Lia trabalhava na roça, ordenhava vacas, concluiu o segundo grau. Em 2010, uma amiga a convidou para morar em São Paulo. Estava abrindo uma loja de artesanato e um ateliê, onde Lia passaria a dar aulas. À época, a artista já usava tela e tinta a óleo. Sempre desenhou e pintou, inspirada nas próprias atividades manuais e artesanais de seus pais. Estimulada a prosseguir seus estudos, desta vez no ensino superior, Lia fez o curso de artes visuais no Centro Universitário Ítalo Brasileiro, onde afirma ter se dado conta de como uma faculdade promove o “embranquecimento intelectual”. Lia queixa-se que os professores citavam predominantemente artistas europeus e que, quando mencionavam os brasileiros, restringiam-se à Semana de 22. Formou-se quase aos 35, em 2016. Fez estágios na área educativa do Sesc e na 30ª Bienal de São Paulo, com curadoria de Luis Pérez Oramas. Lá, refletiu como seria possível deixar um lugar, com 4 mil obras, o menos opressivo possível para o público, dentro de uma construção, por sua vez, monumental.

Adriana Coppio em Salvador

19/abr

A Alban Galeria, Salvador, BA, anuncia a exposição “Mãe da Lua” de Adriana Coppio, primeira individual da artista na galeria. Esta é também a primeira mostra da artista paulista (nascida em Taubaté, em 1978), na Bahia. “Mãe da Lua”, título que dá nome a uma das telas do conjunto, reúne cerca de 30 obras da artista, entre pinturas e desenhos, evidenciando o aprofundamento de repertório estético e temático de Adriana Coppio, ao longo de uma trajetória artística de mais de duas décadas de produção. A mostra será aberta no dia 27 de abril, permanecendo em cartaz até 27 de maio.

Parte de uma geração de artistas concentrada em São Paulo, nas décadas de 1990 e no início dos anos 2000, Adriana Coppio sempre chamou atenção para seu trabalho pelo fato de que, na contramão de seus parceiros e colegas de geração, a artista fincou seu interesse pela pintura figurativa desde o início de sua trajetória até os dias atuais, ao passo em que as questões ligadas ao cenário da arte de então pareciam pender para a pintura abstrata e, mais além, para obras conceituais, performáticas e afins.

A opção de Adriana Coppio por uma pintura figurativa, no entanto, em nada diminui a radicalidade com que a artista assume tal escolha. À primeira vista, é natural que o espectador se coloque diante de uma de suas pinturas e seja tomado por certo torpor ou desconcerto diante das paisagens, personagens e lugares criados pela artista. Desde o início de sua produção artística, Adriana Coppio nos apresenta e conduz até um Brasil – e para além dele -que nos remete o cânone de nossa pintura moderna, por exemplo.

Figuras híbridas

Suas paisagens e espaços (rurais e domésticos) frequentemente são habitados por figuras híbridas (entre humanos, objetos inanimados que parecem dotados de vida, como bonecas antigas e, ainda, outros seres não passíveis de classificação imediata, veloz). Se a modernidade foi responsável por nos agraciar com produções de geniais artistas como Guignard, Di Cavalcanti, Maria Martins – dentre tantos outros e outras figuras incontornáveis – Adriana Coppio traça uma implacável busca por céus de tons cáusticos, imprecisos entre habitarem a noite ou o dia. Se, lá atrás, a luminosidade dos trópicos serviu de motivo para pinturas e obras diversas de nomes variados, na obra de Adriana Coppio vemos um Brasil na via oposta da representação arquetípica e saturada com que fomos atravessados até aqui. Nas palavras do curador José Augusto Ribeiro, que escreve um ensaio crítico que acompanha a exposição: “A começar por uma luminosidade fluorescente, artificial e quase radioativa que invade o espaço das telas, vinda detrás das figurações, intrometendo-se aos poucos, pelas frestas, entre os motivos da pintura, até chegar, às vezes sólida, chapada, ao primeiríssimo plano (…). Essa luz psicodélica que trespassa as imagens de Coppio sucede do modo como a artista prepara suas telas para a realização do trabalho, por meio de um preenchimento homogêneo do “fundo”, que sela a trama do tecido, com tinta acrílica nas cores amarelo, verde ou rosa.”

