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Caleidoscópio

08/mar

Diálogos entre Barroco Contemporâneo, Pintura Clássica e os Ecos Urbanos

Bolsa de Arte & William Baglione

Exposição com início dia 29/03/2024 (Sábado) tem previsão de término em 30 dias. Contará com cerca de 40 pinturas em diferentes técnicas e dimensões.

A exposição “Caleidoscópio” destaca o talento pictórico de quatro jovens artistas contemporâneos: Rafael Hayashi, Ramon Martins, Thiago Nevs e Cripta Djan. Convida-nos a explorar a riqueza dos diálogos artísticos que transcende épocas e movimentos. Ao imergirmos nesse universo visual, somos desafiados a refletir sobre a continuidade da expressão artística ao longo do tempo, observando sua evolução e reinvenção nas interseções entre passado e presente, clássico e contemporâneo, urbano e sublime.

Assim como um caleidoscópio cria padrões dinâmicos a partir de fragmentos simples, a exposição revela uma multiplicidade de perspectivas, influências e estilos entrelaçados.

Os ecos urbanos permeiam as pinturas de maneira expressiva. A rebeldia e autenticidade desses movimentos dialogam com a sofisticação do barroco e da pintura clássica, proporcionando um contraponto fascinante com a arte popular e a estética da Pixação paulista. Essa última já conquistou reconhecimento em eventos como as Bienais de São Paulo e Berlim. As marcas urbanas são reinterpretadas como expressões de uma arte que pulsa no meio do caos e da ordem.

Artista participantes

Cripta Djan

Djan Ivson ou Cripta Djan como é conhecido nas ruas e no mudo das artes é pixador, artista e ativista, além de documentarista sobre temas que envolvem a pixação nos espaços urbanos e no campo das artes. Fora das ruas ele age como um agente externo representando a figura do pixador no campo político, acadêmico, das artes e cinema. A qualidade da obra de Djan, produzida em estúdio, está justamente no contraponto entre as palavras Cripta e Djan: o social e o singular, o habitus e a psique. Djan assume como linguagem um código que o distingue socialmente. Ao usar a letra reta e monocromática da pixação como inspiração, é possível notar as fronteiras entre o desenho e a escrita, a forma e a contraforma, o legível e o ilegível, o certo e o errado. A natureza de suas composições com base em um estilo tipográfico vernacular, legitimamente brasileiro e contraventor, nos permite questionar os limites da apreciação estética, algo sempre em construção no campo da arte. A partir de 2014 Djan iniciou sua produção artística intitulada por ele ”Criptografia Urbana”, que apresenta uma seleção de diferentes séries e obras com etapas dessa evolução: A série “Manifesto Periférico” Djan faz transcrições de manifestos criados por ele mesmo executando parágrafos em cada tela. Já a série “Manuscrito Urbano” traz reflexões sobre luta de classes, fazendo analogias sobre a luta dos povos bárbaros das antiguidades com as lutas de classes de hoje. A série “Urban City”, consiste de paisagens urbanas e periféricas letradas que trazem a semiótica da relação entre o indivíduo pixador com a cidade. “Código de Conduta” é uma série que traz palavras guia do contrato social das ruas entre os pixadores. A produção “Criptografia Urbana” já foi apresentada em exposições individuais dentro e fora do Brasil. Em 2016 Cripta Djan fez sua primeira exposição individual “Da Periferia para o Centro” em Nova York, no mesmo fez sua estreia em São Paulo com a exposição “Em Nome do Pixo”. Em 2018 Djan fez sua estreia na Europa e Reino Unido com as exposições “In The Name of PIXO” Birmingham (UK) e ” Caligrafia Marginal” na Kallenbach Gallery em Amsterdam.

Rafael Hayashi

Rafael Hayashi, artista inserido na vibrante cena contemporânea, explora os conflitos entre sociedade e indivíduo em suas obras. Nascido e residente em São Paulo, Brasil, sua arte é enraizada nas complexidades dessa metrópole, onde ele enfrenta e extrai inspiração para suas ideias. Suas pinturas são um mergulho no presente, onde as formas emergem em meio a grandes massas de tinta. A manipulação tátil do meio é evidente, moldando volumes, movimento e luzes. Utilizando as mãos, pedaços de tecido e outros materiais, Hayashi cria uma interação visceral entre os elementos, refletindo não apenas um diálogo visual, mas também uma batalha entre o artista e sua cidade. Ao olhar para a estética de mestres como Lucian Freud e Francis Bacon, além do próprio barroco brasileiro, Hayashi encontra um farol inspirador. Esses artistas, com suas explorações intensas da figura humana, servem como guias para suas experimentações. Em um ato de coragem, Rafael se coloca como modelo e objeto de experimento para seus filhos, trazendo uma dimensão pessoal e única à sua prática artística. Influenciado pela arte oriental, especialmente o ukiyo-e (gravura japonesa), e pela pintura contemporânea, Hayashi combina força, precisão e expressividade em seus trabalhos. Referências como Cai Quo Quiang, Hiroshige, Yang Shaobin, e outros, contribuem para a riqueza visual e conceitual de suas criações, reafirmando sua posição no panorama artístico contemporâneo.

