O feminino como princípio criador.

02/set

do mundo”. Uma visão poética e sensível da mulher como matriz, gênese, força-motriz no mundo e no cotidiano é a ideia que agrega as 77 obras de 59 artistas mulheres. Entre as artistas, estão Maria Martins, Lygia Pape, Celeida Tostes, Leticia Parente, Anna Bella Geiger, Sonia Andrade, Regina Silveira, Anna Maria Maiolino, Ana Vitória Mussi, Iole de Freitas, Sonia Gomes, Lenora de Barros, Brígida Baltar, Beatriz Milhazes, Rosângela Rennó, Adriana Varejão, Laura Lima, Aline Motta, Bárbara Wagner e Lyz Parayzo. A curadoria é de Katia Maciel e Camila Perlingeiro, que selecionaram trabalhos em pintura, gravura, desenho, vídeo, fotografia, escultura e objetos.  A mostra ficará em cartaz até 18 de outubro.

O início do mundo é um convite a regressar às origens. 59 mulheres evocam o feminino como princípio criador e força de transformação. Cada imagem, cada matéria carrega em si a potência das metamorfoses cíclicas, antigas e futuras. Aqui, o começo não é um ponto fixo, mas um movimento contínuo: um mundo que se reinventa no corpo feminino, na memória e na arte.

“Essa exposição é um projeto ousado, mesmo para a Pinakotheke”, diz Camila Perlingeiro. “Reunir tantas artistas e obras com suportes tão diversos foi certamente um desafio, mas um que abraçamos com entusiasmo. Há anos pensávamos em uma mostra que envolvesse um número expressivo de artistas mulheres, e a curadoria de Katia Maciel, poeta e artista múltipla, foi a garantia de um projeto ao mesmo tempo criterioso e sensível”. A montagem da exposição não obedece a um critério de linearidade. As aproximações são poéticas, onde obras em diferentes suportes se agrupam – como filmes junto a fotografias, ou pinturas que conversam com objetos, por exemplo. “É um percurso orgânico”, observa Camila Perlingeiro.

A primeira sala é toda em preto e branco, “porque simboliza o começo, antes da cor, antes de tudo”, explica a curadora. As outras salas são uma reunião de obras que conversam profundamente entre si e ao mesmo tempo formam uma cacofonia delicada e potente de tudo o que simboliza o início e o ciclo da vida.

Katia Maciel indaga: “O início é um ponto, uma linha, um círculo?”. “Para a Física, seria um ponto primeiro, um começo que explode. Para a História, uma linha contínua que por vezes se bifurca. Para as Mitologias, um círculo que gira sobre si mesmo. Para a Arte, o início são os três pontos, a reticência, a pergunta, a dúvida, uma forma viva que liga o finito ao infinito. A exposição reúne o trabalho de 59 mulheres cujos aspectos sensíveis e simbólicos expressam um início possível”, afirma.

MAM São Paulo encontra Instituto Tomie Ohtake.

Se os lugares importam, deslocar-se é se transformar – sem, no entanto, apagar os rastros do que já se foi. A arte, nesse contexto, é um campo privilegiado para apreender as camadas de tradução, opacidade, atrito e reinvenção que marcam o movimento de pessoas, formas e histórias. Foi com esse olhar que se iniciou a colaboração entre o Instituto Tomie Ohtake e o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM São Paulo), num momento em que a coleção do museu paulista se coloca em circulação pela cidade e enquanto o Instituto Tomie Ohtake preparava uma exposição dedicada à obra de Édouard Glissant. Logo começamos a conversar sobre o quanto a coleção do MAM São Paulo carrega marcas da demografia heterogênea do país e de sua maior metrópole; sobre como a história de nossas instituições é definida por trânsitos e mutações; e sobre como tanto modernidade quanto contemporaneidade estão imbuídas de legados de trocas e disputas entre territórios, linguagens e pessoas. Glissant usava a expressão aqui-lá para sublinhar que “aqueles que estão aqui vêm sempre de um “lá”, da vastidão do mundo”. Seu foco era afirmar que cada pessoa e comunidade carregam rastros de outras paisagens, línguas e culturas, e que por isso nenhum lugar é homogêneo ou pode ser compreendido como uma unidade coerente. Para o poeta, ao contrário do que alguns afirmam, a diversidade resultante dos movimentos entre territórios enriquece a experiência dos lugares, colocando-os em relação com todas as línguas e lugares do mundo. Partindo dessa premissa, a exposição propõe um exercício de escuta e aproximação, em que as obras da coleção do MAM são reunidas a partir do cruzamento de rastros – ora em ressonância, ora em desvio. Mais do que ilustrar deslocamentos, as obras os incorporam como matéria, gesto e pensamento.