A partir das palavras de José Augusto Ribeiro, podemos destacar também o processo pictórico da artista, cujas telas são realizadas com tinta acrílica, notadamente um material menos maleável e que permite poucas (ou quase nenhuma) negociação entre o artista e sua obra, durante o ato da pintura. Pigmento de secagem veloz, a tinta acrílica aparece aqui, nas pinturas de Adriana Coppio, com impressionantes cargas de fluidez, a deslizar pela tela em pinceladas vastas, típicas de quem emprega em suas telas, ao contrário, a tinta a óleo. Tal virtuosidade chama atenção nas obras da artista, ainda que esta seja apenas um aspecto de sua singular e amplamente reconhecida produção visual.

Referências cinematográficas

Impressionam também suas referências que, advindas de naturezas distintas, conjugam universos diversos no plano da tela. Do cinema de David Lynch aos livros de folclore brasileiro, de sua vivência no campo desde o início de sua vida até o misticismo de obras literárias como “O Livro Vermelho”, do suíço Carl Jung, pai da psicologia analítica. Deste modo, Adriana Coppio nos convida a percorrer sua exposição como se estivéssemos a assistir a um filme, frame a frame (ou quadro a quadro), ainda que fuja da ideia de uma narrativa fechada ou hermética.

“Quando vou começar um trabalho tenho que me concentrar muito, me fechando no ateliê e acessando o que me faz querer ser artista, que é o material que engloba todo o meu repertório de interesses encontrado até hoje. Como ponto de partida, utilizo imagens oriundas de materiais que me interessam e que servem como uma ponte ou ferramenta para o que se encontra na minha mente. Podem ser fotografias variadas, da minha família, ou outras que eu mesma fiz para capturar algo que me surpreendeu e instigou em determinado momento e quis levar comigo de alguma forma, assim como emprego referências de filmes ou ilustrações de livros que me são preciosos e inspiradores, alguns desde a infância. Em suma, faço um grande quebra cabeças de imagens, passo a observá-las e investigá-las incessantemente, de modo a vê-las todas juntas e construir uma espécie de colagem mental que já é, em si, o início do processo de construção das pinturas”, afirma a artista.

Curso de arte imperdível!!!

18/abr

Arte Contemporânea Agora! Anos 1950-2000 com Julia Lima (*) na Simões de Assis.

Dias 26 de abril, 03 e 10 de maio, quartas 19h – 21h, investimento R$ 450,00. Onde? Em São Paulo, Rua Sarandi, 113 A.

(*)As aulas acontecem presencialmente na Simões de Assis em São Paulo

Inscreva-se!!

A história da arte é uma disciplina que vem sendo constantemente revisada e reescrita. No entanto, a produção contemporânea – por seu volume, pela velocidade de mudança, pela proximidade do tempo – é o recorte talvez de mais difícil acesso pelo público.

Nesse curso de três aulas vamos abordar a vida e a obra de artistas fundamentais da arte contemporânea a partir de temas que recorrentemente identificamos em suas produções. Por meio de recortes como “Arte & Política”, “Inclusão” e “Novas Mídias”, vamos apresentar os trabalhos de nomes que marcaram a segunda metade do século 20 de maneira indelével, como Anish Kapoor, Ai Weiwei, Judy Chicago, Félix Gonzalez-Torres, Sophie Calle, Marta Minujín, Ana Mendieta, Kerry James Marshall e Cildo Meireles.

Essa é uma maneira de se aprofundar na trajetória de artistas que foram e continuam sendo fundamentais na construção de novas perspectivas sobre o mundo em que vivemos.

(*) Julia Lima é curadora independente, pesquisadora e tradutora especializada em ensaios na área de artes visuais. Também atua como crítica de arte, professora de História da Arte e no acompanhamento de artistas.