Ramon Martins

Nascido em 1981, na vibrante São Paulo, Ramon Martins destaca-se como um artista brasileiro inserido na arte contemporânea, cujo trabalho ressoa com uma mistura vibrante de culturas, experiências e expressões artísticas. Sua jornada artística, desde os primórdios em Barra Longa, Minas Gerais, até projeções em festivais internacionais renomados, é uma narrativa rica em cores, texturas culturais e uma busca incansável pela expressão autêntica. Infância Bucólica e Rebelião Adolescente: Nascido em São Paulo, Ramon foi posteriormente criado por sua avó viúva em Barra Longa, imerso em uma paisagem bucólica que serviria como a semente de sua conexão com a natureza. Sua adolescência foi marcada por uma densa rebelião e introspecção, influenciada pela figura paterna desconhecida, um ambiente doméstico instável e a busca incessante por identidade. Seu encontro com a cultura urbana, especialmente com o graffiti, moldou de maneira singular sua perspectiva artística contemporânea, permeada pela pesquisa de elementos da moda e da cultura pop no cenário urbano, refletindo a diversidade e a busca de identidade essencialmente brasileira, representada no multiculturalismo.

Thiago Nevs

Thiago Nevs, renomado artista visual e calígrafo contemporâneo, emergiu das origens humildes da periferia paulista para se destacar nas artes visuais, especialmente na expressão urbana. Inspirado por suas vivências como filho de um caminhoneiro, Nevs transmite fragmentos de suas memórias através de suas obras, caracterizadas por pinceladas vibrantes e traços simétricos. O toque vernacular em sua caligrafia complementa sua expressão artística, oferecendo uma narrativa visual única. A harmonia em suas pinturas transcende o aspecto estético, fortalecendo os valores enraizados na cultura tradicional, realçando a relevância de sua preservação. Sua incursão no universo da caligrafia, com um toque peculiar, trouxe um tom distintamente brasileiro às suas obras, amalgamando tradição e contemporaneidade. Thiago Nevs é reconhecido pelas suas criações marcantes, exibidas em prestigiadas feiras de arte e participação em exposições nacionais e internacionais. Seu compromisso com a expressão autêntica e a celebração da cultura brasileira posicionam-no como uma figura proeminente no cenário contemporâneo das artes plásticas.

William Baglione

Curadoria

William Baglione fundou o coletivo de nome Famiglia Baglione (2005-2012) e administrou a carreira de 8 artistas. Assinou curadorias em exposições e projetos especiais no Brasil, Estados Unidos, Inglaterra e Rússia. Como curador independente assinou projetos culturais a convite da Embaixada Brasileiras em Moscou (2008 e 2009) e no ano de 2013, co-curou a exposição com leilão beneficente SOS Racisme no Palais de Tokyo, em Paris, tendo o Brasil como grande homenageado. Além de sua atuação como curador, William Baglione se destaca há mais de uma década como fotógrafo, expondo trabalhos autorais em cidades da França, Estados Unidos, Itália e Brasil. Trabalha também como consultor na aquisição de obras de arte e é sócio na marca e editora Afluente.

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Allan Weber no mezanino do IAB

A Galatea em parceria com a Central Galeria tem o prazer de apresentar a exposição individual do artista Allan Weber no mezanino do IAB – Instituto dos Arquitetos do Brasil.

“Allan Weber: Novo balanço”, acontece no IAB – Instituto de Arquitetos do Brasil, Vila Buarque, São Paulo, SP,  até 27 de março. O artista ocupa os dois andares do mezanino do edifício modernista icônico projetado por Rino Levy. Weber apresentará desdobramentos de sua pesquisa sobre as lonas utilizadas em bailes funks do Rio de Janeiro, além de uma nova instalação site specific da série “Passinhos” e um conjunto de obras inéditas.