A exposição se estrutura em dois núcleos, distribuídos em salas distintas, cada qual tensionando, à sua maneira, os modos de estar no mundo a partir da experiência do deslocamento e da relação com o outro. As obras presentes no espaço entre as salas introduzem algumas formas fundamentais dessa tensão: o texto, o mapa, e o isolamento. A primeira sala reúne obras marcadas por travessias físicas e simbólicas – migrações, diásporas, exílios, deslocamentos voluntários ou forçados, externos ou internos. Essas obras não apenas tematizam o movimento, mas o incorporam em suas matérias, gestos e construções formais. Elas apontam para as dinâmicas geopolíticas, afetivas e institucionais que moldam quem pode ou não circular, permanecer ou retornar. Aqui, o deslocar-se é compreendido como experiência complexa, feita de perdas, reinvenções e resistências.

A segunda sala se volta para as tensões entre corpo, território e identidade. Reúne obras que elaboram, por meio de imagens, superfícies e símbolos, processos de afirmação individual e coletiva – modos de inscrever a presença em contextos marcados por silenciamento, normatividade ou violência. Essas obras não se pretendem fixas ou ilustrativas: tratam de negociações sempre em curso, onde o corpo se torna lugar de disputa e de criação de sentido.

Cada uma dessas salas é orientada por uma obra que, em sua forma, já enuncia a instabilidade das fronteiras. Em uma, a multiplicidade de bandeiras de diferentes cidades brasileiras, de um mesmo estado, revela o caráter fragmentado e imaginativo dos signos cívicos que organizam o espaço nacional. Em outra, os retratos de pessoas em condição migrante – vendedores ambulantes que falam outras línguas, portam outros gestos, e vivem a precariedade de quem não pôde permanecer onde pertencia – tornam visível uma face cotidiana e estrutural da exclusão. Essas duas entradas não apenas introduzem os núcleos da exposição, mas também operam como dispositivos de leitura que colocam em relação o que se verá a seguir: deslocamentos e afirmações, mapas e corpos, simetrias e tensões, ausências e resistências. Ao caminhar entre as salas, o visitante é convidado a perceber como a arte – e as coleções – podem se tornar campos sensíveis, em que ecos do “lá” se inscrevem no “aqui”, e onde o entre-lugar se faz espaço de sentido.

Ana Roman, Cauê Alves, Gabriela Gotoda e Paulo Miyada, curadores.

Até 02 de novembro.

O universo de Grauben.

Exposição individual de pinturas de Grauben no Museu Inimá de Paula, Belo Horizonte, MG.

Grauben do Monte Lima (Iguatu, CE, 1889 – Rio de Janeiro, RJ, 1972) foi uma figura corajosa e pioneira, mudou-se para trabalhar no Sudeste no início do século XX , ocupando áreas de trabalho pouco convencionais para mulheres. A jornalista Maria Ignez Corrêa da Costa Barbosa conta que “Grauben foi das primeiras mulheres no Brasil a trabalhar na imprensa (na revista Fon-Fon, traduzindo do francês romances de capa e espada), a possuir um cargo público (no Ministério da Fazenda), a ir desacompanhada às confeitarias da cidade, onde ouvia a fala dos boêmios de então, como Olavo Bilac e Alberto de Oliveira, a tomar bonde sozinha.”