Boneca de papel no Paço Imperial

A exposição individual de Maria Fernanda Lucena permanecerá exposta no Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, até 20 de maio, quando a artista apresenta “Boneca de papel”, sua nova série de trabalhos. As obras exibidas começaram a ser pensadas através de práticas comuns à artista, o recorte e a colagem, fazeres que ela considera lúdicos por rememorarem modos de brincar, além de gestos costumeiros ao universo da moda, um dos pilares da sua produção. Frequentadora da feira de antiguidades da Praça XV, no Centro do Rio de Janeiro, garimpa fotografias 3×4 e, partindo delas, elabora imagens sobrepostas. Sutura os rostos desconhecidos com figurinos de artistas da cultura pop e de suas referências musicais.

As pinturas de tinta a óleo sobre papelão são sustentadas por molduras em escala humana, medindo 1,80 metros de altura. O ornamento de madeira, que geralmente delimita, se transforma em parte integrante dos trabalhos, utilizado como um anteparo que divide e compartimenta, mas também possibilita frestas, além de impulsionar a construção de ambientes vazios e ecos, em uma narrativa labiríntica.

“Lucena cria um jogo de identidades. Há em suas pinturas humor e uma certa nostalgia, fruto das memórias que escolheu revolver. Suas figuras ganham corpo no modo que criou para exibi-las, são passantes, mas nos entregam algo”, ressalta Bruna Araújo, que responde pela curadoria da exibição.

Sobre a artista

Maria Fernanda Lucena nasceu em 1968 no Rio de Janeiro. Depois de estudar e trabalhar com indumentária e design de moda, ingressou na EAV- Parque Lage – frequentando diversos cursos onde passa a se dedicar ao desenho e à pintura. Suas exposições individuais foram curadas por Efrain Almeida, na C. galeria, e na galeria Sem título, e por Cesar Kiraly “A intimidade é uma escolha”, na galeria de Arte Ibeu, em 2017, no ano anterior foi vencedora do prêmio “Novíssimos”. Em projetos coletivos expôs a convite dos curadores Brígida Baltar, Isabel Portella e Marcelo Campos. Integra coleções particulares e o acervo do Mar – Museu de Arte do Rio.

A arte cinética de Soto

: ph ana pigosso

Pioneiro da arte cinética, o artista visual venezuelano Jesús Rafael Soto teve como foco em sua criação a busca pelo movimento em suas obras. O artista inovou criando peças que pareciam ter vida própria e que instigavam a mobilidade, a dinâmica e a vibração. Celebrando o centenário do artista, a DAN Galeria, Jardim América, São Paulo, SP, que comemora 50 anos de trajetória e representa Soto desde a década de 1990, ocupa até 30 de junho, as suas duas unidades na capital paulista com a mostra “Jesús Soto – Cor, Forma, Vibração”, com curadoria assinada por Franck James Marlot.

A música fez parte da vida artística de Soto no mundo das artes. Ele inicialmente se inspirou nas estruturas concretas de Mondrian e assumiu o desfio de criar uma obra que fosse além da síntese estética alcançada pelo artista, agregando uma nova dimensão, que é o movimento na arte. Soto percebeu na música o jogo com duas camadas compostas pela linha rítmica constante e pela linha melódica variável, com relações entre as duas ao longo das composições. Foi assim, unindo pintura e música, que Soto por meio da exploração da vertente da pintura abstrata, primeiro com sobreposições usando a transparência do plexiglass, e depois referindo-se às sobreposições de sons e ritmos, concebeu a técnica de arte cinética em seus trabalhos.

