Até 20 de novembro.

Sem Perfume: Estratégias de Perlocução

Se o uso da locução for considerado como um termo de significado intrínseco ou de referência, ou seja, distinto da sua função e contexto imediato, então a perlocução é aquela que em si mesma tem uma ação como seu objetivo, mas que não tem efeito ou constitui a ação, por exemplo, persuadindo ou convencendo. Assim sendo, é o caminho de perlocução gradual da persuasão e deslocamento que devemos seguir visualmente, a fim de experimentar e avaliar o discernimento trabalhado nos desenhos da artista Brasileira-Coreana Lina Kim. O fato de serem elaborados em séries diferentes não significa que se destinem necessariamente a ter uma leitura sequencial particular. Em outras palavras, permanecem como singularidades com um todo que constitui uma série não numerada, assumindo qualidades contextuais e significados em cada local da sua apresentação escolhida.

Um exemplo imediato de deslocamento fica evidente no grupo de obras OpOp que assumem a forma de campos retangulares monocromáticos emoldurados com uma fonte sincopada. O deslocamento é que os aspectos textuais assumem um papel pictórico em vez de apresentarem o determinismo fonético de uma linguagem escrita, daí a perlocução residir no fato de que enquanto a letra pode ler Space Stations ou Remembering Mountains, ou muitas outras referências dispersas selecionadas, o espectador é levado a um estado de compreensão por meios puramente visuais. Os vários tamanhos das letras e a assimetria de apresentação são circunlocuídos em torno da periferia do campo colorido, e isto evoca uma sensação difusa, fora de qualquer apreensão narrativa imediata. Como resultado, este grupo único de desenhos é apresentado como imagens de punctum, subjetivas, estímulos que levam a um poder de descoberta sutil mas persuasivo, ao invés de um determinismo didático.

O adiamento de um determinismo imediato é um aspecto central destes desenhos quando vistos como um todo, e é por isso que a artista Lina Kim usa o termo “sem perfume” a fim de explicar a natureza desse adiamento. O termo ‘sem perfume’ baseia-se no sentido olfativo e sugere que está em jogo uma forma de sinestesia psíquica. Este conceito que já existe há muito tempo na cultura visual em relação à abstração precoce, mas que tem sido geralmente atribuído ao intercâmbio do visual e do auditivo. Falar do “sem perfume” é, portanto, menos uma negação e mais uma denotação de ausência que o artista deseja fazer presente através desse deslocamento. Uma vez que a palavra ‘sem’ significa simplesmente a ausência de uma qualidade ou estado imediato. Somos levados a compreender isto novamente num outro grupo de desenhos chamado ‘Eyes’ que apresentam linhas de desenho em forma de olhos, em estado de repetição variável. Enquanto que a um nível podem jogar com a ideia de um teste ocular, a outro nível mais profundo são simultaneamente como uma espécie de braille visual. Como resultado, somos novamente levados a pensar em termos de deslocamento, ou seja, longe do visual para o táctil. É um lembrete salutar que, embora a experiência destes desenhos seja visual, a sua produção é o resultado dos processos de desenvolvimento da mão táctil sensorial. E é característico do tempo presente (um tempo de pandemia) que nos lembramos que a criatividade incorpora a simultaneidade de todos os sentidos.

Na série não numerada de desenhos chamados Ilhas, a ideia aproxima-se do genético através do microbiano ou da ameba, o que não significa que estas representações aquareladas se destinem a espécies de petri-dish, longe disso. É antes o fato de se abrirem como atóis ligados a variáveis vinculadas referencialmente. Embora não se destinem a ser uma representação específica, têm, no entanto, quando vistas em conjunto, o poder imaginário e acumulativo que se assemelha a um livro cintilante. Mas neste caso, a ênfase é colocada mais imediatamente na interação óptica e sensorial da aplicação do material e do suporte, onde vemos a aquarela espalhar-se e impregnar parcialmente a superfície do papel. Não se pretende, contudo, que sejam alusões a ilhas reconhecíveis ou localizáveis, apesar de sugerirem e de terem um ponto de vista aéreo comum a formas de cartografia de apresentação. É em grande parte o caso dentro do desenho criativo (por oposição ao esboço), que embora a superfície de papel seja um suporte horizontal, a relação do olho com a superfície é, na maioria das vezes, a de um ponto de vista aéreo. Pode supor-se que as aplicações de aquarela tricolor das ilhas, foram geradas de forma semelhante vistas por cima por Kim. Dado que o desenho é um meio mais imediato em relação à duração da pintura, encontramos um sentido de espontaneidade muito maior do que poderíamos supor à primeira vista.

Se utilizei o termo estratégia no início, não é para determinar qual é o conceito, uma vez que Lina Kim não se considera uma artista conceitual com um sistema pré-determinado. Os desenhos são evocações abertas, perlocuções pessoais, ou seja, os seus desenhos não direcionam o espectador para uma leitura fixa e significado(s) pré-determinado(s). Pelo contrário, ela prefere, na sua prática de desenho, abrir a potencialidade de múltiplas respostas do que seria considerado como diferença. Para isso, e ao longo destes desenhos, ela introduziu ideias do intra-sensorial, aquilo que é retido “dentro” dos sentidos, como diferente de um inter-sensorial existente entre os sentidos. Ao mesmo tempo, a sua conceitualização não é abstrata, pois existem relações análogas intencionais com o mundo natural, testemunhadas em outro dos seus meios mais utilizados, a fotografia. De fato, na série de fotografias de ambientes naturais, floresta e vegetação rasteira, com a sua poiesis do visual e do auditivo, podemos ser tentados a pensá-las como o reservatório oculto das ideias da artista expressas através dos seus desenhos. Em geral, este não é o caso da fotografia que é, na maioria das vezes, um meio de incisão e extração, enquanto que o desenho é o portador da intimidade do momento. Como resultado, a instalação atual dos seus desenhos é uma visão desse mundo pessoal privado.

©Mark Gisbourne