Só aos 70 anos de idade Grauben começou a pintar. Autodidata, a artista contou em depoimento de 1968: “Virei pintora por causa do crepúsculo. Eu morava na General Osório. Naquele tempo não havia tantos edifícios. Da janela, eu olhava o mar. O sol estava metade dentro dele, metade fora; e, deitada sobre aquelas águas, aquela esteira de luz. Comecei a chorar de beleza. Minha sobrinha disse que só uma artista choraria por aquilo – e me deu material para pintar.”

Grauben participou de três edições consecutivas da Bienal Internacional de São Paulo (1963, 1965 e 1967), expôs em Paris e realizou individual com 80 pinturas no MAM em 1966. Sua obra foi comparada a nomes como Grandma Moses e Séraphine de Senlis, mas se destacou por um estilo único, descrito como “neo-impressionismo com paisagens imaginárias” por Walmir Ayala. Mário Pedrosa definiu sua arte como um “esbanjamento dos últimos pólens de vida”. Suas pinturas integram acervos como o MAM Rio, o MNBA e a Collection Cérès Franco, além de constarem em importantes dicionários de arte.

A mostra em Belo Horizonte é uma oportunidade rara de encontro com essa artista singular, que retratava a natureza por meio de pontilhismo e uma exuberante variedade de cores tropicais, representando de forma simples elementos da fauna brasileira. Utilizando uma técnica descomplicada, baseada em pequenas pinceladas e pontos, sua pintura se destacava pela abundância cromática e pela delicadeza das formas. Suas obras, hoje preservadas em coleções particulares e galerias, revelam uma pintura marcada por tons crepusculares e motivos alegres, onde a sensibilidade do olhar amadurecido se transforma em celebração da beleza e da imaginação. Ao revisitarmos sua produção, celebramos não apenas a arte, mas a coragem de começar e florescer em qualquer tempo da vida.

A exposição fica em cartaz até 19 de novembro.

Exposição e livro na Pinakotheke Cultural.

Uma das figuras centrais na vida cultural brasileira desde 1956, Frederico Morais (1936, Belo Horizonte) ganha uma publicação em dois volumes, com 912 páginas no total, com seus textos críticos publicados ao longo das décadas de 1970 e 1980. “Frederico Morais – Arte e Crítica” (Edições Pinakotheke, 2025) é fruto de uma pesquisa de dez anos feita por Stefania Paiva e Rodrigo Andrade, que selecionaram 500 textos desse período abordado. O Volume I cobre os anos 1970; o Volume II, os 1980, e os textos foram publicados no jornal “O Globo”.

Para celebrar o lançamento da publicação, que dá a partida para as homenagens dos 90 anos de Frederico Morais, em 2026, a Pinakotheke apresenta uma exposição com 25 obras de 22 artistas próximos ao crítico, entre eles Beatriz Milhazes, Carlos Vergara, Cildo Meireles e Rubem Valentim, em seleção de Stefania Paiva e Diego Matos.

Além das obras, será exibido o filme “Frederico Morais – a crítica-poema”, com direção de Katia Maciel, pesquisa de Stefania Paiva, produção de Camila Perlingeiro e fotografia de Daniel Venosa, com depoimentos feitos pelos artistas Cildo Meireles, Rosana Palazyan, Carlos Zilio, Milton Machado, Ana Vitória Mussi, Evandro Salles, Beatriz Milhazes e Luiz Alphonsus.

A exposição apresenta também uma série de textos fac-similares com aproximação crítica, destacando três caminhos histórico-poéticos relevantes que atravessaram a trajetória de Frederico Morais: experiência e radicalidade (a arte dos jovens artistas dos anos 1960/1970); amplitudes modernas (a diversidade do Modernismo no Brasil) e identidades de um Brasil plural (muito além do moderno, um país único).