Sua obra desafia a fronteira entre arte e investigação científica, habilitando uma nova interação entre o sujeito e a obra. A individual apresentada pela DAN destaca 30 obras do artista produzidas entre as décadas de 1960 e de 2000. A mostra inclui dois trabalhos de dimensões arquitetônicas, expostas pela primeira vez em galeria: “Paralelas” (1990), e “Penetrável BBL Jaune” (1999). Além destas, algumas obras da série “Paralelas Vibrantes”, outras da série “Sínteses”, e uma seleção de esculturas em aço, alumínio, nylon, pvc, plexiglass e pintura sobre madeira, também ocupam o espaço expositivo. Esta é a primeira exposição individual realizada na unidade da DAN Contemporânea.

Sobre as obras do artista, comenta o curador Franck James Marlot “O deslocamento do espectador provoca efeitos visuais de “moiré” que dão a ilusão de um movimento rotativo rápido da espiral. O movimento aparece sem motorização. Com esta demonstração, Soto introduz a noção de espaço-tempo na sua obra, ativada pelo olho do espectador, que desenvolve não só uma dinâmica espacial, mas também temporal. É neste momento singular de diálogo em que a experiência entre o espectador e a obra, o objeto cinético, em sua singularidade, permite a multiplicação infinita de pontos de vista e cria uma imagem vibrante e em movimento, implicando experiências visuais mais amplas”.

O atelier de Santo

No dia 22 de abril, sábado, o artista paulistano Santo abre sua primeira exposição-solo no Rio de Janeiro. Será no Parque das Ruínas, Santa Teresa. Ocupação com mais de 60 obras tem curadoria de Denise Terra e reproduz o atelier do artista, com visitação até 21 de maio.

“Toda vez que eu me coloco entre o pincel e a tela, uma força me toma. Te convido a ser junto. Te encontro no topo. Das ruínas. De Nós”.

Com esta declaração-manifesto de Santo, já é possível conceber a energia que permeia a exibição que leva seu próprio nome. Com a intenção de transportar o público para dentro de seu atelier, serão reproduzidos alguns de seus processos criativos – dos materiais aos “astrais”. A exposição faz um recorte da fase artística inicial à atual, e divide-se em duas partes: galeria e ruínas. Na galeria, o público terá acesso ao espaço vivido em um atelier, com obras concentradas em uma parede de 14 metros, todas sem molduras. Já as ruínas propõem um diálogo silencioso com a alma do artista. As obras e o espaço se entrelaçam,formando um ambiente imersivo. As pinturas possuem dimensões que vão de 70 centímetros a 10 metros de altura. Duas delas, as de maiores proporções, foram criadas ao vivo em performance realizada dentro da própria instituição, especialmente para esta ocasião. Somente uma obra terá moldura, customizada pela Metara.

Certa vez, SANTO chegou a dizer que a Arte representa o lugar mais legítimo e sem limites de ser o divino-humano nesse plano. E assim será nesta mostra. “Quando entrei no Parque, me arrepiei. Soube desde então que ocupar a galeria e as paredes das ruínas, com tudo de mim, seria de fato o maior, mais exigente e mais belo desafio até aqui”, afirma.

A curadoria assinada por Denise Terra, responsável por parte de seu escritório independente de arte e também agente dos projetos e trabalhos do artista. “Santo expressa força e provoca ativação do sentir de forma não linear: quebra regras, desconforta e transgride a razão. A exibição propõe uma autorização de ser, viver e se expressar a partir do livre e desconhecido de cada um”, diz.

Sobre o artista

Autodidata, Santo nasceu e vive em São Paulo. Santo pintou sua primeira tela em 28 de maio de 2018 e, desde então, ganhou espaço em grandes coleções particulares no Brasil e no exterior, além de metaverso (nfts). Suas obras não se prendem a métodos, formas, molduras, plataformas. Muito pelo contrário. Do papel á madeira, tecido, lona, papelão e materiais de descarte, foram produzidas mais de 600 pinturas até hoje. Elas desvelam figuras fortes em traços livres e combinações improváveis de cores, que provocam a sensação de estar diante de algo que escapa à razão. Como uma afronta, uma transgressão. Um convite ao coração.