A exposição é uma parceria entre a Galatea, galeria que representa o artista, e a Central Galeria, com sede no subsolo do IAB. Texto crítico de Jean Carlos Azuos.

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Bruno Novelli representado pela Galatea

A Galatea, São Paulo e Salvador, anuncia a representação do artista Bruno Novelli. Fortemente inspirado pela exuberância do mundo amazônico e nutrindo interlocução de longa data com os artistas indígenas Huni Kuin, Novelli traz em suas pinturas composições ricas em cor e complexas padronagens figurando animais fantásticos e visões oníricas da Natureza. Também lhe interessa colocar em tensão o olhar europeu na representação da paisagem tropical e o embate entre a Natureza e a sua dominação pelo homem. Fazendo cohabitar em seu trabalho referências que vêm desde o bestiário da pintura medieval, do renascimento, passando por expoentes da equivocadamente chamada “Art naïf”, do Surrealismo e da Pop art, Bruno Novelli alcança um estilo único dotado de figuras e padronagens inconfundíveis que nos capturam para dentro da tela.

Sobre o artista

Bruno Novelli nasceu em 1980, em Fortaleza, CE, cresceu em Porto Alegre, RS, e hoje vive e trabalha em São Paulo, SP. Concentrando a sua produção atual na pintura, estudou desenho, em 2003, no Atelier Livre da Prefeitura, em Porto Alegre, e formou-se em design gráfico em 2014 pela ESPM, em São Paulo. No início da sua trajetória artística criou, em Porto Alegre, a Universidade Autoindicada por Entidades Livres, uma série de encontros e programas coletivos que promoveram, entre 2003 e 2007, abordagens artísticas interdisciplinares. Produzindo há cerca de duas décadas, Bruno Novelli expôs em diversas instituições nacionais e internacionais, com destaque para: Siamo Foresta (Coletiva, Fondation Cartier pour l’art contemporain na Triennale Milano, Milão, Itália, 2023); Les Vivants (Living Worlds) (Coletiva, Fondation Cartier pour l’art contemporain na Lille3000, Lille, França, 2022); Tesouro das feras (Individual, Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul – MACRS, Porto Alegre, Brasil, 2021); 1981/2021: Arte contemporânea brasileira na coleção de Andrea e José Olympio Pereira (Coletiva, CCBB Rio de Janeiro, Brasil, 2021).

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Pinturas de Carlos Muniz

Expoente da arte abstrata brasileira, Carlos Muniz apresenta trabalhos recentes na Galeria Patricia Costa, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, com curadoria de Vanda Klabin. Passadas quase quatro décadas desde quando estiveram juntos em uma exposição nos idos dos anos 1980, Carlos Muniz, Patrícia Costa e Vanda Klabin voltam a se encontrar profissionalmente na individual “Carlos Muniz: O Olhar Abstrato”, com abertura marcada para o dia 04 de abril. A relação dos três profissionais de arte vem de longa data: antes da galerista Patrícia Costa, Carlos Muniz foi representado pela galeria de Paulo Klabin, então casado com a curadora e historiadora (e onde Patrícia também trabalhava). Para celebrar esse revival, foram selecionadas duas obras desta época, pertencentes ao acervo pessoal do artista. A mostra estará em cartaz até 30 de abril.

Da produção recente de 2023, ele mostrará um recorte com cerca de 15 obras inéditas em tinta acrílica, incluindo dípticos, trípticos e polípticos de grandes e médios formatos – alguns chegam a medir até três metros. A contraposição dos planos, as linhas paralelas simétricas que exploram cores primárias, sempre com muita precisão, são características marcantes em sua trajetória. Carlos Muniz se divide entre a residência em Montes Claros e o Rio de Janeiro, onde mantém ateliê em Botafogo. Sua filha Lúcia Muniz, cantora que foi revelação no programa “The Voice Kids” em 2019, fará uma apresentação no dia da abertura, às 19h, ocasião em que será lançado um filme documentário sobre a carreira do artista, dirigido pelo cineasta Pedro Paulo Mendes.

“Carlos Muniz compõe a sua nova gramática visual no zigue-zague dos padrões anunciados pela geometria e pelas vibrações cromáticas. Passamos a observar o mundo através desses exercícios geométricos coloridos, que trazem uma nova irradiação do seu olhar abstrato. A pintura e suas infinitas possibilidades se imbricam no amplo leque de experimentações que caracteriza a arte contemporânea. Uma geometria transitiva sempre antecedeu as suas pinturas, seja na elaboração do quadrado, do círculo ou do triângulo, repletos de um forte cromatismo, seja pela evidência de segmentos desiguais que revelam um acento existencial e trazem à tona, as assimetrias do mundo, o que contribui efetivamente para o florescimento de seu pensamento visual”, diz a curadora, Vanda Klabin.