“Funcionando como prelúdio de um universo ainda maior, uma espécie de Biblioteca de Babel borgiana da arte brasileira, essa mostra permitirá visualizar algumas conexões selecionadas entre crítica e criação, entre curadoria e participação, entre história e presente”, como assinalam Stefania Paiva e Diego Matos.

Alberto Pitta na Nara Roesler.

01/set

Uma das figuras centrais no Carnaval de Salvador, onde atua há mais de 45 anos, o artista Alberto Pitta tem recebido, no Brasil e no exterior, um crescente reconhecimento de sua produção, e participará da 36ª Bienal de São Paulo, a convite de Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, que em 2023 já havia incluído obras suas na coletiva “O Quilombismo”, na Haus der Kulturen der Welt, em Berlim. Este ano, Alberto Pitta participou da exposição “Joie Collective – Apprendre a flamboyer”, no Palais de Tokyo, em Paris, entre outras. Na Nara Roesler São Paulo, Alberto Pitta irá mostrar, a partir de 02 de setembro, 24 trabalhos inéditos e recentes, em pintura e serigrafia sobre tela, além de desenhos sobre papel que mostram seu processo criativo, e ainda um carrinho de madeira, alusivo aos usados por vendedores de cafezinho em Salvador. A curadoria é de Galciani Neves.

Na abertura da exposição “Àkùko, Eiyéle e Ekodidé – Uma revoada de Alberto Pitta”, será lançado o livro “Alberto Pitta” (Nara Roesler Books, 2025), com 152 páginas, formato de 17,5 x 24,5 cm, capa dura com serigrafia, bilíngue (português/inglês) e texto de Galciani Neves – curadora da mostra – além de uma entrevista dada pelo artista a Jareh Das, curadora que vive entre a África Ocidental e o Reino Unido. A introdução é de Vik Muniz, amigo do artista desde que ambos participaram da exposição “A Quietude da Terra: vida cotidiana, arte contemporânea e projeto axé”, com curadoria de France Morin, no Museu de Arte Moderna da Bahia, em 2000.

A curadora destaca que na exposição três pássaros “aparecem com protagonismo nas telas de Pitta: Àkùko, Eiyéle e Ekodidé se espalham a partir de uma organização cromática do espaço da galeria Nara Roesler”. “Eles habitam a primeira série de trabalhos, na qual predominam composições em preto, branco, vermelho e amarelo, como se dessem boas-vindas ao público; em seguida explodem em cores vibrantes e composições multicoloridas, para encantar; e, por fim,acontecem na calmaria de telas brancas – onde distintos matizes de branco compõem o trabalho”.

Vik Muniz, na introdução do livro, afirma que “nos panos dos abadás, uniformes dos blocos afro e blocos de índios sua linguagem se moldou, impregnada de referências ancestrais e desafiada pela multitude de propostas temáticas resultante da autonomia criativa dos carnavalescos. Pitta é protagonista e produto desse encantamento pleno de tradição, mas não vazio de liberdade”.

Na Nara Roesler São Paulo, Alberto Pitta vai mostrar um carrinho de cafezinho, feito em madeira, na forma de um caminhão de brinquedo, em alusão aos “carrinhos de cafezinho”, muito comuns em Salvador, usados pelos vendedores ambulantes para vender café, normalmente já adoçado com açúcar, colocado em garrafas térmicas e servido em copos de plástico. Para a exposição “A Quietude da Terra: vida cotidiana, arte contemporânea e projeto axé”, em 2000, no Museu de Arte Moderna da Bahia, com curadoria de France Morin, Alberto Pitta desenvolveu um projeto inspirado no seu envolvimento duradouro com esses carrinhos de cafezinho, desde os treze anos de idade, quando criou seu primeiro carrinho de cafezinho.