Sobre a curadoria

Denise Terra se formou como artista visual na EAV/Parque Lage, onde foi aluna de grandes artistas, e na Scholl of Art, Londres. Iniciou sua carreira como escultora logo em seguida, se debruçando sobre a pintura. Convidada por campanhas publicitárias internacionais, dedicou-se, durante 10 anos, junto com a pintura, à direção de arte e também como colorista. Atualmente além de realizar trabalhos autorais, é cofundadora do escritório de arte Santo, onde é agente do artista Santo e responsável pela gestão de projetos e da carreira do artista.

Artista selecionada

17/abr

Jeane Terra, artista representada por Anita Schwartz Galeria de Arte, do Rio de Janeiro, foi a artista selecionada na SP-Arte pelo EFG Latin America Art Award, em associação com ArtNexus e colaboração de Fernando Oliva, professor e curador do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP), junto com Celia Sredni de Birbragher, diretora e editora da ArtNexus. Os dois trabalhos de Jeane Terra exibidos no estande de Anita Schwartz Galeria de Arte na SP-Arte – “Virtuoso” (2022) e “Margem” (2022) – são feitos em sua técnica singular, patenteada, de pintura seca feita em montagem de 1cm x 1cm em pele de tinta sobre tela, com tamanhos de 143cm x 100 cm e 141,5cm x 100 cm, respectivamente.

O EFG Latin America Art Award – com o desenvolvimento estratégico da Liaisons Corporation – é anual, e foi criado para apoiar a produção de artistas latino-americano e promover as feiras regionais entre colecionadores em todo o mundo. O prêmio tem um corpo de jurados para escolher artistas nas feiras SP Arte, em São Paulo; PArC, em Lima; arteBA, em Buenos Aires; Ch.ACO, em Santiago do Chile e ArtBo, Bogotá. Em sua décima-terceira edição, o prêmio anunciará na feira Pinta Miami (06 a 10 de dezembro), durante a semana da Art Basel, o artista vencedor, que terá uma obra adquirida pelo EFG Capital, que tem sua coleção sediada em Miami.

Jeane Terra conta que recebeu “com imensa alegria esta nomeação ao EFG Latin America ArtAward, na SP-Arte”. “Este tipo de prêmio fomenta o artista, o nosso meio, nossa pesquisa. É importante e necessário, e eu estou imensamente agradecida e feliz pelo olhar dessas pessoas sobre meu trabalho, para a história que quero contar através da minha arte. São muitos anos de dedicação a ouvir e colher histórias de outras pessoas, de lugares, em cima de uma pesquisa alquímica de materiais. Este prêmio vem pra mim como uma resposta muito importante, como artista, e pra minha pesquisa. Me dá força para seguir em frente, me encoraja ainda mais”, disse a artista.

Anita Schwartz comemorou o fato de Jeane Terra ter sido “escolhida entre tantos artistas na SP-Arte”. “Foi um reconhecimento de grande importância para a pesquisa de Jeane, que desenvolveu uma técnica muito particular como suporte para suas obras, e que vem ao longo dos anos abordando as conseqüências das ações dos homens contra a natureza. Representar Jeane Terra e o seu trabalho é um orgulho para a galeria, e a sua estreia na SPArte não poderia ser melhor”, destacou a galerista.

Sérvulo Esmeraldo no CCBB Rio

Chama-se “Linha e Luz”, a exposição retrospectiva do ilustrador, gravurista, pintor e escultor cearense Sérvulo Esmeraldo (1929-2017), um dos mais completos artistas brasileiros, atual cartaz do CCBB, Rio.

Reconhecido no Brasil e no exterior – viveu por longos anos durante a Ditadura militar em Paris – , Sérvulo Esmeraldo tinha domínio de várias técnicas, do entalhe à xilogravura, passando pela utilização de tecnologias aplicadas na geração de efeitos cinéticos, óticos e eletromagnéticos. Apesar da pluralidade técnica, sua obra possui uma coerência interna, baseada em elementos simples e em um tratamento sintético das formas. A curadoria é de Marcus Lontra e Dodora Guimarães.