Sobre o artista

Natural de Montes Claros (MG), Carlos Muniz é artista visual e cirurgião plástico. Começou retratando o bucólico interior mineiro, aderiu à sua tendência espontânea com o traço geométrico, passando a pintar quadrados e retângulos. Há mais de 15 anos começou a executar esculturas tridimensionais em aço com pintura automotiva. Uma delas se encontra exposta no Parque da Catacumba, na Lagoa, no Rio de Janeiro. O artista já participou de 30 salões de arte, quase 30 exposições individuais e cerca de 40 exposições coletivas no Brasil e em países como Japão, Portugal, Estados Unidos e África do Sul. Ao longo da carreira como artista, recebeu diversos prêmios: V Bienal Nacional (Santos/SP), XII Salão Nacional de Arte Plásticas FUNARTE/IBAC (Rio de Janeiro e Brasília), Salão de Arte Biosintética (São Paulo), entre outros. Sob influência da pintura de Raymundo Colares – artista renomado e seu conterrâneo -, suas obras alcançam o minimalismo abstrato, com um geométrico claro e intenso. Suas formas abstratas e concretas já haviam ocupado o espaço urbano durante a Copa do Mundo de 2014, com esculturas de grandes proporções na Praça Paris. Carlos Muniz já expôs suas obras em países como Japão (“Quatro Pintores Geométricos Brasileiros”, com Manfredo de Souzanetto, Ronaldo Macedo e Luiz Dolino), Estados Unidos (“Gallery 54″), Portugal (“Fundação Medeiros e Almeida”) e Londres (“Galeria 32/Embaixada do Brasil”), começou pintando há mais de 40 anos e fez parte da Geração 80.

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Diáspora asiáticas no Instituto Tomie Ohtake

Como aponta o diretor artístico do Instituto Tomie Ohtake, Perdizes, São Paulo, SP, Paulo Miyada, em um espaço cultural que recebe o nome de Tomie Ohtake, pensar as diásporas asiáticas é uma tarefa inevitável. Os numerosos conflitos, crises, invenções, revoluções e guerras ao longo do século XX foram determinantes tanto para a diáspora de importantes parcelas da população asiática quanto para o afluxo de imigrantes de diversas partes do mundo ao Brasil – tendo o estado de São Paulo como um destino comum para muitos fluxos diaspóricos devido a suas dinâmicas econômicas e sociais. “É um processo conflituoso, com perdas e trocas que atravessam as gerações e são definidas pela constante transformação”, completa Paulo Miyada. O programa Diásporas asiáticas procura somar forças a esse processo ao sublinhar o impulso criativo de artistas vindos da China, da Coreia do Sul e do Japão (ou mesmo nascidos aqui, em famílias imigrantes), exemplares de seus fluxos migratórios e, ao mesmo tempo, casos singulares dentro da história da arte brasileira. O programa foi produzido com recursos captados via Lei de Incentivo à Cultura, do Ministério da Cultura.

Diásporas asiáticas compreende três mostras, sendo duas individuais: Chen Kong Fang (Tung Cheng, China, 1931 – São Paulo, SP, 2012) e Hee Sub Ahn (Seul, Coreia do Sul, 1940), e uma coletiva, com trabalhos dos ceramistas nipo-brasileiros Akinori Nakatani, Alberto Cidraes, Hideko Honma, Katsuko Nakano, Kenjiro Ikoma, Kimi Nii, Kimiko Suenaga, Luciane Sakurada, Marcelo Tokai, Mário Konishi, Megumi Yuasa, Mieko Ukeseki, Renata Amaral, Shoko Suzuki e Tomie Ohtake. Ao lado das obras dos ceramistas, será possível apreciar haicais do artista Kenichi Kaneko que dedicou suas criações a cada um deles. O programa ainda conta com uma publicação, que apresenta algumas obras públicas de Tomie Ohtake e conta com textos inéditos dos curadores e um texto comissionado de Lais Miwa, pesquisadora que vem se destacando no debate acerca da presença e da visibilidade da população asiática no contexto brasileiro.