Até 26 de outubro.

Bandeiras da Utopia.

Cortejo e exposição acontecerá neste domingo, dia 07 de setembro, abrindo a 1ª Semana de Arte e Cultura do Rio de Janeiro e contando, pela primeira vez, com artistas internacionais.

A edição deste ano abrirá a 1ª Semana de Arte e Cultura do Rio, iniciativa da ArtRio em parceria com a Secretaria Municipal de Cultura, e terá a participação de renomados artistas, como Cildo Meireles, Denilson Baniwa, Ernesto Neto, Jarbas Lopes, Lenora de Barros, Mana Bernardes, Marcos Chaves, Matheus Ribbs, Opavivará, Regina Silveira, Sepideh Mehraban, entre outros. Artistas indígenas de cinco diferentes etnias também participarão do evento.

A “PARADA 7 é um meio de participação efetiva do universo da arte e da cultura na discussão dos problemas do Brasil e do mundo, além de levar às ruas as manifestações da arte contemporânea. Um posicionamento efetivo dos artistas que trazem a visão da arte sobre as questões cruciais do nosso tempo”, afirmam César Oiticica Filho e Evandro Salles, idealizadores e organizadores do evento.

Para o evento deste ano, foram produzidas 100 bandeiras, cada uma com a obra de um artista, com imagens do que imaginam ser um novo mundo. Através das bandeiras, serão apresentadas visões e reflexões sobre as principais questões contemporâneas, pensando temas como: Qual a nossa utopia de mundo? Que mundo queremos construir? Como queremos que o nosso mundo seja? Como gostaríamos que a nossa civilização fosse? E o que queremos fazer de nosso planeta, a mãe Terra que nos acolhe, cria e alimenta?

Dentre os participantes da PARADA 7 deste ano, haverá 40 brasileiros convidados, 20 estrangeiros selecionados pela BRICS Arts Association, que lançará o primeiro número de sua revista durante o evento, e outros 40 artistas selecionados através de chamada pública pelo comitê curatorial do evento – formado por Giselle Lucía Navarro (Cuba), Yang Shu (China), Pooja Sod (Índia), Barbara Santos (Colômbia), Mai Abu Eldahab (Egito), Raquel Schuartz de Vargas (Bolívia), Shabbir Hussain Mustafa (Singapura) e pelos brasileiros Cesar Oiticica Filho, Helmut Batista, Evandro Salles e Sergio Cohn. A PARADA 7 2025 é organizada e produzida pelas seguintes instituições: BRICS Arts Association, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM Rio, Centro Municipal de Artes Hélio Oiticica, Capacete, Companhia de Mysterios e Novidades, Fina Batucada, Florestas Cidade – UFRJ, Guerrilha da Paz, Instituto de Artes da Universidade Federal Fluminense – UFF, Oasis, Programa de Pós-Graduação em Estudos Contemporâneos das Artes (PPGCA-UFF) e Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro.

De 07 de setembro a 15 de novembro.

Conversa com o fogo.

29/ago

Nesse sábado, dia 30 de agosto, o Farol Santander, Porto Alegre, RS, recebe o artista Xadalu Tupã Jekupé para uma palestra gratuita, “Conversando com o fogo: Tatá Arandu“.

Xadalu apresentará um panorama sobre a sua trajetória e sobre a sua obra que está presente na exposição “Cinco Elementos”, em cartaz no Farol Santander até o dia 21 de setembro.

A atividade acontece a partir das 16h00, na Arena 1 do Farol Santander, é gratuita e aberta ao público em geral. As vagas serão preenchidas por ordem de chegada, com prioridade para estudantes e professores da rede pública. A palestra contará com a presença de intérprete de LIBRAS.

Pertencimento e resistência.