Até 26 de junho.

Revisitando vínculos históricos

O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS/SP, Luz, São Paulo, SP, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, em parceria com a E-Manuscrito, lançou o livro “Por uma Descolonização da Imagem – o marfim africano na arte colonial do Oriente”, de autoria do Prof. Dr. Jorge Luzio. A publicação aborda a arte colonial através dos marfins, bem como os processos desta circulação nos contextos do Império português. O autor, por meio de sua pesquisa, permite ao leitor margear dois continentes, África e Ásia, além de conectá-los ao Atlântico, convidando-o a refletir sobre os vínculos históricos entre mundos aparentemente tão distantes, como a Índia e o Brasil, tendo o continente africano como ligação entre eles.

A obra inclui estudos conjuntos em história dos dois continentes africano e asiático, com inserções e paralelos com história ambiental e museologia. Os estudos permitem uma análise desde o comércio das presas de elefantes na economia colonial e a força desse comércio sobre a fauna africana, até as temáticas voltadas aos estudos de iconografias a partir do acervo da coleção de marfins do Museu de Arte Sacra de São Paulo. O terceiro bloco de textos apresenta um repertório iconográfico com parte das obras do acervo, a serem observadas a partir das referências artísticas de culturas da Índia pré-colonial. Isso auxilia o leitor a assimilar a complexidade do debate proposto sobre a arte colonial no Oriente português.

“Por uma Descolonização da Imagem – o marfim africano na arte colonial do Oriente” destaca a importância das novas abordagens da museologia com as questões decoloniais, construindo alternativas de metodologias e práticas pedagógicas com horizontalidade e engajamento. O pensamento decolonial se desprende de uma lógica de um único mundo possível e se abre para uma pluralidade de vozes e caminhos. “Descolonizar a Imagem não é algo fácil, tampouco simples, enquanto tarefa propositiva de novos diálogos que florescem da percepção e da observação visual no confronto com o que a Imagem poderá trazer: a ambivalência do deleite e da dor. No caso dos marfins, não há como deixar de se analisar os efeitos da mercantilização sobre os animais, seus ecossistemas e toda uma cadeia de destruição”, explica Jorge Luzio.

O evento de lançamento foi uma oportunidade para refletir sobre a complexidade das relações históricas e visuais entre diferentes continentes e culturas, além de ampliar o debate sobre o papel dos museus e da educação na construção de uma sociedade mais plural e inclusiva e também para visitar uma pequena exposição montada em vitrines selecionadas no MAS/SP com peças do acervo da instituição. O evento estará aberto ao público e terá a presença do autor.

“Descolonizar a Imagem é, portanto, também ser por ela visto, em jogos de espelho, pois como a vemos diz muito de nós mesmos; é enxergar, por fim, para além do que os olhos nos revelam, ou seja, como a História se desloca no tempo, e como carrega consigo as rupturas e as permanências, mesmo quando não a vemos num primeiro olhar”. Jorge Luzio

Sinopse do livro

Este livro é uma coletânea de artigos e textos inéditos do autor, que tem como ponto de partida um estudo sobre a coleção de marfins do Museu de Arte Sacra de São Paulo. A obra discute temas relevantes para a pesquisa sobre marfins, como o mapeamento de acervos, o colecionismo e a investigação em inventários, centros de documentação e arquivos coloniais, em diálogo com a perspectiva decolonial. Além disso, busca estabelecer conexões entre a História da Arte e a Educação, estimulando a interação entre Escola, Museologia e núcleos de pesquisa. Aproximando-se de áreas como História da África, História da Ásia e História Ambiental, a obra propõe novas abordagens para os estudos sobre marfins, suscitando reflexões sobre o papel da arte na sociedade, a preservação do patrimônio e o ensino de História. Com uma linguagem clara e acessível, o autor propõe avanços significativos na área de estudos de marfins e na relação entre arte e educação. A publicação dá sua contribuição como elemento adicional como fonte à pesquisa em arte e história.