Hee Sub Ahn – O Caminho

Hee Sub Ahn – O caminho, com curadoria de Catalina Bergues e Julia Cavazzini, exibe pela primeira vez o trabalho da artista em um contexto institucional. A partir dos mais de cinquenta anos de criação intensa, selecionou-se um recorte das obras produzidas principalmente na década de 1980, poucos anos após sua chegada. Segundo as curadoras, a produção de Hee Sub Ahn é atravessada pelas memórias do lugar de origem, e pela nova comunidade aqui construída no bairro do Bom Retiro, no qual a artista ocupa papel central. “A disciplinada e rotineira criação artística de Hee se torna um íntimo ritual de dar significado ao que percebe em seu entorno”, destacam Catalina Bergues e Julia Cavazzini.

Chen Kong Fang – O Refúgio

Chen Kong Fang – O refúgio tem curadoria de Paulo Miyada e Yudi Rafael e se debruça sobre a carreira e a obra desse artista que construiu sua vida no Brasil, desenvolvendo a sua prática pictórica no cenário artístico paulistano por cerca de cinco décadas. A exposição, primeira retrospectiva do artista em uma instituição brasileira, reúne um conjunto de mais de cem obras, entre pinturas a óleo e sumi-ês produzidos entre o final dos anos 1940 e o início da última década. Segundo os curadores, ao invés de um partido cronológico organizado em fases sucessivas, a mostra enfatiza como o artista, que concebia a pintura como um caminho, fez de seu labor uma lida constante com gêneros pictóricos consolidados. “Tomando partido da reabertura experimental pelas vanguardas modernas, Fang imprimiu sua dicção própria nas ideias de retrato, paisagem e natureza morta”, completam. Essa exposição conta com o patrocínio da CTG Brasil.

Tocar a Terra – Cerâmica Contemporânea Nipo-Brasileira

A mostra Tocar a terra – cerâmica contemporânea nipo-brasileira, com curadoria de Rachel Hoshino e assistência de Ana Roman, elege a cerâmica para tratar do tema diáspora japonesa – “por ser ela, simultaneamente, matéria e metáfora: o terreno no qual se aporta, se planta e se habita é a terra tocada com arte pelo ethos nipônico”, explica a curadoria. São obras de 15 artistas baseados no estado de São Paulo cujas atividades, pesquisas e repertórios são influenciados pelas tradições do Japão, independentemente de sua ascendência. Segundo as curadoras, para além de forma e símbolo, é a experiência de energia latente que faz com que sementes e brotos sejam temas recorrentes em suas obras. “Muitas delas são deixadas em ambiente natural, onde continuam sua metamorfose, sob os efeitos de intempéries e da ocupação por outros seres”. Disso, ressalta Rachel Hoshino, resulta outro importante conceito nipônico: “wabi-sabi” (侘び寂び), ideal estético-filosófico segundo o qual o belo reside no imperfeito, no impermanente e no incompleto. “A plasticidade da argila, o respeito pelo tempo e a consciência da interdependência entre tudo fazem com que a cerâmica seja prática favorável ao diálogo do ceramista com a sua história, seu entorno e consigo próprio”, completa Rachel Hoshino.

Até 26 de maio.

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Exposição/homenagem na Pinakotheke Cultural

A exposição “Anjos com armas”, na Pinakotheke Cultural, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta até 11 de maio, cerca de 50 obras dos artistas Sergio Camargo (1930-1990), Lygia Clark (1920-1988), Mira Schendel (1919-1988) e Hélio Oiticica (1937-1980. A curadoria é de Max Perlingeiro, com a colaboração do artista Luciano Figueiredo.

A mostra é um tributo ao crítico e curador britânico Guy Brett(1942-2021), que desempenhou papel decisivo na internacionalização da arte brasileira, ao criar, junto com o artista filipino David Medalla(1942-2020), e outros amigos, a lendária galeria Signals, que de 1964 a 1966 exibiu obras desses fundamentais artistas que são Lygia Clark, Hélio Oiticica, Mira Schendel e Sergio Camargo. Quatro obras que estiveram originalmente na Signals, estarão expostas na Pinakotheke Cultural: “Bicho-Contrário II” (1961), “Espaço Modulado nº 4″ (1958) e “Espaço modulado nº8″ (1959), de Lygia Clark, e “Relief” (1964), de Sergio Camargo.