O artista Tito Terapia (1977, São Paulo) participa da SP-Arte Rotas 2025, no estande E04, com um conjunto inédito de obras produzidas especialmente para a ocasião. A exposição também marca a representação do artista pela Galatea.

A feira, que acontece até 31 de agosto na Arca, em São Paulo, conta com pinturas em pequeno e médio formato que são produzidas com pigmentos naturais recolhidos na região da Zona Leste, onde Tito vive e mantém seu ateliê. Embora tenha iniciado a sua trajetória com a pichação, sua produção atual aponta para um caminho diverso, voltando-se para pinturas que transitam entre gêneros caros à tradição figurativa, como a paisagem e a natureza-morta.

Os trabalhos mesclam elementos do cotidiano e da memória, preservando histórias de lugares que já não existem e que em muitos casos foram consumidos pela especulação imobiliária em São Paulo. O processo manual e o uso de materiais locais reforçam a conexão entre sua produção e o território, atribuindo às telas um sentido de pertencimento e resistência.

O Brasil de Wilson Piran.

A Danielian Galeria, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Wilson Piran – Estrelas”, curadoria da dupla Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto que segue até 11 de outubro.

O Brasil de Wilson Piran.

“Estrelas” não deixa de ser um potencializado desdobramento das etiquetas autoadesivas que Wilson Piran produziu nos anos 70 com nomes de artistas, críticos e escolas, quando questionava o sistema da arte, trabalho que de certa forma o levou depois à série “Constelação”, em que os nomes de artistas, em madeira recortada e colorida com purpurina, esplendiam constelados nas paredes do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (a obra pertence à coleção Gilberto Chateaubriand).

Desta vez são retratos realizados com purpurina sobre tela. Numa “explosão de cores”, a lista de artistas/estrelas agora já não se restringe ao sistema da arte plástica, estende-se a áreas como música, teatro, ciência, política, etc. Observam os curadores uma figuração que “instaura, de maneira subliminar, uma atitude de manifestação política onde a purpurina assume posição central”. Embora poucos tenham se dado conta desse detalhe importante, a obra de Piran sempre manteve um forte vínculo político. Entre os retratados do universo das artes visuais, esta sua nova série traz Tarsila, Portinari, Lygia Clark, Di Cavalcanti, Paiva Brasil, Oscar Niemeyer, a carnavalesca Rosa Magalhães e o colecionador Gilberto Chateaubriand. A curadoria separou quatro deles do conjunto principal, os únicos realizados em purpurina P&B – Cartola, Lygia Clark, Grande Otelo e Villa-Lobos. Ao todo, são 36 retratos. Até o momento – porque, como a série “Constelação”, espera-se que “Estrelas” se consolide como obra aberta, isto é, em expansão, e é essa a intenção do artista. As escolhas ficaram, por certo, entre figuras canônicas e de maior popularidade. O espectador pode se indagar o porquê deste ou daquele retratado em lugar de outros tantos merecedores de igual destaque, como na escolha de Pelé e não de Garrincha, de Carlos Drummond de Andrade e não de Cecília Meireles, de Tarsila e não de Djanira, de Juscelino Kubitschek e Darcy Ribeiro e não de Getúlio Vargas ou Lula, por exemplo. Mas essas são e serão indagações capciosas, uma vez que todo artista tem suas prerrogativas e premissas. Assim Piran nos sugere um país diverso alicerçado em figuras que nos moldaram na certeza e incerteza do que somos. É ainda o Brasil de Carmen Miranda e José Celso Martinez Corrêa, de Glauber Rocha e Leila Diniz, de Rita Lee e Mariele Franco, de Santos Dumont e Bibi Ferreira. Um Brasil por vezes frívolo, apelativo – como o de Chacrinha! -, mesmo assim bem nosso. E o grande mapa do Brasil igualmente multicolorido em purpurina, logo à direita de quem entra no espaço da galeria, é o contraponto que transborda: não custa imaginar, na sua miríade cintilante e distribuição de cores, o nosso povo inteiro ali representado e convidado a brilhar junto, como no carnaval, ao lado de suas estrelas.