Na abertura de “Anjos com armas”, estará presente o crítico, historiador e filósofo da arte Yve-Alain Bois (Constantine, Argélia, 1952), pesquisador no prestigioso Institute for Advanced Study, em Princeton, EUA, quando será lançada a dupla publicação “Anjos com Armas” – dois volumes envolvidos por uma “luva” – bilíngüe (port/ingl), em formato de 21 x 27 cm. O primeiro, com 132 páginas, traz na íntegra o texto “Anjos com Armas” (“Angels with Guns”), de Yve-Alain Bois. Quando o filósofo enviou o texto para a tradução em português, ele instigou a Pinakotheke a montar uma exposição com base no ensaio, que trata-se de um texto muito amoroso sobre a importância da Signals e a amizade.

O volume 2, com 128 páginas, contém as imagens das obras da exposição, e fotografias de época, como as que mostram a Signals. Os textos são de Guy Brett sobre os artistas Sergio Camargo, Lygia Clark, Mira Schendel e Hélio Oiticica, apresentação de Max Perlingeiro, e ainda um texto de Luciano Figueiredo, que em 2017 organizou, com Paulo Venâncio Filho, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, a exposição “Guy Brett: a proximidade crítica”, em “reconhecimento ao longo interesse intelectual e afetivo do crítico por nossos artistas”, assinala Max Perlingeiro.

Outros destaques da exposição são os “Bichos”, de Lygia Clark, em alumínio: “Bicho caranguejo” (1960) e “Bicho-contrário II” (1961); o conjunto de sete “Metaesquemas” de Hélio Oiticica, de 1957 a 1959; o conjunto de seis “Relevos” de Sergio Camargo, entre eles o “Relevo nº 172″ (Fenditura spazio orizzontal e lungo), de 1967; os seis trabalhos da série “Monotipias” dos anos 1960 de Mira Schendel, além de seu “Caderno de artista” (1966), o “Diário de Londres”, no qual a artista usa, “ao que parece, pela primeira vez, as letras decalcadas (letraset)”, como afirmou Taisa Palhares, no catálogo da exposição “O espaço infindável de Mira Schendel” (2015), na Galeria Frente.

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Lançamento de livro de Cristina Canale

A Nara Roesler, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, tem o prazer de convidar, no dia 14 de março, às 19h, para o lançamento do livro “Faces”, dedicado à produção da pintora Cristina Canale às séries de retratos, com textos dos curadores Galciani Neves e Victor Gorgulho, 224 páginas e 130 imagens. Radicada em Berlim há mais de trinta anos, Cristina Canale é considerada uma das mais importantes artistas brasileiras, e uma das expoentes da Geração 80. No lançamento de seu livro, ela irá conversar com o curador Victor Gorgulho.

O livro “Faces” reúne 103 obras criadas por Cristina Canale desde 2006, além de detalhes que destacam as pinceladas com texturas das tintas, colagens de tecidos e o seu caderno de anotações, que dá muitas pistas sobre seu processo criativo. As obras são majoritariamente de faces de mulheres – corpo-paisagem, como definiu Galciani Neves -, e a artista conta que começou a fazer esses retratos há mais de dez anos, mas que só há sete passou a mostrá-los.

“Os retratos começaram a partir de um momento no processo que passei a focar nas partes do corpo separadamente, criando narrativas a partir só de pés, mãos, e… rostos. Meio que a parte pelo todo… Daí para entrar nos retratos como um território iconográfico foi um pulo”, explica. “O retrato é um território vasto que vai da abstração à narrativa. Alguns foram feitos a partir de pessoas bem conhecidas, mas sem preocupação de figurar estes personagens. Apenas usei elementos da imagem”, comenta.

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Marcelo Lago no Ateliê 31

Um dos nomes da geração de escultores do Rio de Janeiro na década de 1980, o artista Marcelo Lago inaugura a exposição individual “Esculturas, Pinturas, Gravuras” no Ateliê 31, Cinelândia, Centro, Rio de Janeiro, RJ, no dia 15 de março. Nessa mostra, Marcelo Lago apresenta 22 obras que compõem a sua trajetória, além de trabalhos recentes e inéditos. A mostra permanecerá em cartaz até o dia 15 de abril e a curadoria é assinada por Shanon Botelho.

“Para este momento Marcelo Lago nos propõe uma reflexão sobre a mutabilidade dos materiais – metais, bonecos de plástico, lambris, corpos e outros – e de três conceitos que fundamentam a sua pesquisa visual: Energia, Memória e Movimento”, descreve o curador. A produção dos trabalhos de Marcelo Lago tem processos longos. Ele utiliza diversas materialidades que envolvem desde fibra de vidro, plástico, chapa de alumínio, até motor de aquário. “Sou eclético com relação aos materiais, normalmente tenho uma ideia e busco a solução para a fatura, mas cada material tem sua própria linguagem, que sempre contribui com a poética final”, revela Marcelo Lago.

A obra mais recente e ainda inédita que será apresentada na mostra é “Energia Primal” (2024), da série Energias, uma escultura vertical em PVC e tinta automotiva, medindo 160 x 60 x 3 cm, na qual o artista propõe uma interrupção da ordem (linhas paralelas que se encontram no infinito), através da energia mais contundente possível, o calor. Mas ainda na exposição será possível encontrar outros trabalhos pouco vistos, como é o caso da série “Memórias, Sonhos e Reflexões”, que esteve no Paço Imperial (2005) e em função de uma greve ficou apenas duas semanas em cartaz. Embora tenha na escultura uma marca registrada, sendo um dos principais nomes de sua geração, o desenho sempre esteve presente na dinâmica do artista. “Sempre desenhei, desde muito jovem, mas nunca expus, pois depois que comecei a trabalhar com a três dimensões, e já faz mais de quarenta anos da minha primeira exposição individual, toda minha energia ficou direcionada na escultura e suas relações com o espaço”, diz o artista. Os desenhos da série “Sondas Espaciais” (2011), foram escolhidos para serem apresentados ao público pela primeira vez. “Movimento nesta exposição significa o momento atual de Marcelo Lago, um artista aguçado no exercício de suas capacidades criativas, em constante movimento em busca de novos materiais, formas de comunicar e de constituir objetos tridimensionais dotados de verdade e afeto”, define Shannon Botelho.

Sobre o artista

Marcelo Lago nasceu em 1958, no Rio de Janeiro. Participou da icônica exposição “Como Vai Você Geração 80?”, na EVA do Parque Lage, Marcelo Corrêa do Lago dá continuidade a uma geração de escultores do Rio. Suas peças se integram à paisagem urbana, como “Intervenção Vermelha”, grande tubo de aço pintado que durante quatro anos “abraçou” toda a fachada da Casa de Cultura Laura Alvim, na praia de Ipanema, ou o “Grande Painel Azul” que foi feito para sua primeira exposição no Paço Imperial, mas que a pedido de seu diretor, Lauro Cavalcante, ficou instalado no atrium por 12 anos. Tem trabalhos também no jardim da PUC Rio, no metrô Barra Funda, em São Paulo, Museu da República, em Brasília, no jardim do Museu Mineiro, em Belo Horizonte e na Praça Paris, Centro do Rio, onde permaneceu por três anos. Marcelo Lago mora e trabalha em Petrópolis, desde 1984, onde além do ateliê, desenvolve atividades como professor de escultura contemporânea, curadoria e produção cultural.

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Siron Franco no Recife

A Galeria Marco Zero, Boa Viagem, Recife, PE, apresenta exposição individual de Siron Franco, premiado artista goiano com sua produção revisitada com curadoria de Agnaldo Farias.

Poetizar a vida, manter-se aberto para o mundo e sentir e refletir o seu entorno e o que está dentro de si. Esses são princípios que norteiam a produção de Siron Franco (1947) desde que começou a produzir arte, ainda na infância. Sua obra, inquieta e provocadora, nunca cedeu a classificações ou correntes, exprimindo-se por diferentes mídias e suportes. Para marcar o retorno do artista a Pernambuco, após quase três décadas desde sua última individual, a Galeria Marco Zero apresenta “Siron Franco – De dentro do Cerrado”, exposição que reúne cerca de 50 obras em pintura e escultura. A mostra estará aberta ao público a partir do dia 13 de março.

Nascido em Goiás Velho (GO), Siron Franco vive e produz em Goiana. A vivência no cerrado do Brasil, com sua exuberância, tradições e contradições, permeia seu trabalho de múltiplas maneiras, seja nos seres grotescos, que misturavam figuras humanas com bichos, no início da sua carreira, ou na denúncia da exploração desenfreada da natureza, como na série “Césio”, em referência ao acidente radiológico ocorrido em 1987, em Goiana.