Por André Seffrin.

Vicente do Rego Monteiro na Danielian Galeria.

28/ago

 “Na exposição “Vicentes – Monteiro: Entre Recife e Paris (1899–1970)”, que vai até 11 de outubro na Danielian Galeria com a curadoria de Paulo Bruscky, temos um resumo muito bem articulado da vida e obra de Vicente do Rego Monteiro, e já o título diz muito. Vicentes. Assim mesmo, no plural. E é Bruscky, igualmente um multiartista, quem elenca o que esse pernambucano-parisiense foi além de “genial artista plástico”: “cenógrafo, fotógrafo, piloto de automóveis, fabricante de aguardente, dançarino, professor, funcionário público e cineasta”, sem esquecer de um “brilhante poeta/tipógrafo/tradutor tão desconhecido do público brasileiro”. Desconhecido como poeta e ainda pouco valorizado como grande pintor ao lado de Tarsila e Di Cavalcanti, entre outros que foram seus contemporâneos nas lutas modernistas antes e depois de 22. Tarsila e Vicente chegaram a conviver na Paris dos anos 20. Com Di havia certa distância e também rivalidade, provocada, é claro, pelo pintor carioca e suas aleivosias. Sobre o casal Tarsila e Oswald é bom recordar, com Jorge Schwartz, um texto de Aracy Amaral publicado em O Estado de S. Paulo de 13 de junho de 1970, sobre uma revelação que tanto magoou Vicente: “Nesse único encontro relatei-lhe – passado tanto tempo, julgava, esquecendo-me da suscetibilidade própria dos artistas, que lhe pareceria uma curiosidade – a destruição de seu quadro Fim de combate, adquirido por Tarsila em Paris, na década de 20. Segundo depoimento da pintora, esse quadro foi alvo de superstições de Oswald, na época do fim do casamento de ambos. Oswald de Andrade – talvez por temores de ameaças de crise – tinha nesse tempo um feiticeiro, Antenor, que vivia com ele na casa de Tarsila, na Rua Barão de Piracicaba, a fim de prever fatos desagradáveis. Certo dia, Oswald, muito crédulo, ao ouvir de uma amiga da casa o comentário de que a tela “devia dar azar” por seu assunto meio escabroso (um homem segurando a cabeça de outro, degolado, em cores intensas), sem nada dizer a Tarsila levou o quadro ao quintal, pondo-lhe fogo. Rego Monteiro, a quem narrei o fato como curiosidade, ficaria profundamente chocado com o feito de Oswald, tendo mesmo relatado a outros esse ato, que não deixava de ser atentado contra uma obra sua.” Há cerca de quatro décadas, ouvi de Walmir Ayala essa história, ao me dizer da tristeza do pintor e de sua vontade de reconstituir obras perdidas, o que de fato parece ter em parte realizado. E para não cansar eventuais leitores, destaco aqui apenas a imagem esguia do poeta Edson Regis, nesta mostra um óleo sobre tela que evidencia a importância dos retratos na obra de Vicente do Rego Monteiro. Como todas as pinturas, desenhos, objetos e impressos apresentados nesta seleção tão enxuta e exemplar, esse retrato, de grande impacto, guarda as características básicas do modus operandis deste que é um dos artistas mais importantes da arte brasileira. Em texto do mesmo modo enxuto e exemplar, Gênese de Andrade aprofunda essas características baseando-se, com muita acuidade crítica, na “representação de figuras humanas em obras de diferentes estilos, técnicas e suportes”, texto publicado com dois outros – de Bruscky e de Jorge Schwartz – no esplêndido catálogo que acompanha a exposição”.

Por André Seffrin.

De 08 de agosto a 11 de outubro, na Danielian Galeria, Gávea, Rio de Janeiro.