A palavra do curador

“Siron nunca tratou o político como uma questão menor. Ele sempre teve uma visão de Brasil que ultrapassava o país urbano e, nesse sentido, fez vários trabalhos que traziam questões urgentes, de cunho social, como a causa indígena. Ele se interessa pelo que acontece ao seu redor, se incomoda. A natureza é muito presente na sua obra, de uma maneira muito particular. Desde que surge no cenário artístico, ele consegue se impor pintando o grotesco, se arriscando em diferentes mídias, no seu próprio tempo. Trabalhou com o figurativo, o abstrato, com a escultura, o vídeo, sempre no seu tempo, sem seguir tendências”, explica o curador Agnaldo Farias.

A palavra do artista

“É uma alegria muito grande voltar a Pernambuco, estado que sempre me inspirou muito artisticamente. Fiquei muito feliz quando me deparei com a seleção presente na exposição porque me dá, também, a oportunidade de me relacionar com os trabalhos de outra forma. No meu ateliê, tenho uma gaveta na qual guardo desenhos desde a época em que era garoto. Quando reencontro algumas dessas obras, percebo que temas que estão aparecendo nos meus trabalhos do momento, já estavam em mim há décadas. Então, considero ter muita sorte em poder exercer o meu ofício, aos 76 anos. Me considero um aprendiz constante e o que me move é o mistério da vida”.

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Os talentos da Galeria TATO

06/mar

Coletiva traz obras de 28 artistas que participam de duas turmas da Casa Tato, que se consolidou como um dos programas de desenvolvimento de talentos de maior prestígio na arte visual brasileira. A mostra abre no dia 09 de março, com curadoria de Katia Salvany e Sylvia Werneck, na Barra Funda, novo circuito de arte na capital paulista.

A Galeria TATO, Barra Funda, São Paulo, SP,  – polo de atração e desenvolvimento de talentos na arte contemporânea -, inaugura a coletiva “Que dizer de nós?”. A mostra, que permanecerá em cartaz até 30 de março, reúne cerca de 30 obras de artistas participantes de duas edições da Casa Tato, projeto principal da galeria, com foco na inclusão de artistas promissores no sistema da arte. A curadoria é de Katia Salvany, que responde pela Casa Tato 9; e de Sylvia Werneck, responsável pela Casa Tato 10; com assistência de João Pedro Pedro.

A mostra apresenta obras dos seguintes artistas: Adriana Nataloni (Argentina), Alessandra Mastrogiovanni (SP), Alexandre Vianna (SP), Anna Guerra (PE), Anna Vasquez (BA), Bet Katona (RJ), Bianca Lionheart (SP), Danilo Villin (SP), Desirée Hirtenkauf (RS), Diogo Nógue (SP), Edu Devens (RS), Flávia Matalon (SP), Gela Borges (MG), Giovanna Vilela (SP), Glenn Collard (SP), Isaac Sztutman (SP), Isabel Marroni (RS), Jamile Sayão (SP), Janice Ito (SP), Jaqueline Pauletti (SC), Júnia Azevedo (RJ), Laura Martínez (México), Luciano Panachão (SP), Marcelus Freschet (SP), Marina Marini Mariotto Belotto (PR), Neto Maia (BA), Rogo (TO) e Tomaz Favilla (SP).

Criado em 2020, com o objetivo de dinamizar a carreira de artistas promissores, o programa Casa Tato chega à sua décima edição. “Ao longo de seis meses, os participantes fazem uma imersão de mais de 100 horas em encontros e trocas com diversos profissionais do sistema da arte do Brasil e do exterior”, explica Tato DiLascio, diretor da galeria e idealizador do projeto. Entre os curadores convidados participam: Agnaldo Farias, Alice Granada, Andrés Duprat, Daniela Bousso, Francela Carrera, Filipe Campello, Javier Villa, Lorraine Mendes, Lucas Benatti, Ludimilla Fonseca, Marcello Salles, Nancy Rojas, Paula Borghi e Rejane Cintrão.

Na exposição, os artistas participantes das edições 9 e 10 da Casa Tato se encontram no meio do caminho. O primeiro grupo conclui seu ciclo de acompanhamento, enquanto o segundo o inicia. “Com pesquisas bastante específicas e poéticas variadas, podemos dizer que, em seus trabalhos, os grupos partilham da vontade de esmiuçar o cotidiano e, com sorte, vislumbrar algum nexo na aventura de existir”, diz Katia Salvany. “Lidar com o transitório, encontrar o lugar do corpo na urbe, tentar refazer o elo rompido com a natureza ou compreender a memória são algumas das questões abordadas pelos artistas. As linguagens plásticas são tão variadas quanto os caminhos escolhidos para o mergulho em seus processos”, resume Sylvia Werneck.

 

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